Понятие рисунок: Рисунок — Википедия – Рисунок — это… Что такое Рисунок?

alexxlab
Разное |

Содержание

Рисунок — Википедия

Рису́нок (через польск. rysowac из ср.-в.-нем. rizen — резать, чертить) — изображение на плоскости, созданное графическимисредствами.

Рисунок — структурная основа зрительно воспринимаемой формы. Основа зрительного образа воспринимаемого объекта. В этом значении термин «рисунок» близок понятию абрис, контур, очерк. Художник раннего итальянского Возрождения Пьеро делла Франческа в «Трактате о живописной перспективе» (ок. 1482 г.) писал: «Под рисунком разумеем мы профили и очертания, кои заключаются в вещи» [1]. Однако рисунок есть не только «очертание», но также представление конструкции предмета в его трехмерных качествах. Рисунок как структурный образ наблюдаемого объекта складывается в сознании рисующего ещё до начала изобразительного процесса, и поэтому он несет в себе рациональное, интеллектуальное начало.

Рисование в изобразительном искусстве является структурной основой графической, живописной, скульптурной и архитектурной формы. Знанием рисунка (конструкции объекта) опосредуется зрительное восприятие внешней поверхности формы, поэтому мы воспринимаем объект не только как он видится, но действительно существующим в пространстве. К примеру, если мы видим круг, то благодаря логически-осязательному восприятию можем увидеть его шаром. Наблюдая сочетания квадратов, можем представить их в качестве куба в пространстве. В таком интеллектуальном восприятии структурные линии объекта создают представление направленности формы. реализовать такое представление можно различным образом: в зарисовке непосредственно с натуры, наброске, этюде, подготовительном эскизе композиции для живописи, скульптуры, поисковом эскизировании в процессе архитектурного и дизайнерского проектирования

[2].

Рисование также представляет собой отдельный вид изобразительного искусства, разновидность графики. Его история восходит к глубокой древности. Академическая история изобразительного искусства как правило начинается с изобретения рисунка. Иносказательно, имея ввиду структурообразующую силу рисунка, мы говорим о рисунке музыкальной композиции и даже о рисунке поэтического текста.

Рисунок всегда является полюсом и компасом, который нас направляет, дабы не дать потонуть в океане краски, где многие тонут, желая найти спасение

Двойственность содержания понятия «рисунок» (как основы воспринимаемой формы и как основы изображения формы) содержится в одном из первых определений, сформулированных знаменитым историографом эпохи итальянского Возрождения Джорджо Вазари: «Так как рисунок — отец трёх наших искусств: архитектуры, скульптуры и живописи, — имея своё начало в рассудке, извлекает общее понятие из многих вещей, подобное форме или же идее всех созданий природы, отводящей каждому его собственную меру, то отсюда следует, что он познаёт соразмерности целого с частями и частей между собой и с целым не только в человеческих телах и в животных, но и в растениях, а также в постройках, скульптурах и картинах. А так как из этого познания рождается определённое понятие и суждение, так что в уме образуется нечто, что, будучи затем выражено руками, именуется рисунком, то и можно заключить, что рисунок этот не что иное, как видимое выражение и разъяснение понятия, которое имеется в душе, которое человек вообразил в своём уме и которое создалось в идее»

[3]. Самое знаменитое определение искусства рисунка принадлежит великому Микеланджело Буонарроти:

«Рисунок, который иначе называют искусством наброска, есть высшая точка и живописи и скульптуры, и архитектуры; рисунок является источником и душой всех видов живописи и корнем всякой науки. Тому, кто так много достиг, что овладел рисунком, я скажу, что он владеет ценным сокровищем, потому что он может создавать образы более высокие, чем любая башня, равно как кистью, так и разумом, и не встретит стены, которая не была бы слишком узка и мала для безграничности его фантазии»

[4].

В эпоху итальянского Возрождения слово «рисунок» (ит. il disegno) означало, прежде всего, замысел, намерение, план, предшествующие работе в материале. Позднее появилось близкое понятие кончетто (мысль, замысел), а затем — инвенция (сочинение, изобретение). До распространения этих терминов итальянский художник и теоретик Ченнино Ченнини в «Книге об искусстве» (около 1390 г.) использовал определения: disegno interno (рисунок внутренний) и disegno esterno (рисунок внешний). Этим понятиям соответствуют франузские термины: dessin (рисунок) и dessein (замысел, понятие), восходящие непосредственно к латинскому de-signare (определять, обозначать; отсюда также английское design, слово, которое используют во многих значениях: замысел, идея, обозначение функции, проектирование, рисование). Теоретик итальянского маньеризма Ф. Цуккаро также обосновывал понятие «внутреннего рисунка», поясняя при этом: «Рисунок не есть ни материя, ни тело, ни свойство какой-либо субстанции, но … он — форма, идея, порядок, правило или предмет интеллекта, в котором выражены пóнятые вещи». Результатом взаимодействия «понимания» и «выражения» является «всеобщее представление» (disegno universale)— «идеальный образ, образованный в сознании и затем выраженный и прояснённый линией или другим наглядным способом». Поэтому рисунок (disegno) обозначает (segna) и показывает форму вещи. Отсюда придуманная Цуккаро этимология: «Disegno — segno di Dio in noi» (ит. «Рисунок — знак Бога в нас). Многие художники подчёркивали, что рисование — это не столько форма изображения, сколько способ или инструмент творческого мышления. Любитель афоризмов Эдгар Дега, соратник и, одновременно, оппонент французских импрессионистов, любил повторять: «Рисунок — не форма, а способ вѝдения». Академист Ж.-О.Д.Энгр формулировал понятие рисунка прагматично: «Рисунок — это линия, это всё»

[5].

Долгое время в истории искусства рисунок оставался лишь инструментом, подсобным средством на подготовительных этапах работы живописца, скульптора, архитектора, и его не расценивали в качестве самостоятельного вида изобразительного искусства. Художники после окончания работы даже выбрасывали ненужные им подготовительные зарисовки и эскизы. И только в начале ХХ века, одновременно с обретением специфики изобразительного языка гравюрой и литографией, рисунок приобрёл автономное художественное значение. Тогда же сложилась профессиональная терминология и, в частности, употребление словосочетаний: карандашом или пером рисуют, а красками пишут.

  • Академи́ческий рисунок — рисунок, выполняемый в рамках классического подхода к обучению изобразительному искусству, с использованием методически-обоснованных способов и технических приемов изображения объемных форм на плоскости на основе сознательного отношения к структуре изобразительного процесса, понимания конструктивных особенностей объекта. Академический рисунок ведется поэтапно, согласно основным методическим принципам: расчленения и последовательного решения отдельных изобразительных задач: конструктивного анализа объекта, моделировки тональных, свето-теневых, пространственных отношений. Конечная цель — достижение целостности изобразительной формы
    [6]    .
  • Рисунок в разрезе — инфографика, иллюстрация, чертёж или трёхмерная графика, на которой у трёхмерного объекта частично удалена поверхность с целью ознакомления и изучения внутреннего устройства. Обычно рассматривается как часть инженерного, архитектурного или дизайнерского проектирования и моделирования. Важным является то, что удаление части поверхности не должно искажать целостное представление объекта. Такой рисунок может сделать только проектировщие, хорошо знакомый с внутренним устройством объекта, имеющий планы, ортогональные проекции, детальные чертежи, другую необходимую для работы документацию. На инфографике и технических чертежах обычно обозначается масштаб изображения. Первые рисунки в разрезе известны с начала эпохи Возрождения. В частности их использовал в своих записных книжках итальянский художник-инженер Таккола (1382 — ок. 1453). В XVI веке рисунки в разрезе активно использовал учёный-минералог Георгий Агрикола (1494—1555), особенно в своём труде De re metallica
    [en]    . Ныне изображения в разрезе активно используются в индустрии компьютерных игр. Например, в игре The Sims у пользователя есть возможность рассматривать дома без стен, в разрезе и со стенами.
  • Станковый рисунок — одна из разновидностей изобразительного искусства, произведения которого имеют самостоятельное значение и воспринимаются независимо от пространственной среды. Буквально — рисунок, созданный на станке (мольберте), хотя рисунок, имеющий самостоятельную художественную ценность, может быть создан в альбоме, на планшете и даже в записной книжке.
  • Плакат — разновидность прикладной печатной графики, наборно-шрифтовое или художественно-иллюстративное листовое крупноформатное печатное тиражное издание, содержащее в наглядно-компактном виде информацию рекламного, агитационно-пропагандистского, инструктивно-методического, учебного и другого характера. Лист плаката содержит броское изображение и броский заголовок или призыв. В современном дизайне плакат воспринимается как «сведённое в чёткую визуальную формулу сообщение, предназначенное современнику для выводов и конкретных действий». Данная формула отражает определённый уровень графического дизайна и информирует о предмете коммуникации
    [7]    .
Художник Дмитрий Митрохин, силуэт
  • Силуэт — пло­ско­ст­ное од­но­тон­ное изо­бра­же­ние профилей фи­гур и пред­ме­тов. Разновидность графического искусства, выполняется как правило ту­шью на свет­лом фо­не или бе­ли­ла­ми на тём­ном фоне. Многие силуэтные изображения выполняют в технике коллажа или аппликации [8].

История изобразительного искусства охватывает, по крайней мере, 30 тысяч лет существования человека разумного (Homo sapiens) на Земле. Однако первые рисунки, нанесённые углём и охрой на стены пещер, также как петроглифы и геоглифы, не являются произведениями искусства в современном значении этого слова, поскольку их функции синкретичны. До формирования эстетического чувства и самоопределения художественного содержания творчество первобытного человека имело синкретичный характер, все его функции существовали нераздельно.

Первобытные охотники изображали, в основном, стада диких животных — быков и лошадей, иногда с фигурками людей, и даже «натуральный макет зверя» (предтеча искусства скульптуры) использовали для магических, ритуальных, обучающих целей. Также кроманьонцы (люди современного типа, вид, появившийся 40 000 лет назад) наносили на стены отпечатки рук красной охрой. Такие рисунки находят во всей западной Европе — во Франции, Испании и иных странах, и хотя их называют наскальной живописью, на самом деле они представляют собой проявление двигательно-магической активности первобытного человека. Нанесение орнамента на орудия, оружие и предметы быта также имело магический смысл либо было отражением двигательного чувства при освоении технологических приёмов, например в неолитической керамике [9].

Рисунки были предшественниками письменности в качестве наглядных посланий для передачи жизненно важной информации [10]. Рисунки использовали в качестве специализированной формы общения до изобретения письменного языка [10][11] Примерами являются наскальные росписи в пещерах времён палеолита. Подобные рисунки называются пиктограммами и изображают схематичное представление предмета или явления. Рисунки, созданные человеком в эпоху неолита, упрощены до знака (Протописьменность)и, в конечном итоге, до символов (неиконических знаков) ранней письменности.

Рисунок как учебный предмет[править | править код]

Графическое восприятие действительности и основанное на нём искусство рисунка рационально, последовательно и более методично в сравнении с живописным восприятием или пластическим мироощущением. Поэтому именно рисунок является основой специфичного познания действительности, «мышления формой» и обучения основам изобразительного искусства всех видов, родов и жанров. Именно в области преподавания рисунка исторически выработана научно обоснованная методика. В античности, западноевропейском Средневековье и в эпоху итальянского Возрождения ученики работали в мастерской мастера и учились, выполняя подготовительные работы либо помогая учителю в выполнении заказов. Первые Академии художеств возникали в эпоху Возрождения в Италии в связи с формирующимся интересом к античности как актуальной основе художественного творчества. Они вырастали из ремесленных сообществ (артелей, гильдий) и мастерских художников — боттегах, в которых проходили начальную подготовку ученики и подмастерья. Академиями они были лишь по названию, но во второй половине XVI века, в период маньеризма, подводившего итоги великой эпохи, возникла потребности в определённой методике. Изобразительное искусство достигло такого уровня сложности, что для грамотного выполнения заказов необходимо было изучать пластическую анатомию фигуры человека и перспективу, основы композиции живописной картины, мифологические и религиозные сюжеты. Архитекторам требовалось знать математику, геометрию, владеть навыками проектирования, черчения и макетирования (с XVI века заказчикам стали предоставлять графические проекты и макеты зданий). Эти задачи стали решать специальные учебные заведения — академии. В 1585 году в Болонье братьями Лодовико, Аннибале и Агостино Карраччи была создана «Академия вступивших на правильный путь». Академии создавали и в других городах и странах. Школы для подготовки художников учреждались частными лицами, просветителями и меценатами, а также государственными деятелями и монархами. Поэтому в эпоху классицизма XVII—XVIII веков большинство академий в странах Западной Европы и России именовались королевскими или императорскими. В иных случаях основой будущих академий были университеты или частные рисовальные школы. В основу преподавания было положено рисование с гипсовых слепков античной скульптуры, копирование графических оригиналов (рисунков и гравюр выдающихся художников), драпировок на манекенах и живых натурщиков.

Академическая программа обучения рисунку строилась по принципам «от простого к сложному» и «от частного к общему»: сначала рисовали детали, к примеру, гипсовые слепки глаза, уха или носа, затем голову, потом торс и только после этого — фигуру человека. Далее переходили к изображению группы фигур и, наконец, учились «сочинению» композиции на заданную тему. Эта порочная система была преодолена только в начале ХХ века, причём не в столичных академиях, а вначале в частных художественных школах-мастерских. Лучшими и самыми знаменитыми из них были школы А.Ашбе и Ш.Холлоши в Мюнхене. В них проходили обучение практически все самые известные, в том числе русские, художники начала ХХ века. В основу новой методики прогрессивно мыслящие художники-педагоги положили основные положения теории художественной формы, разработанные немецким скульптором и теоретиком Адольфом фон Гильдебрандом [12].

В России рисование в качестве самостоятельной учебной дисциплины сформировалось много позднее, чем в странах Западной Европы. В XI веке на Руси основными разновидностями графики были книжная миниатюра и народный лубок. Помимо миниатюр мастера писали и украшали замысловатыми рисунками заглавные литеры — буквицы. Вместе с изучением грамоты и письма, ученики при монастырских школах изучали азбуку этого ремесла [13]

Наряду с развитием книжной миниатюры на Руси развивалось искусство народной росписи, фресок и икон. Иконописцы и фрескисты работали по так называемым лицевым подлинникам и прорисям. С помощью «исходников» ученики осваивали каноны иконописных изображений, знакомились с техникой письма [14]. Со второй половины XVII вeка на Руси в связи с проникновением западноевропейских влияний и «фряжского письма» требовалась более сложная подготовка. В это время мастера переходили от артельной работы к постоянной при княжеском дворе, церкви или храме. Школы иконописания существовали в поместье Строгановых в Сольвычегодске и в их доме в Москве, в Московском кремле при Царицыной и Оружейной палате, в последней работал и учил подмастерьев Симон Фёдорович Ушаков [15].

Становление специального обучения изобразительному искусству по западноевропейскому образцу происходило в XVIII веке в связи с интенсивной европеизацией столичной российской культуры и формирования светских видов и жанров искусства. В начале XVIII в., в царствование Петра I механик-изобретатель А. К. Нартов представил царю проект «учреждения Академии разных художеств». Проект Академии разрабатывал русский историк В. Н. Татищев, архитектор П. М. Еропкин. Однако со смертью императора Петра Великого в 1725 г. эти начинания прервались. Российская «Академия трех знатнейших художеств» — живописи, ваяния и зодчества — была учреждена только в 1757 г. в Москве в царствование императрицы Елизаветы Петровны по инициативе коллекционера и мецената, графа Ивана Ивановича Шувалова. План новой «екатерининской Академии» в Санкт-Петербурге разрабатывал И. И. Бецкой. Согласно «регламенту» 1764 г. в Академии учредили четыре основных класса: живописный, скульптурный, архитектурный и гравировальный. Живописный класс, в свою очередь, делился на подклассы — исторический, батальный, портретный, «разных видов и архитектуры», «домашних упражнений» (бытовой и жанровой живописи), «всяких животных», «фруктов и цветов», мусического искусства (мозаичного мастерства), «миниатюрою» и «сухими красками» (росписи «а секко» и «стукко»). Позднее создавали художественно-промышленные школы, в которых, как и в Академиях, основой обучения было рисование с натуры [16].

Отечественных специалистов было крайне мало, поэтому на первых порах приглашали западноевропейских мастеров. Однако обучение велось по старинке: копированием оригиналов (образцов) и длительными «постановками» в рисовании с натуры. В старой (дореформенной) Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге рисование одной постановки длилось до 100 часов при общем сроке обучения (включая Воспитательное училище) 15 лет. Преподавали по принципу «делай как я». В классах поочерёдно дежурили два профессора: один работал сам, давая пример ученикам, второй, переходя от ученика к ученику, «правил работы»; сначала «выверял контур», затем давал команду перейти к тушеванию. Анализировали не форму, а копировали светотень на её поверхности, добиваясь максимального сходства с натурой, но при этом требовалась идеализация. Коренастые фигуры натурщиков (из бывших крестьян) идеализировали под фигуру Аполлона, лица правили по античным образцам и «божественному Рафаэлю». Отсутствие аналитического метода восполнялось тренировкой во времени. Лишь позднее, после реформы Академии в 1893—1894 годах, были организованы персональные творческие мастерские, но академическая методика не претерпела существенных изменений. Такое положение иллюстрирует первое академическое пособие: «Основательные правила, или Краткое руководство к рисовальному художеству» немецкого художника И. Д. Прейслера (русское издание 1735 года). Примечательно, что прогрессивные для своего времени методики разрабатывали именно русские педагоги. Выдающимися художниками-педагогами и замечательными рисовальщиками были Антон Павлович Лосенко, опубликовавший «Изъяснение краткой пропорции человека» (1772), и Василий Козьмич Шебуев. В 1834 году русский художник-любитель А. П. Сапожников издал «Курс рисования», в котором предложил использовать учебные модели из проволоки и картона, разъясняющие учащимся конструкцию изображаемых предметов [17]. Среди важных учебных пособий своего времени следует выделить работы П. Басина, В. Лангера. Прекрасные образцы рисунка, преодолевая академический метод, создавали такие художники-антагонисты, как Карл Брюллов и Фёдор Бруни.

Выдающимся педагогом Академии художеств был Павел Петрович Чистяков. Он создал условия для воспитания нового поколения учеников, среди которых были В. И. Суриков, В. М. Васнецов, В. А. Серов, В. Д. Поленов, М. А. Врубель. Чистяков не разработал завершённой методической системы, но он стал учить главному: аналитическому мышлению. Чистяков утверждал, что изображать предмет надо «во-первых, как он существует, во-вторых, как кажется глазу нашему» (то есть совмещая в одном образе объективные качества натуры и конкретные условия её восприятия). Чистяков учил «рисовать от точки», фиксируя направления охватывающих форму линий в пространстве по отношению к вертикали и горизонтали, применяя также способ «обрубовки» формы плоскостями в ракурсах. Непосредственным продолжателем метода Чистякова был В. Е. Савинский[18].

Прогрессивная, научно-обоснованная методика преподавания рисунка развивалась, тем не менее, не в Императорской Академии художеств, а в художественно-промышленных учебных заведениях, теснее связанных с жизнью и действительными потребностями общества: в московском Строгановском училище технического рисования (основанного в 1825 г. графом С.Г. Строгановым), в Рисовальной школе Общества поощрения художеств (в годы директорства Н. К. Рериха, 1906—1918). Позднее — во ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе трудами В. Ф. Франкетти, В. А. Фаворского и П. Я. Павлинова [19]. В петербургской Академии художеств научно обоснованная методика преподавания рисунка складывалась в начале ХХ века под влиянием теории двух установок зрения А. фон Гильдебранда и опыта школы А. Ашбе в мастерской Д. Н. Кардовского — Н. Э. Радлова. Новую концепцию Радлов изложил в 1913 г. на страницах журнала «Аполлон». В 1935 г. вышла его книга «Рисование с натуры». Оригинальную программу преподавания рисунка создал в 1960-х годах в ЛВХПУ им. В. И. Мухиной (с 2006 г. Санкт-Петербургская художественно-промышленная академия им. А. Л. Штиглица) заведующий кафедрой рисунка, профессор С. А. Петров. В МВХПУ (ранее Строгановское училище технического рисования, с 2009 г. – Московская государственная художественно-промышленная академия имени С.Г. Строганова) — художник, заведующий кафедрой рисунка Ф. Ф. Волошко, ученик А.А. Дейнеки. «Школа строгановского рисунка», или «система Волошко», бережно сохраняется О.Ф. Волошко, сыном выдающегося методиста и педагога. В основу метода положено понятие предметного пространства и его мысленного наполнения трехмерными объемами, изображение которых проводится последовательно: от способа «обрубовки» и выявления «переломов» формы (восходящего к методике П.П. Чистякова) и последующего наполнения формы тоном, минуя поверхностное срисовывание светотени и окрашенности поверхности [20].

После периода революционной смуты и гражданской войны в советской России в 1930-х годах восстанавливали систему образования и, в частности, эстетического воспитания и обучения детей основам изобразительного искусства, в том числе с привлечением педагогов старой школы. Выходили учебные пособия по «изобразительной грамоте». В начальной и средней школе больше внимания стали уделять развитию творческих способностей детей, методика преподавания дополнялась и обогащалась научными исследованиями по психологии детского творчества. Одновременно развивалась концепция «свободного воспитания» на основе биогенетической теории А. В. Бакушинского. Важнейшую роль сыграла педагогическая психология (педалогия) и когнитивная концепция развития психики ребёнка разработанные школой Л. С. Выготского. Рисование в общеобразовательных школах стало одним из важных предметов, отражающих и стимулирующих развитие и формирование психики ребёнка, навыков познания и общения.

Сторонники формалистического направления, пропагандировавшие теорию «свободного воспитания» издавали низкокачественные учебные пособия для общеобразовательных школ, в которых иллюстративный материал ограничивался детскими рисунками. Подобные пособия игнорировали познавательно-коммуникативные аспекты процесса овладения навыками рисования с натуры. Авторов таких пособий мало интересовал научный подход и классические традиции школы изобразительного искусства. Постепенно сторонниками академического направления стала проводиться последовательная работа по разработке вопросов методики преподавания рисунка для общеобразовательной школы. Создавались новые школьные программы. В 1931 году была выпущена новая школьная программа, в основу которой было положено рисование с натуры. В этой программе предусматривались задания по рисунку по тематическим разделам, декоративному рисунку, рисованию по представлению для младший классов и уроки по истории изобразительного искусства. Среди выдающихся специалистов по развитию методики обучения в общеобразовательных школах в советское время следует выделить: ученика П. П. Чистякова — Д. Н. Кардовского и учеников К. А. Савицкого: А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, К. Ф. Юона.

Многополярность взглядов на преподавание изобразительного искусства, на его роль и место в системе школьных дисциплин стали предметом дискуссий научных работников, художников и учителей. В учебных заведениях постепенно утверждались принципы и методы преподавания изобразительного искусства, разрешались споры о проблемах учебного рисунка. Ведущую роль в этом научно-методическом процессе стали играть факультеты изобразительного искусства педагогических вузов. Многие годы факультет изобразительного искусства (ранее художественно-графический факультет) Московского педагогического института возглавлял Н. Н. Ростовцев, автор публикаций по истории и методике учебного рисунка. Работу по организации создания учебных программ и пособий по рисунку для средней школы возглавил профессор, доктор педагогических наук, академик В. С. Кузин. Он рассматривал школьный предмет «изобразительное искусство» в качестве «обязательной учебной дисциплины, с помощью которой решаются традиционные задачи – образовательная, воспитательная и развивающая» [21].

При педагогических институтах и университетах в 1960-1970-х годах формировались научные школы, лаборатории и мастерские по исследованию детского художественного творчества. Действовали детские школы и кружки рисования, формировалась сеть средних художественных школ для одарённых детей. Во второй половине ХХ века новые психологические и методические подходы к детскому творчеству и обучению детей изобразительному искусству разрабатывали С. Д. Левин, С. М. Даниэль, О. Л. Некрасова-Каратеева.

Искусство рисунка служит технической основой всех видов и жанров изобразительных искусств. Рисунки создаются художниками в процессе изучения натуры (наброски, студии), при поиске композиционных решений графических, живописных и скульптурных произведений (эскизы, картоны), при создании этюдов живописных картин. Методика и техника рисования специально изучается живописцами, гравёрами, скульпторами и архитекторами в рамках учебной дисциплины «академический рисунок». В ряде учебных заведений существует общий (академический) и специальный курс рисунка для архитекторов и дизайнеров. С помощью рисунка можно передавать не только объёмную форму и пространство, но и оттенками чёрно-белого условно обозначать окрашенность, фактуру и текстуру поверхности предметов.

Как и в других видах изобразительного искусства, техника рисования подразделяется на изобразительные средства, приёмы и материалы. К изобразительным средствам относят тональные отношения (контраст и нюанс), линию, штрих, пятно, росчерк, точку. Рисовальные приёмы включают штриховку, растяжку (плавную моделировку тона), заливку, технику «сухая кисть» и иные приёмы в зависимости от используемых материалов. Материалы делят на основу (бумага, картон) и рисующие (инструменты): карандаш (свинцовый, графитный, угольный), «мягкие материалы»: уголь, соус, сангина, чернила, бистр, тушь, разнообразные мелки (пастель), белый и красный мел. Некоторые художники, например В. В. Лебедев, использовали «ламповую копоть» (разведённые в воде продукты горения керосиновых ламп). К рисовальным инструментам относят также фломастер (капиллярную ручку), традиционное металлическое перо и даже шариковую ручку, хотя последняя не даёт возможности моделировать линию и штрих.

  1. ↑ Мастера искусства об искусстве: В 7 т. М.: Искусство. 1965—1970. Т.2. C.74.
  2. ↑ В. Г. Власов. Рисование, рисунок // Власов В. Г. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства: в 10 т. — СПб.: Азбука-Классика. —Т. VIII, 2008 — C.190-195
  3. ↑ Вазари Дж. Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих (1568). Введение к трём искусствам рисунка. «О живописи» (1). Перевод с итальянского А.И. Венедиктова, А.Г. Габричевского (1956)
  4. ↑ Из книги Франсишку ди Оланда «Четыре диалога о живописи» (1548). Перевод А.Г.Габричевского. Цит. по: Мастера искусства об искусстве. — М.: Искусство. — Т. 2. 1966. — С. 197
  5. ↑ Власов В. Г.. Рисование, рисунок // Власов В. Г. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства. В 10 т. — СПб.: Азбука-Классика. — Т. VIII, 2008. — С. 192
  6. ↑ Власов В. Г.. Теория «двух установок зрения» и методика преподавания искусства. // Пространство культуры. — М. : «Дом Бурганова» — 2009. — № 3. — С. 65— 76
  7. ↑ Эллекция плакатов Музея дизайна в Цюрихе Архивировано 22 июля 2010 года. // Журнал «Как». 2001, № 2 (16).
  8. ↑ Силуэт // Большая российская энциклопедия.
  9. ↑ Столяр А. Д. Происхождение изобразительного искусства. — М.: Искусство, 1985
  10. ↑ 1 2 Tversky, B. Visualizing thought (англ.) // Topics in Cognitive Science (англ.)русск. : journal. — 2011. — Vol. 3, no. 3. — P. 499—535. — DOI:10.1111/j.1756-8765.2010.01113.x. — PMID 25164401.
  11. ↑ S. The Bigger Picture of Drawing (неопр.). — 2011. Архивная копия от 17 марта 2014 на Wayback Machine
  12. ↑ Гильдебранд А. Проблема формы в изобразительном искусстве (русский перевод Н. Б. Розенфельд и В. А. Фаворский. Предисл. А. В. Васнецова). — М.: Изд-во МПИ, 1991. — 137 с.
  13. ↑ «Ростовцев. Н. Н.» История методов обучения рисованию — М. : Просвещение. 1981. — 51с.
  14. ↑ «А. Г. Парамонов» История иконописи и проблемы современных методик обучения иконописанию — Липецк: Задонские Свято-Тихоновские образовательные чтения. 2014. — 186—188 с.
  15. ↑ Ананьева Т. А. Симон Ушаков. Л.: Аврора, 1971
  16. ↑ Власов В. Г.. Русская школа декоративно-прикладного искусства как один из источников современного дизайнерского образования. // Электронный научный журнал «Архитектон: известия вузов». — УралГАХА, 2009. — № 2 (26)
  17. ↑ Сапожников А. П. Полный курс рисования. М.: Алеев-В, 2003.- С. 51-53
  18. ↑ Молева Н. М., Белютин Э. М. П. П. Чистяков теоретик и педагог. М.: Изд-во Академии художеств СССР, 1953
  19. ↑ Павлинов П. Я. Для тех, кто рисует. Советы художника. М.: Советский художник, 1965
  20. ↑ Власов В. Г.. Обращаемое пространство в изобразительном искусстве и проективном мышлении // Электронный научный журнал «Архитектон: известия вузов». — УралГАХУ, 2019. — № 1 (65)
  21. ↑ Кузин В. С. Методика преподавания изобразительного искусства в 1-3 классах: Пособие для учителей. — 2-е изд. — М.: Просвещение, 1983. — 191 с. 16 л. ил.

Значение слова РИСУНОК. Что такое РИСУНОК?

РИСУ́НОК, —нка, м.

1. Изображение, воспроизведение предмета, сделанное карандашом, пером, углем, красками и т. п. У кибиток их пасутся уродливые, косматые кони, знакомые вам по прекрасным рисункам Орловского. Пушкин, Путешествие в Арзрум. — Я узнал вас по автопортрету — помните, такой маленький карандашный рисунок? Федин, Города и годы. || Узор. Жена, и бабушка, и дочь примутся рассматривать материю, хвалят рисунок, пробуют добротность. Гл. Успенский, Невидимки. Изящные чугунные завитки, составляющие рисунок ворот, служили верными точками опоры для цепких рук. Куприн, Белый пудель. || Иск. Совокупность линейных элементов в картине, в противоположность колориту, краскам. Картина, несмотря на 719 неудовлетворительный рисунок и местами даже дурной, делает чрезвычайно сильное впечатление сочинением, содержанием и общим тоном картины. Крамской, Письмо В. Г. Перову, 23 дек. 1872.

2. Искусство создания таких изображений, а также искусство изображения линейных элементов в картине в противоположность колориту, краскам. Я не без гордости вспоминаю целую плеяду известнейших наших архитекторов, учившихся у меня рисунку. В. Яковлев, Художники, реставраторы, антиквары. Я много работала у Добужинского по классу композиции и у Яковлева — по рисунку. Каверин, Перед зеркалом.

3. Контур, очертания чего-л. В рисунке гор не было ни одной цельной линии, все как бы находилось в движении. Павленко, Счастье. || перен. Совокупность наиболее характерных черт, особенностей воплощения чего-л. Рисунок роли. Рисунок танца. □ Оба рассказа свидетельствуют об известных литературных способностях их авторов: рассказы кратки, стройны по сюжетному рисунку, имеют удачные концовки. Фадеев, Письмо членам литературного кружка школы № 122, 2 дек. 1953.

Рисунок что это? Значение слова Рисунок

Значение слова Рисунок по Ефремовой:

Рисунок — 1. Нарисованное изображение, воспроизведение предмета, сделанное карандашом, пером, углем или акварелью.
2. разг. Узор. // перен. Очертание, контур.
3. Совокупность линейных элементов в картине в противоположность колориту, краскам.
4. перен. Характерные особенности исполнения, художественное воплощение какого-л. произведения искусства.

Значение слова Рисунок по Ожегову:

Рисунок — Нарисованное изображение, воспроизведение чего-нибудь

Рисунок Совокупность графических элементов в картине, в Anti колориту, краскам Spec
Рисунок Сочетание линий, красок и теней, узор
Рисунок Искусство рисования

Рисунок в Энциклопедическом словаре:

Рисунок — изображение, начертание на плоскости, основной вид графики.Выполняется (карандашом, пером, кистью, углем и т. д.) с помощью контурныхлиний, штрихов, светотеневых пятен в одном или нескольких цветах,преимущественно на бумаге. Главные виды художественного рисунка: станковыйрисунок, эскиз, этюд, зарисовка с натуры и т. д.

Значение слова Рисунок по словарю Ушакова:

РИСУНОК
рисунка, м. 1. Нарисованное изображение, воспроизведение предмета, сделанное карандашом, пером, акварелью или углем. Рисунок дерева. Карандашный рисунок. Рисунок карандашом, углем и т. д. || перен. Очертание, контур. Рисунок гор на горизонте. 2. Совокупность линейных элементов в картине, в противоп. колориту, краскам (живоп.). Этот художник мастер рисунка.

Значение слова Рисунок по словарю Даля:

Рисунок
см. рисовать.

Определение слова «Рисунок» по БСЭ:

Рисунок — какое-либо изображение, выполняемое от руки с помощью графических средств — контурной линии, штриха, пятна. Различными сочетаниями этих средств (комбинации штрихов, сочетание пятна и линии и т. д.) в Р. достигаются пластическая моделировка, тональные и светотеневые эффекты. Р., как правило, выполняется одним цветом либо с более или менее органическим использованием разных цветов. Сфера применения Р. чрезвычайно обширна и включает как многообразные виды Р. научно-вспомогательного, прикладного, технического характера, так и художественный — одну из важнейших и широко развитых областей изобразительного искусства. Р. лежит в основе всех видов художественного изображения на плоскости (живопись, графика, рельеф). Он составляет обычно начальную стадию выполнения произведений живописи и играет важнейшую роль в определении очертаний, формы, объёма предметов и расположения их в пространстве. Поэтому термином
«Р.» обозначается вообще совокупность линейно-пластических элементов живописи, определяющая структуру и пространственное соотношение форм. Р. как самостоятельная область художественного творчества является основным разделом графики. На основе искусства Р. развиваются и другие виды графики — гравюра и литография. Имеющий исключительное значение как средство познания и изучения художником действительности, Р. (прежде всего рисование с натуры, учебное рисование) составляет основу художественного образования.
Существуют многочисленные разновидности Р., различающиеся по методам рисования, по темам и жанрам, по назначению, по технике и характеру исполнения. Р. может выполняться как самостоятельное по значению (станковое) произведение графики или служить вспомогательным материалом для создания живописных, графических, реже скульптурных произведений. Подсобные Р. (наброски, эскизы, этюды) часто имеют выдающуюся художественную ценность. Особое место занимают Р., фиксирующие архитектурный замысел.
В технологическом отношении различаются Р. сухими и жидкими красящими веществами. К числу древнейших сухих красящих веществ относится уголь. Известные ещё со времён античности, в 12-16 вв. получили широкое распространение металлические (свинцовые, серебряные) штифты. В эпоху Возрождения входят в употребление сланцевый, так называемый итальянский, карандаш
(«чёрный мел») и сангина («красный мел»). С 16 в. применяется графит, с конца 18 в. — современного типа карандаши в деревянной оправе. В качестве жидких красящих средств, наносимых пером (тростниковым, птичьим, металлическим) или кистью, употребляются главным образом тушь, бистр, сепия, чернила. Основой, на которую наносится Р., служат самые разнообразные материалы. В древнем мире широко употреблялся папирус, в средние века — пергамент, иногда покрывавшийся специальным грунтом. С эпохи Возрождения основным материалом для Р. служит бумага, изобретённая в Китае и известная в Европе с 10-12 вв.
Бумага также нередко грунтуется и окрашивается в разные цвета (на цветной бумаге рисуют итальянским карандашом, углём, выделяя светлые места мелом или белилами). Разнообразие применяемых в Р. материалов и способов их использования, возможность комбинирования тех и других способствуют необычайному богатству изобразительных приёмов и художественных разновидностей Р. — от беглых, быстро исполненных набросков (т. н. кроки) до тщательно законченных, проработанных в деталях. от чётких линеарных Р. карандашом или пером (в которые элементы светотени и тона вводятся штриховкой, растушёвкой или размывкой) до чисто тоновых Р. кистью, приближающихся по характеру к живописи. Условность грани, разделяющей Р. и живопись, определяется и тем, что наряду с монохромными и подцвеченными Р. существуют многоцветные. Акварель, гуашь, пастель, соус, тушь могут служить средством для создания как Р., так и собственно живописных произведений.
Р. — один из древнейших видов искусства. В первобытном искусстве Р., неотделимый от наскальной и пещерной живописи, от примитивной гравировки (процарапывание на кости, камне, глине), является вполне жизненным в эпоху палеолита (изображения животных и сцен охоты), а затем схематизируется в эпоху неолита, часто переходя в орнамент. Синкретизм первоначальных форм изобразительного и орнаментально-декоративного творчества сохраняется в Р., входящем в искусство ранних рабовладельческих культур. Вместе с тем организующая роль Р. как основы изображения на плоскости яснее выступает в настенных росписях и рельефах Древнего Египта и древневосточных цивилизаций. Р. уже становится чистой графикой на древнеегипетских папирусах периода Нового царства (16-11 вв. до н. э.). Особой пластичностью отличается Р. в древнегреческой вазописи классического периода (например, Р. в росписи «белых» лекифов, 3-я четверть 5 в. до н. э.).
Тонкость наблюдения реальной жизни присуща Р. тушью на шёлке и бумаге, создававшимся с 4 в. до н. э. в Китае, а впоследствии также в Японии и др. странах Дальнего Востока (пейзажи, изображения людей, животных, цветов).
В эпоху средневековья линейный Р. развивается как архитектурный чертёж и графический образец для создания деталей архитектурного декора, в монументальных росписях служит начальным контуром изображения (наносимым каким-либо твёрдым инструментом или кистью на сырую штукатурку), является
«прорисью», подлинником лицевым (иконографическим образцом) при выполнении сложных композиций (например, в иконописи) и в целом носит схематичный и орнаментальный характер. Специфика Р. как вида графики полнее определяется в оформлении средневековых манускриптов (см. Книга, Миниатюра). В эпоху Возрождения закладываются теоретические и практические основы всей последующей творческой и учебной методики европейского Р. (изучение законов перспективы, светотени, пластической анатомии). Большое развитие получает рисование с натуры. Наряду с этюдами, эскизами, набросками, анатомическими и естественно-научными штудиями возникает станковый Р. и намечаются его основные жанры (историческая и жанровая композиция, портрет, пейзаж). В Италии точность и пластическая ясность Р., характерная вместе с некоторой суховатостью и подробной детализацией для мастеров 15 в. (Пизанелло, А. Поллайоло, А. Мантенья, В. Карпаччо), приобретает особую насыщенность и живую выразительность у художников Высокого Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, А. дель Сарто).
В противоположность строгой линейно-пластической манере большинства итальянских рисовальщиков римско-флорентинского круга, венецианские художники 16 в. (Тициан, П. Веронезе, Я. Тинторетто) создают свободный живописный, несколько эскизный стиль. В нем. Р. 16 в., на фоне которого выделяются универсальная широта, линейно-штриховая чёткость работ А. Дюрера и живописность штудий М. Нитхардта (Грюневальда), в целом преобладает линейное начало. Линия — лаконичная, иногда усиленная штриховкой, нередко становится почти каллиграфической [В. Хубер, А. Альтдорфер, Х. Бальдунг (Грин), У. Граф]. Блестящее развитие в 15-16 вв. получает карандашный портрет, тонко фиксирующий физиономические особенности модели (Я. ван Эйк в Нидерландах, Х. Хольбейн Младший в Германии, Ж. и Ф. Клуэ во Франции). Обострённую выразительность, своеобразную хрупкость линии приобретает Р. у представителей маньеризма (Понтормо, Пармиджанино, Л. Камбиазо в Италии и др.). Именно с 16 в. начинается собирание Р. выдающихся мастеров — как образцов для штудий молодых художников и как произведений, имеющих самостоятельное эстетическое значение (одна из первых коллекций такого рода была создана историографом и биографом итальянского Возрождения Дж. Вазари). С конца 16 в. вырабатывается (итальянцем Аннибале Карраччи и др.)
«академический» рисовально-учебный процесс, продержавшийся в АХ многих стран вплоть до конца 19 в.: на первом этапе ученик копировал «оригиналы» — Р. признанных мастеров, затем учился передавать объёмную форму, рисуя с гипсовых слепков античных статуй, и лишь на третьем этапе допускался к рисованию с живой натуры. Этот метод, дававший твёрдые систематические навыки Р., уводил в то же время от живого, непосредственного восприятия действительности. В противовес ясному, отчётливому, но отвлечённому академическому Р. в 17 в. создаются необычайно глубокие по замыслу, смелые и свободные по манере рисунки Рембрандта, верные натуре Р. пейзажистов Я. ван Гойена и Я. ван Рёйсдала, жанристов А. ван Остаде, Г. Терборха, Г. Метсю в Голландии, полные жизни, энергичные рисунки П. П. Рубенса во Фландрии, произведения крупнейших французских рисовальщиков — острые, гротескные наброски Ж. Калло, проникнутые глубоким внутренним чувством, свободные и живописные рисунки Н. Пуссена и К. Лоррена.
В Италии 17 в. академическому Р. противостоят беспокойные динамичные Р. мастеров барокко Л. Бернини и Гверчино. В 18 в. выдвигается ряд блестящих мастеров виртуозного, богатого тонкими наблюдениями и живописными эффектами Р. — натурного, жанрового, пейзажного и т. д. (А. Ватто, Ф. Буше, Г. де Сент-Обен, Ю. Робер, О. Фрагонар во Франции, Дж. Б. Тьеполо, Ф. Гварди в Италии, Т. Гейнсборо в Англии). Выступая против изысканности Р. рококо, представители Классицизма 18 в. во Франции во главе с Ж. Л. Давидом возрождают строгий, мужественный стиль Р., чёткость линий и отточенную пластичность моделировки. В 19 в. традиции классицистического Р. с его культом контурной линии развивает французский рисовальщик Ж. О. Д. Энгр, но в целом это направление быстро вырождается в холодный безжизненный академизм. Изучение Р. старых мастеров зачастую уточняет их творческую манеру, более известную по живописным произведениям, раскрывает оттенки предварительного замысла того или иного художника, помогает проследить эволюцию художественных принципов определённых направлений, школ, стилей.
Начиная с 19 в. стилистика Р. у его ведущих мастеров всё более непосредственно соотносится с общим развитием изобразительного искусства, с распространением передовых художественных идей. На рубеже 18 и 19 вв. испанец Ф. Гойя посвящает свои страстные, темпераментные, острые по исполнению Р. народной жизни и освободительной борьбе. Принципы свободного, проникнутого дыханием жизни, выразительного Р. утверждают французские романтики Т. Жерико и Э. Делакруа и особенно крупнейший французский рисовальщик 19 в. О. Домье, в творчестве которого острогротескные Р., разоблачающие буржуазно-дворянскую реакцию, сочетаются с мощными народными образами (Домье-карикатуристу следуют Поль Гаварни и ряд др. французских мастеров Р.).
Французский Р. 19 в. представлен также тонкими пейзажными зарисовками К. Коро и художников барбизонской школы, реалистическими и вместе с тем широко обобщёнными набросками Ж. Ф. Милле, чутко передающими момент движения, живую пластику человеческого тела листами Э. Мане, импрессионистов Э. Дега, О. Ренуара и др. Среди крупных европейских рисовальщиков 19 в. — К. Д. Фридрих, А. Менцель, В. Буш в Германии, У. Тёрнер, Э. Берн-Джоне, У. Моррисв Великобритании, И. Исраэлс и Я. Б. Йонгкинд в Голландии, И. Манес и М. Алеш в Чехии, А. Орловский, Я. Матейко, А. Гротгер в Польше. В конце 19 — начале 20 вв. вырабатывается специфический Р., отличающийся подчёркнутой графичностью и рассчитанный на воспроизведение в новой для той поры фотомеханической технике на страницах книг, журналов, газет. Мастерами такого Р., как правило, испытавшего влияние стиля
«Модерн», явились О. Диц, Т. Т. Хейне и др. в Германии, О. Бёрдсли и др. в Великобритании, Ф. Ропс в Бельгии. Своеобразный вклад в Р. «модерна» вносят архитекторы, обратившиеся к книжной и журнальной графике и придавшие ей особый конструктивный характер (П. Беренс в Германии, И. Ольбрих в Австрии). Наряду с этим типом в искусстве постимпрессионизма развивается Р., графически адекватный содержанию и манере живописи того или иного художника (во Франции — П. Сезанн, А. де Тулуз-Лотрек и голландец В. ван Гог, в Норвегии — Э. Мунк).
С конца 19 — начала 20 вв. получает распространение политический Р., направленный против социального угнетения и нередко проникнутый революционным пафосом (Т. Стейнлен во Франции, Г. Цилле, Х. Балушек, К. Кольвиц в Германии, Ф. Мазерель в Бельгии). С начала 20 в. Р. развивается под отчётливым воздействием сменяющих друг друга направлений. В Р. многих художников 20 в. — представителей авангардистских направлений в искусстве (Экспрессионизма, Кубизма, Футуризма, абстрактного искусства, Сюрреализма и др.) профессиональное мастерство рисовальщиков, острая выразительность форм часто входят в противоречие с нарочитой деформацией предметного мира, самодовлеющим экспериментом.
Таковы рисунки Э. Л. Кирхнера, Э. Нольде, Ж. Гроса и О. Дикса (Германия), А. Кубина и О. Кокошки (Австрия), А. Матисса, Р. Дюфи, Ж. Брака, Х. Гриса, Ф. Леже (Франция). В 20 в. традиции реализма продолжаются в рисунках А. Фужерона, Б. Таслицкого во Франции, П. Хогарта в Великобритании, Л. Мендеса, Х. К. Ороско, Д. А. Сикейроса в Мексике, К. Портинари в Бразилии, Р. Гуттузо, Д. Пурификато, А. Сальваторе в Италии, В. Зитте и В. Клемке в ГДР, Т. Кулисевича в Польше, М. Швабинского в Чехословакии, Ш. Эка в Венгрии. Мастерами острого сатирического Р. являются Р. Майнор, Ф. Эллис, У. Гроппер в США, Ж. Эффель во Франции, Х. Бидструп в Дании. Особое место в истории Р. 20 в. принадлежит П. Пикассо во Франции, создававшего свои Р. в широкой амплитуде манер (от тонко линеарной, антикизирующей до обобщённо лапидарной). Острое чувство пластического начала отличает Р. скульпторов конца 19 — 20 вв. — О. Родена, А. Майоля во Франции, Э. Барлаха, Г. Кольбе в Германии, Г. Мура в Великобритании, М. Марини в Италии, Г. Маркса в ФРГ, Ф. Кремера в ГДР.
В России натурный и композиционный Р. уже во 2-й половине 18 — начале 19 вв. благодаря усилиям рисовальщиков-педагогов петербургской АХ — А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмова, А. И. Иванова, К. П. Брюллова занял важное место в художественной культуре. Классическое совершенство формы и жизненная убедительность, глубокое изучение натуры присущи рисункам О. А. Кипренского, М. И. Козловского, А. Е. Егорова, В. К. Шебуева, Ф. П. Толстого, Брюллова. Синтетизм, сочетание строгого академического начала с трепетной жизненностью, лаконические линии с живописностью тона, характерен для рисунков А. А. Иванова. Большое место в развитии искусства Р. в России занимают работы жанристов, сатириков, иллюстраторов — в 18 в.
И. А. Ерменёва, в 19 в. поляка А. О. Орловского, А. Г. Венецианова, П. А. Федотова, украинца Т. Г. Шевченко, А. А. Агина, П. М. Шмелькова, П. П. Соколова. Подъёму искусства Р. в 19 в. во многом способствовала борьба за реалистическую методику его преподавания, за приближение Р. к действительности, которую вели Венецианов, И. Н. Крамской и особенно П. П. Чистяков (учениками последнего были И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. М. Васнецов, В. Д. Поленов, В. А. Серов, М. А. Врубель, Д. Н. Кардовский). Р. играет существенную роль в творчестве передвижников (жанровые рисунки К. А. Савицкого, В. Е. Маковского, Н. А. Касаткина, портреты работы Крамского, Н. А. Ярошенко, пейзажи А. К. Саврасова, И. И. Шишкина, Ф. А. Васильева). Точностью наблюдений, блестящим мастерством отличаются рисунки Репина, лаконичные, виртуозные рисунки Серова, натурные штудии и иллюстрации Врубеля с их живописной выразительностью и своеобразной
«кубистической» штриховой моделировкой. Изощрёнными рисовальщиками являются мастера «Мира искусства», проявившие себя прежде всего в книжной графике, а также в портрете, пейзаже, исторической композиции (А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. А. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов, И. Я. Билибин, А. Я. Головин, Б. М. Кустодиев, Н. К. Рерих, Г. И. Нарбут, С. В. Чехонин). История и жизнь народов СССР определили новое содержание сов. Р. Опираясь на реалистические традиции искусства, руководствуясь методом социалистического реализма, сов. художники развивают своеобразные виды станкового Р. — композиционный Р. ( часто составляющий серии и циклы)
на темы социалистического строительства, героической истории сов. народа, борьбы народов за мир (Д. А. Шмаринов, Е. А. Кибрик, В. А. Серов, Б. И. Пророков, К. И. Финогенов, А. М. Лаптев, П. В. Мальков, Н. А. Пономарев и др.), портретный Р. вождей и деятелей СССР, рабочих, колхозников, интеллигенции, комсомольцев, воинов Советской Армии (Н. И. Альтман, Н. А. Андреев, И. И. Бродский, Г. С. Верейский, Н. П. Ульянов, Д. Н. Кардовский, Е. А. Кацман, А. И. Лактионов, В. А. Фаворский и др.), пейзаж (В. В. Мешков, А. А. Дейнека и др.), а также жанр художественно-документальной зарисовки, иллюстрации произведений советской и классической литературы (Лансере, Кустодиев, Кукрыниксы, Шмаринов, Б. А. Дехтерев, А. Ф. Пахомов, В. М. Конашевич, Д. И. Митрохин, П. В. Митурич, Н. А. Тырса, Е. И. Чарушин, Н. Н. Купреянов, С. В. Герасимов, М. С. Родионов, Н. Н. Жуков, В. В. Лебедев, Д. А. Дубинский, О. Г. Верейский, В. Н. Горяев).
В Великую Отечественную войну 1941-45 был создан особый тип фронтового Р., глубоко патриотично запечатлевший подвиг сов. людей и трагические сцены пережитых ими бедствий. Широко распространён жанр путевых зарисовок, документально точно повествующий о повседневной жизни и быте сов. страны и народов зарубежных стран. Искусство Р. успешно развивается во всех республиках СССР (В. И. Касиян, М. Г. Дерегус на Украине, С. Г. Романов в Белоруссии, А. Азимзаде в Азербайджане, И. М. Тоидзе в Грузии, М. М. Абегян в Армении, А. Н. Волков в Узбекистане, Л. А. Ильина в Казахстане и др. Важное агитационно-политическое значение приобрели с первых лет Великой Октябрьской социалистической революции плакат, карикатура, газетно-журнальная графика (В. В. Маяковский, Д. С. Моор, В. Н. Дени, М. М. Черемных, Кукрыниксы, Б. Е. Ефимов, А. М. Каневский, Л. В. Сойфертис и др.).
Лит.: Сидоров А. А., Рисунок старых русских мастеров, М. — Л., 1956. его же. Рисунок русских мастеров. (Вторая половина XIX века), М., 1960. Соловьёв А. М., Смирнов Г. Б., Алексеева Е. С., Учебный рисунок, М., 1953. Гращенков В. Н., Рисунок мастеров итальянского Возрождения, [М., 1963]: Виппер Б. Р., Статьи об искусстве, [М., 1970]. Флекель М. И., Великие мастера рисунка, М., 1974. Meder J., Die Handzeichnung. lhre Technik und Entwicklung, 2 Aufl., W., 1923. Grassi L.. Storia del disegno, Roma, 1947. Boekhoff Н., Winzer F., Das grosse Buch der Graphik, Braunschweig, 1968. Kenin R., The art of drawing from the dawn of history to the era of the impressionnists. N. Y. — L., 1974. см. также библиографию к ст. Графика.
А. А. Сидоров.
Тициан (Италия). «Группа деревьев». Перо. Ок. 1516-18. Метрополитен-музей. Нью-Йорк.
«Фараон на военной колеснице» (Древний Египет). Рисунок на терракоте. 12 в. до н.э. Египетский музей. Каир.
В. Хубер (Австрия). «Ущелье в Преттигау». Перо, акварель. 1552. Юниверсити-колледж. Лондон.
Леонардо да Винчи (Италия). «Фигура, иллюстрирующая пропорции человеческого тела согласно Витрувию». Бистр, перо. Ок. 1492. Галерея Академии. Венеция.
Т. н. мастер У. Д. С. (Франция). «Габриель ДЭстре». Итальянский карандаш, сангина. Ок. 1597. Национальная библиотека. Париж.
«Придворный карлик Мурада III в образе планеты Марс» (Персия). Тушь, золотая краска, перо. Конец 16 в. Музей Фогга. Кембридж, США.
Виллар де Оннекур (Франция). «План апсиды и фигура Христа». Чернила, перо. 13 в. Национальная библиотека. Париж.
Т. н. мастер Ахиллеса (Древняя Греция). Рисунок на аттическом лекифе из Эретрии. Ок. 450 до н.э. Национальный археологический музей. Афины. Фрагмент.
Т. Кулисевич (Польша). «Белые животные» (из серии «Индия»). Тушь, перо. 1956.
О. Домье. «Дон Кихот и Санчо Панса». Уголь, тушь, кисть. Ок. 1870. Метрополитен-музей. Нью-Йорк. (Франция).
А. Матисс. «Женский портрет». Тушь, перо. 1944. Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Москва.
Ж. Сёра. «Мост Курбевуа». Графитный стержень. 1880-е гг. Собрание Ф. Кеттанех. Нью-Йорк.
П. П. Рубенс (Бельгия). «Геркулес душит немейского льва». Сангина, мел, чернила, белила, кисть. После 1630. Художественный институт Кларка. Уильямстаун.
Ф. Гойя (Испания). «Щёголь» (из серии «Нескромное зеркало», 1792-97). Тушь, перо. Прадо. Мадрид.
Ж. О. Д. Энгр. «Семья Гийон-Летьер». Карандаш. 1819. Бостонский музей изящных искусств.
Рембрандт (Голландия). «Стоящий натурщик». Бистр, белила, перо, кисть. Ок. 1646. Альбертина. Вена.
Г. С. Верейский. «В саду Русского музея. Ленинград». Тушь, кисть, камышовое перо. 1925. Третьяковская галерея. Москва.
В. Н. Горяев. Фронтиспис к «Петербургским повестям» Н. В. Гоголя. Карандаш. 1966. Русский музей, Ленинград.
Д. А. Шмаринов. «Возвращение» (из серии «Не забудем, не простим!»). Черная акварель, уголь. 1942. Третьяковская галерея. Москва.
М. А. Врубель. «После концерта. Портрет Н. И. Забелы-Врубель». Пастель, уголь. 1905. Третьяковская галерея. Москва.
И. Е. Репин. «Л. Н. Толстой, пишущий за круглым столом в Ясной Поляне». Графитный карандаш. 1891.
П. А. Федотов. «Квартальный и извозчик». Графитный карандаш. 1848-49.
К. А. Сомов. «Профиль». Графитный карандаш. 1896. Третьяковская галерея. Москва.
А. А. Иванов. «Мальчик, играющий на свирели». Этюд к картине «Аполлон, Гиацинт и Кипарис». Итальянский карандаш. Ок. 1831-34. Третьяковская галерея. Москва.
И. Скородумов. Автопортрет. Бистр, перо. 2-я пол. 18 в. Местонахождение неизвестно.
Микеланджело (Италия). Этюды к фигуре Ливийской сивиллы (фреска Сикстинской капеллы в Ватикане). Сангина. 1511. Метрополитен-музей. Нью-Йорк.
А. Дюрер (Германия). «Смерть-всадник (Помни обо мне)». Уголь. 1505. Британский музей. Лондон.
Н. Пуссен (Франция). «Анжелика и Медор». Бистр. Середина 17 в. Лувр. Париж.
Лян Кай (Китай). «Поэт Ли Бо». Тушь. 12 — нач. 13 вв. Национальный музей. Токио.
Таддео Гадди (?) (Италия). «Введение Марии во храм». Темпера, белила, кисть. 1330-е гг. Лувр. Париж.
Ф. М. Матвеев. «Пейзаж с пиниями». Сепия, тушь, итальянский карандаш. 1810-е гг. Третьяковская галерея. Москва.


Рисунок — Википедия

Рису́нок (через польск. rysowac из ср.-верх.-нем. rizen — резать, чертить) — структурная основа зрительно воспринимаемой формы. В этом значении близко понятию абрис, контур, очерк. Художник раннего итальянского Возрождения Пьеро делла Франческа в «Трактате о живописной перспективе» (ок. 1482 г.) писал: «Под рисунком разумеем мы профили и очертания, кои заключаются в вещи» [1].Однако рисунок есть не только «очертание», но также представление конструкции предмета в его трехмерных качествах. Рисунок как структурный образ наблюдаемого объекта складывается в сознании рисующего еще до начала изобразительного процесса, и поэтому он несет в себе рациональное, интеллектуальное начало. Рисование в изобразительном искусстве является структурной основой графической, живописной, скульптурной и архитектурной формы. Рисование также представляет собой отдельный вид изобразительного искусства, разновидность графики.Его история восходит к глубокой древности [2].

Рисунок всегда является полюсом и компасом, который нас направляет, дабы не дать потонуть в океане краски, где многие тонут, желая найти спасение

Академи́ческий рисунок — это рисунок, выполняемый в рамках классического подхода к обучению изобразительному искусству, с использованием методически-обоснованных способов и технических приемов изображения объемных форм на плоскости, на основе сознательного отношения к структуре изобразительного процесса, понимания конструктивных особенностей объекта, выполняемый с целью решения определенных линейно-конструктивных, свето-теневых, тональных, композиционных и других учебных задач. Академический рисунок ведется поэтапно, с четким соблюдением требований знания формы, умения изображать объем, тональным соотношением, и самое главное передает общую целостность восприятия работы.

История

История живописи и рисунка охватывает, по крайней мере, 30 тысяч лет жизни человека на Земле и является практически соседкой истории музыки. Первые рисунки, нанесённые углём и охрой на стены пещер, где проживали древние, изображали, в основном, стада диких животных — быков и лошадей. Также кроманьонцы (люди современного типа, вид, появившийся 40 000 лет назад) наносили на стены отпечатки рук. Такие рисунки находят во всей западной Европе — во Франции, Испании и прочих странах, и называют их наскальной живописью. Позже, в разгар Неолита, появляется орнамент на керамике, посуда украшается узорами.

Техника

В роли графической основы присутствует в любом изображении на плоскости, в этом значении оценивается с точки зрения качества (понятие рисунка в живописи и т. п.). Рисунок может выполняться как самостоятельное по значению произведение графики либо служить вспомогательным этапом для создания живописных, графических, реже — скульптурных работ или архитектурных замыслов. Рисунки как предварительные наброски и эскизы для создания более масштабных живописных произведений часто имеют самодостаточную и выдающуюся художественную ценность.

Рисунок является технической базой изобразительных искусств, ввиду этого глубоко изучается художниками, скульпторами и архитекторами (учебная дисциплина «академический рисунок»). Рисунки создаются художниками в процессе изучения натуры (наброски, студии), при поиске композиционных решений графических, живописных и скульптурных произведений (эскизы, картоны), при разметке живописной картины (подготовительный рисунок под живопись).

Рисунок как самостоятельное произведение — станковый рисунок (по аналогии со станковой живописью) — образует в европейском искусстве отдельный вид графики. Под категорию станкового рисунка подпадают также исторически известные рисунки значительной эстетической ценности, независимо от первоначального предназначения. С живописью рисунок сближает его уникальность, тогда как такие произведения печатной графики как гравюры и литографии могут распространяться во множестве равноценных экземпляров.

Элементы рисунка, создающие иллюзию трехмерности: свет, тень (собственная (самый неосвещенный участок рисунка) и отбрасываемая (падает на поверхность, на которой находится предмет), полутени (между светом и тенью), рефлекс (отсвет), блик (самый освещенный участок).

С помощью графического рисунка можно передать не только форму и степень прозрачности и освещенности тела (с помощью вышеназванных элементов), но и «передать» цвет, — посредством черно-белого (в случае черно-белого рисунка) оттенка, соответствующего данному цвету.

Исполняются рисунки в подавляющем большинстве случаев на бумаге. В станковом рисунке используется весь спектр графических материалов: «мягкие материалы» (уголь, соус, сангина, разнообразные мелки, техника сухая кисть), краски, наносимые кистью и пером (тушь, чернила, бистр), карандаши, капиллярные и прочие пишущие узлы. В учебном рисунке в настоящее время наиболее употребляемы графитный карандаш и уголь.

См. также

Литература

Ссылки

  • ↑ Мастера искусства об искусстве: В 7 т. М.: Искусство. 1965-1970. Т.2. C.74.
  • ↑ В. Г. Власов . Рисование, рисунок // Власов В. Г. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства: в 10 т. — СПб.: Азбука-Классика, 2004-2010. Т. 8, 2008 C.190-195

    • рисунок — это… Что такое рисунок?

    РИСУ́НОК -нка; м.

    1. Изображение, сделанное карандашом, пером, углем, красками и т.п. Карандашный, акварельный р. Р. углем. Наскальные рисунки. Выразительный, точный, яркий р. Р. в книге, на асфальте, на стене. Папка с рисунками. □ собир. Выставка детского рисунка.

    2. Книжная иллюстрация (в том числе диаграммы, фотографии и т.п.). График см. на рис. 5.

    3. Иск. Совокупность линейных элементов в картине (в противоположность колориту, краскам). Мастер рисунка. Картина, несмотря на плохой р., производит сильное впечатление своим содержанием.

    4. Искусство создания таких изображений или линейных элементов в картине в противоположность колориту, краскам. Урок рисунка. Владеть рисунком. Учился рисунку у знаменитого художника.

    5. Узор. Р. на ткани. Р. чугунной ограды. Р. для вышивки. Ткань пёстрого рисунка.

    6. Контур, очертания чего-л. В рисунке гор не было ни одной цельной линии.

    7. Совокупность наиболее характерных черт, штрихов, линий чего-л. Р. роли. Р. танца. Мелодический р. арии. Сюжетный р. рассказа.

    ◁ Рису́ночек, -чка; м. Уменьш.-ласк. Рису́ночный, -ая, -ое. Р. приём.

    * * *

    рису́нок

    изображение, начертание на плоскости, основной вид графики. Выполняется (карандашом, пером, кистью, углём и т. д.) с помощью контурных линий, штрихов, светотеневых пятен в одном или нескольких цветах, преимущественно на бумаге. Главные виды художественного рисунка: станковый рисунок, эскиз, этюд, зарисовка с натуры и т. д.

    * * *

    РИСУНОК

    РИСУ́НОК, изображение, начертание на плоскости, основной вид графики. Выполняется (карандашом, пером, кистью, углем и т. д.) с помощью контурных линий, штрихов, светотеневых пятен в одном или нескольких цветах, преимущественно на бумаге. Главные виды художественного рисунка: станковый рисунок, эскиз, этюд, зарисовка с натуры и т. д.

    Энциклопедический словарь. 2009.

    Рисунок — это… Что такое Рисунок?

    Рису́нок — изображение на плоскости, созданное средствами графики.

    Рису́нок или академи́ческий рисунок — вид графики и основа всех видов изобразительного искусства. Без знания основ академического рисунка, художник не сможет грамотно вести работу над художественным произведением.

    В роли графической основы присутствует в любом изображении на плоскости, в этом значении оценивается с точки зрения качества (понятие рисунка в живописи и т. п.). Рисунок может выполняться как самостоятельное по значению произведение графики либо служить вспомогательным этапом для создания живописных, графических, реже — скульптурных работ или архитектурных замыслов. Рисунки как предварительные наброски и эскизы для создания более масштабных живописных произведений часто имеют самодостаточную и выдающуюся художественную ценность.

    Рисунок является технической базой изобразительных искусств, ввиду этого глубоко изучается художниками, скульпторами и архитекторами (учебная дисциплина «академический рисунок»). Рисунки создаются художниками в процессе изучения натуры (наброски, штудии), при поиске композиционных решений графических, живописных и скульптурных произведений (эскизы, картоны), при разметке живописной картины (подготовительный рисунок под живопись).

    Рисунок как самостоятельное произведение — станковый рисунок (по аналогии со станковой живописью) — образует в европейском искусстве отдельный вид графики. Под категорию станкового рисунка подпадают также исторически известные рисунки значительной эстетической ценности, независимо от первоначального предназначения. С живописью рисунок сближает его уникальность, тогда как такие произведения печатной графики как гравюры и литографии могут распространяться во множестве равноценных экземпляров.

    Элементы рисунка, создающие иллюзию трехмерности: свет, тень (собственная (самый неосвещенный участок рисунка) и отбрасываемая (падает на поверхность, на которой находится предмет), полутени (между светом и тенью), рефлекс (отсвет), блик (самый освещенный участок).

    С помощью графического рисунка можно передать не только форму и степень прозрачности и освещенности тела (с помощью вышеназванных элементов), но и «передать» цвет, — посредством черно-белого (в случае черно-белого рисунка) оттенка, соответствующего данному цвету. Если долго смотреть на глаза (см. портрет девушки), то создается ощущение зеленого цвета.

    Исполняются рисунки в подавляющем большинстве случаев на бумаге. В станковом рисунке используется весь спектр графических материалов: «мягкие материалы» (уголь, соус, сангина, разнообразные мелки, техника сухая кисть), краски, наносимые кистью и пером (тушь, чернила, бистр), карандаши, капиллярные и прочие пишущие узлы. В учебном рисунке в настоящее время наиболее употребимы графитный карандаш и уголь.

    Литература

    • Ермолов В. Рисунок пером // Художник. 1961, № 4. С.54-59.
    • Ростовцев Н. Н. История методов обучения рисованию: Зарубежная школа рисунка. Учеб. пособие. — М.: Просвещение, 1981. — 192 с.

    Ссылки

    Рисунок

    В основе любого изображения лежит рисунок: контурный или светотеневой. Рисунок является фундаментом для всех изобразительных искусств как с точки зраения обучения, так и с точки зрения создания конечных произведений искусства. Что же такое рисунок?

    Рисунок
    Рисунок — это изображение на плоскости, нанесенное посредством графики. В контексте художественного творчества рисунок рассмастривается, как изображение, созданное вручную с использованием линий, штрихов и пятен, выполненное в двух цветах (например, черное изображение по белой поверхности) или в большем, но ограниченном количестве цветов, и созданное посредством графических материалов таких, как карандаш, мелок или их аналогов.

    В связи с основополагающей ролью рисунка в создании изображений к обучению рисунку следует подходить основательно и последовательно.

    Обучение рисунку

    Инструменты для рисования

    Для начала следуется запастить простым карандашом, бумагой и ластиком. В последствии также могут понадобиться планшет для рисования и мольберт.

    Бумагу на первых порах можно использовать любую. При выборе карандашей нужно обратить внимание на их твердость. Следует также позаботится о заточке карандашей. Можно выбрать для этого специальные точилки или острые ножи. Ластики лучше выбирать мягкие со скошенным одним из углов. Следует внимательно выбирать инструменты для рисования. Подробнее…

    Как научиться рисовать карандашом

    В самом начале лучше всего учиться рисовать простым карандашом, постепенно переходя от базовых схемотичных и фантазийных рисунков к рисованию с натуры. Затем можно попробовать различные графические техники: уголь, пастель, цветные мелки, афорт, гравюра, леногравюра. Подробнее…

    Линия, штрих и тон в рисунке

    Азами рисунка являются линия и штрих. В данном случае под линией подразумевается видимый контур объекта и умение точно перенести его на плоскость. Штрих же — это способ нанесения тона для получения светотеней в рисунке. Отработке навыков линейного рисунка и штриховке следует уделить определенное время, так как именно они позволяют правильно научиться рисовать карандашом или любым другим графическим материалом. Подробнее…

    Перспектива

    С детства мы привыкли к тому, что предметы, находящиеся ближе к нам, всегда больше тех, которые находятся вдали от нас. Именно такое явление и описывают законы перспективы. На законах перспективы строится дальнейшее изучение рисунка и для того, чтобы максимально их освоить, следуется выполнить упражнения по анализу картин или фотографий на предмет наличия в них перспективы. Подробнее…

    Светотень

    Если законы перспективы позволяют грамотно построить объекты в рисунке, то добавление светотени в рисунок делает его реалистичным. Светотень делает визуально объемными предметы в рисунке и позволяет отобразить падающий на предметы свет, а также собственные и отбрасываемые тени предметов. Светотень лучше всего учиться изображать на схемотично нарисованных простых формах, построенных с учетом перспективы. В рисунке желательно отобразить источник света для лучшего понимания того, как распространяются световые лучи. Подробнее…

    Рисование объемных фугур

    После освоения основ рисунка следует научиться рисовать простые объемные фигуры: кубы, пирамиды, шары. Важно !!! Именно на простых фигурах отрабатываются азы построения всех сложных форм, а также навыки работы с перспективой и светотенью. Полученные при этом навыки имеют прямое влияние на результаты в сфере живописи. Подробнее…

    Натюрморт

    За рисованием простых объемных фигур следует приступить к рисованию натюрмортов, где есть 2-3 предмета и драпировка (большой кусок однотонной ткани). В этом случае отрабатываются навыки видеть взаимозависимости между предметами, рисовать предметы с учетом перспективы и отображать светотени. Подробнее…

    Интерьер

    Рисование интерьера является логическим продолжением рисования натюрморта, так как последний является частью интерьера. В рисовании интерьера оттачиваются навыки перспективных построений. Больший акцент в интерьере по сравнению с натюрмортом делается на обобщении деталей и пространственно-воздушной среде. Подробнее…

    Человек

    В процессе обучения рисованию человека в идеале пройти путь от изучения пластической анатомии и канонов человеческой красоты, через рисование скелетов и классических статуй, до академического рисунка людей с натуры. При этом наиважнейшим инструментом в рисовании человека являются кратковременные наброски. Подробнее…

    Пейзаж

    Излюбленной темой художников и покупателей картин всегда был и есть пейзаж. Однако, когда мы говорим пейзаж, то чаще всего представляем природу: леса, поля, горы и т.д. Пейзаж же включает в себя и так называемые индустриальные, а также городские и сельские мотивы. Подробнее…

    Анималистика

    Совершенно обособленно стоит жанр анималистики — рисование животных. Для грамотного рисования животных важно изучать их анатомию и повадки поведения. При чём, каждый отдельный вид животных следует изучать отдельно. Огромную роль при рисовании животных играют короткие и длительные наброски животных с натуры.

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *