Модерн в графическом дизайне: Что такое Модерн? — DesignLessons – все о дизайне

Содержание

Памятка по графическим стилям в типографике

В апреле прочитал «Эволюцию графических стилей» Хеллера и Чваста. В ней авторы рассказывают о формальных и визуальных характеристиках соответствующих периодов дизайна. Тогда мне казалось, что я, наконец, разложил для себя все по полочкам.

Недавно поймал себя на том, что вновь путаю Ар-нуво и Ар-деко, а при упоминании Движения искусств и ремесел судорожно думаю Так-так-так, я про это где-то читал. Даже не в одной книге. Поэтому составил для себя памятку по графическим стилям.

Не ставлю себе задачу запомнить все подстили. Хочу разобраться с большими стилями. Мне сейчас не важно знать отличия Югендстиля от Венского сецессиона, но хочется отличать Поздний модернизм от Постмодернизма.

В блоках Запомнить намеренно упрощаю признаки. В ряде случаев опираюсь на имеющийся опыт, поэтому пишу Похоже на такого-то художника, так как мне это о чем-то говорит.

Весь текст — выдержки и цитаты из Хеллера и Чваста. Мои только блоки Запомнить

и подборки изображений.

Будет здорово, если памятка окажется полезной кому-то кроме меня. Если вы видите грубые ошибки, напишите в комментариях.

Викторианский стиль
Движение искусств и ремесел
Ар-нуво
Экспрессионизм
Модернизм
Ар-деко
Поздний модернизм
Постмодернизм

Викторианский стиль (1830—1900-е гг.)

Для дизайна печатных изданий типичным явлением стала повсеместная тяга к орнаментированию, которая часто проявлялась в имитации чудачеств викторианских архитекторов.

Стемление заказчиков сделать рекламу максимально заметной приводило к появлению весьма оригинальных акцидентных шрифтов вычурной и замысловатой формы. ‹…› Дизайнеры безжалостно обходились с утонченными гарнитурами Дидо и Бодони XVIII века, смело увеличивая их и делали жирнее.

Наряду с жирными шрифтами другой типичной для викторианской эпохи типографической формой стали брусковые, или египетские, шрифты, популярность которых связана с интересом к Египту после наполеоновских воин.

Типичная черта викторианской типографики — немыслимое количество начертаний и кеглей, «утрамбованных» в один заголовок, — объяснялась практическими соображениями и стремлением печатников использовать каждый дюйм пространства листа.

Причиной безыскусности этих творений было то, что бизнесмены викторианскох эпохи не видели связи между своими представлениями о прекрасном, которые формировались под влиянием полотен эпохи Возрождения, и сиюминутными практическими нуждами бизнеса и рекламы.

Орнаменты, гравюры, вычурные акцидентные шрифты, брусковые шрифты, немыслимое сочетание начертаний и кеглей.

Движение искусств и ремесел (1850—1900-е гг.)

С визуальной точки зрения стиль Движения искусств и ремесел остался верен орнаменту как ключевому элементу викторианского стиля, но объявил войну барочным и романтическим излишествам своего времени.

Диапазон Движения искусств и ремесел простирался от наиболее характерной примитивной готики до асимметричных растительных композиций и изысканного орнаментализма.

Если похоже на викторианский стиль, но цветочный орнамент побеждает, то, скорее всего, это Искусства и ремесла.

Все такое готическое.
Применяют новые готические шрифты — шрифты без засечек, построенные на отрицании классической типографики.

Ар-нуво (1890—1910-е гг.)

«Цветочное безумие», «истерика линий», «странная декоративная болезнь», «стилистическая вседозволенность» — так отзывались современники об ар-нуво. ‹…› Ар-нуво стал бунтом против пронизанной духом прошлого викторианской эстетики.

Художники переосмысливали искусство Востока, в чем-то подражали рококо, восторгались цельностью формы и романтической отстраненностью кельтских манускриптов.

Рекламные плакаты товаров и афиши мероприятий сочетали изящество японских гравюр, мистику символизма и манеры постимпрессионизма.

Автором самых знаковых образцов стиля ар-нвуо стал Альфонс Муха. Для его «византийской манеры» характерны идеализированные женские портреты в окружении херувимов, пальмовых листьев и мозаики.

Если похоже на Муху и Грассе, то точно ар-нуво.
Гравюры похожи на японские или кельтские.
Декоративные шрифты.

Экспрессионизм (1900—1920-е гг.)

Представители фигуративного экспрессионизма демонстрировали отход от буквальной реальности и стремились передать образное внутреннее самовыражение.

Экспрессионисты искажали и удлиняли пропорции человеческих фигур и пейзажей, повышая эмоциональный накал своей графики.

Примитивная ксилография. Искаженные пропорции тела. Напоминает работы Шиле.

Модернизм (1910—1940-е гг.)

Ассиметричная типографика, геометрическая верстка, фотоиллюстрация — все эти приемы сформировали новый формальный язык модернизма.

Футуризм и конструктивизм
Графический стиль футуризма следует из теории о том, что энергию Вселенной в живописи и графике нужно изображать как динамическое ощущение, что движение и свет разрушают целостность твердых тел и постоянно трансформируют реальность.

Ган и Телингер создавали шрифтовые композиции, которые самой своей формой иллюстрировали текст — типографика несла содержательную и эмоциональную нагрузку.

Родченко создавал визуальные образы, притягательные своей напряженной геометрией, яркими цветами и броской типографикой.

Конструктивизм — своеобразный стиль, главными изобразительными элементами которого стали гротескный шрифт и комбинация графики с фотомонтажом.

Баухаус и Новая типографика
Дизайн всего, что делалось в школе Баухаус, определялся функциональными потребностями, а не стремлением соответствовать некому стилю. Главными чертами изданий школы были упорядоченность, система, асимметричная типографика и модульная сетка. Декор сводился к линиям, прямоугольникам и кругам. На смену реалистичности иллюстрации пришла фотография и монтажные приемы. Непременным атрибутом стал гротескный шрифт.

Самое простое определение Новой типографики — отказ от классических канонов симметрии.

Типографика Эля Лисицкого стала первым формальным воплощением нового подхода, и его приемы — гротескные шрифты, ограниченный набор основных цветов и нарочитая геометричность — на долгое время прижились в рекламной типографике как клише.

Яркий контраст между динамикой фотоколлажа и сдержанно типографикой текста.

Чистая типографика в духе Стиля, акцентированные вертикали и горизонтали, прямоугольные формы и большие площади основных цветов — характерные черты голландской Новой типографики.

Геометрическая верстка, фотоколлажи, ассиметричная типографика.
Если плакаты похожи на стихи Маяковского и Каменского, то футуризм/конструктивизм. На русском — конструктивизм, не на русском — футуризм.

Модульная сетка, гротескные шрифты, фотомонтаж — Баухаус или Новая типографика.
Ограниченный набор основных цветов.
Родченко, Лисицкий, Чихольд, Байер

Ар-деко (1920—1930-е гг.)

Скорее геометричный, нежели ассиметричный, скорее прямой, нежели криволинейный, ар-нуво вобрал в себя русские балетные сезоны, искусство ацтеков и индейцев Северной Америки и даже некоторые черты Баухауза, а после открытия гробницы Тутанхамона в 1922 году стал уникальным сплавом египетских пирамид, солнечных лучей, электрических разрядов и небольшой щепотки чарльстона в довесок.

Стиль ар-деко явился очередным подтверждением конца традиционного дизайна, но в отличие от классического модернизма в его основе лежала мания нового.

В 1929 году парижский дизайнер Альфред Тольмер издал книгу «Верстка», где сформулировал каноны книжного дизайна в стиле ар-деко. ‹…› Чтобы получить большее число комбинаций верстки, нужно отказать от строгой системы вертикалей и горизонталей… выработать альтернативную систему… наклонных линий и кривых.

Ар-деко — сочетание утонченной эстетики и флера современности, атмосфера эксцентрики и фантасмагории. ‹…› Ар-деко содержало отсылки к роскоши и экстравагантности.

Следуя манере модной иллюстрации, художники плаката сформулировали собственный графический язык эпохи — декоративный и антиимпрессионистский. Словолитни разрабатывали новые акцидетные шрифты.

Манера «модной» иллюстрации. Крупные иллюстрации и надписи акцидентными шрифтами. Геометрический орнамент.
Плакаты в стиле кубизма.
Плакаты отдают привкусом роскошной жизни и джаза.
В плакатах используются символы новой индустриальной революции — автомобили и механизмы.
Адольф Мурон Кассандр, Поль Колен, Герберт Маттер, Фрэнк Пик

Поздний модернизм (1940—1980-е гг.)

Интернациональный стиль
Изображение и текст располагались исходя из критериев функциональности. Пространство чутко вымерялось на основе математических пропорций. Должное внимание уделялось типографике.

Характеристиками их дизайна были предметная фотография, гротескные шрифты, отсутствие какого-либо декора и строгая композиция, основанная на модульной сетке.

Философия швейцарского дизайна формировалась в двух центрах — школах Цюриха и Базеля. Представителем первой выступал Йозеф Мюллер-Брокман, а второй — Армин Хофманн.

Выверенная геометрическая верстка, базовые цвета, модульная сетка, гротески — чаще всего Гельветика и Юниверсал.
Все, что похоже на Мюллера-Брокмана и Хофманна.

Постмодернизм (1970—1990-е гг.)

В эклектичной обстановке дизайна 1980-х понятие «постмодернизм» применялось к своеобразному межнациональному стилю, который основывался не на догматике, а на довольно бессистемном смешении различных теорий и практических приемов дизайнеров-одиночек. ‹…› В наиболее общей трактовке постмодернизмом можно назвать творчество всех дизайнеров, которые не являются строгими сторонниками модернизма баухаузовского толка, в том числе неодадаизм, неоэкспрессионизм, панк и азиатский модернизм.

В постмодернизме для достижения коммерческой привлекательности используется сочетание декоративности, исторических художественных заимствований и новых технологий. Различные вариации постмодернизма связывали между собой отчетливые визуальные признаки: игривая геометрия с текучими элементами, зазубренными линейками, случайно расположенными точками и линиями; пастельная цветовая гамма; несогласованные шрифты с разрядкой, а также многочисленные аллюзии на исторические образцы изобразительного искусства и дизайна.

Дизайнеры искали предел новизны типографики, при котором она остается функциональной.

В основе всех видов дизайна 1980-х лежит игра и эклектика.

Круто! 33+ тренда в графическом дизайне 2019 (с примерами)

Оглавление:

Темнота: немного мистичности
Мазки краски: придаем проекту человеческой души
Нео Гео: новое концептуальное движение
Mary Jane: в ногу с законом
Искажение пространства и времени
Оптические иллюзии: задержать взгляд зрителя
Цветной фон: еще больше цвета
Дада: возвращаем Авангард
Дизайн упаковки в 2019
Анимированные письма: инновационный маркетинг
Обрезки: мозаика, коллажи и сюрреализм
Аптекарь: максимум минимализма
Цифры, цифры, цифры
Открытая композиция: выйти за рамки
3D: глубина нового поколения
Антигравитация: летающие и плавающие элементы
Яркие цвета: путешествие в мир чудес
Металлик: еще больше блеска
Ликвид: пусть течет
Большой текст – большое влияние
Контурная типографика: пустые буквы и цифры
Типографика с фоном: ретро вдохновение
Альтернативное искусство: штрихи, пятна,каракули
Реализм +двухмерный рисунок: сочетаем противоположности
Асимметрия: отключить сетку
Арт-деко: минимализм и роскошь
Средневековый модерн: старинные цветовые палитры
Дуотон и градиенты: цветовые переходы в двух тонах
Теплые, пастельные тона: меньше яркости и цвета
Максимализм + тонкость линий: завоевать доверие
Шрифт с засечкой: придаем буквам характер
Изометрический дизайн: 3D в двух измерениях
Цвет года 2019

01.

Темнота: немного мистичности

Начнем наш список из довольно необычного и характерного тренда в графическом дизайне. Тьма – это смелый вызов, который позволит создать запоминающиеся иллюстрации. Темные тона дают возможность дизайнеру играть с глубиной изображения, меняя оттенки и текстуры черных элементов.

Компания Apple начала выпускать устройства на новой операционной системе Mojave, которая впервые предлагает темный режим. Темные цвета в продуктах передают роскошь и премиум-дизайн. Они также могут передавать радикальные чувства байкерского стиля. Более того, тьма может вызвать у зрителя чувство зловещего недоумения, страха или тайны, поэтому стоит быть аккуратным с таким приемом.

Это действительно интересная тенденция, которая последнее время встречается все чаще.

02.

Мазки краски: придаем проекту человеческой души

Акварельные мазки на изображениях придают им чувство ручной подписи, что создает уровень человечности в дизайне. Черные, серые и цветные мазки сильно отличаются от классической типографики. Привычные всем цифровые шрифты делают иллюстрации сухими. Акварельный мазок, будто нарисованный вручную, может по-настоящему привнести вашему проекту человеческого характера и души.

Большое преимущество тренда в том, что он добавляет энергии и движения к статическим макетам. Существует широкий диапазон такого рода мазков: от небрежных линий до брызг, от каллиграфического шрифта до живописных и даже детских набросков. Поэтому акварельные мазки можно использовать в печатных изданиях и упаковке, в веб-дизайне и рекламе, в видео-клипах и промо-роликах.

03.

Нео Гео: новое концептуальное движение

Нео Гео – это геометрическое концептуальное художественное движение, которое берет свое начало в 1986 году. Оно было создано под влиянием более ранних движений, таких как минимализм, поп-арт и оп-арт. Сегодня Нео Гео по праву считается отдельным движением в искусстве, которое имеет свои отличительные черты.

В иллюстрациях в стиле Нео Гео можно разглядеть намеки на дизайн Мемфиса. Данный стиль позволяет совмещать игривость и строгость элементов. В иллюстрациях часто используются яркие цвета, абстрактные и геометрические формы, а также трехмерные элементы. Стиль Нео Гео часто использовался для оформления виниловых пластинок во времена ретро. Сегодня этот стиль чаще всего применяют в дизайне упаковок, обложек книг и музыкальных альбомов.

Цветовые схемы на нашем сайте.

04.

Mary Jane: в ногу с законом

Рекреационное использование марихуаны становится все более распространенным. Сегодня это законно в восьми штатах в Соединенных Штатах и более чем в десяти странах. Кроме того, тенденция лишь возрастает с каждым годом. Существуют целые дизайнерские агентства, которые специализируются на маркетинге в индустрии продуктов из марихуаны.

Это золотая лихорадка стартапов. Индустрия медицинской марихуаны только начала свое развитие, поэтому дизайнеры имеют неограниченное пространство для креатива. Упаковки продуктов с марихуаной соответствуют актуальности индустрии. Но мы говорим не только о марихуане, как товаре.

Сегодня можно увидеть огромное количество спиртных и безалкогольных напитков с экстрактами чудо-растения, выпечки с добавлением марихуаны и других продуктов. Но стилистика Mary Jane также часто встречается на одежде, обуви, аксессуарах и других товарах, которые не связаны напрямую с марихуаной. Поэтому не стоит бояться делать смелые дизайнерские решения, а идти в ногу с современным миром.

05.

Искажение пространства и времени

Деформация времени и пространства, как ни один другой дизайнерский ход, привлекает внимание зрителя. Вы можете изменить не только скорость передачи информации, но и время восприятия иллюстрации зрителем. Оптическая игра с типографикой заставит зрителя задержаться подольше, внимательнее рассмотреть все элементы вашего творения.

Это также есть элемент веселья и игривости. Статическим художественным работам можно придать движения и скорости. Текст может быть искажен не один раз, что создаст ощущение множественных перемен скорости или рельефности пространства. Также это отличный способ выделить отдельные слова или буквы в типографике, придать им иной характер.

06.

Оптические иллюзии: задержать взгляд зрителя

Предыдущий тренд в дизайне также можно отнести к «оптике». Тенденция деформации времени и пространства – это оптическое искусство, уловки восприятия, которые заставляют людей смотреть на иллюстрацию дольше. Прием удается правильно использовать только опытным дизайнерам, но освоив такую технику, вы быстро поднимитесь над конкурентами.

Оптические иллюзии могут быть триповыми или психоделическими. Но они также могут быть своего рода научной технологией, в которой используются Архимедова спираль или другие сложные геометрические формы. Поэтому данная тенденция имеет множество вариаций, с которыми можно играть, и все это основано на оптической игре пространства.

Дизайнерам и художникам важно не переборщить с оптическими иллюзиями в своих проектах.

07.

Цветной фон: еще больше цвета

Использование цветных областей на иллюстрации может сделать ее немного похожей на периодическую таблицу элементов Менделеева. Особенно, если использовать шрифт Helvetica для типографики. Такие изображения выглядят минималистично, и удивительно сочетают в себе строгость и игривость.

Рубленый шрифт на цветном фоне легко воспринимается зрителем. Поэтому вы можете использовать большое количество разных цветов на одном изображении. Так вы прибавите своей работе энергии, сохранив ее легкость, и главное – со вкусом. В 2019 мы не раз увидим цветные поля в рекламе, упаковке, журналах и цифровых изданиях.

08.

Дада: возвращаем Авангард

Дада, или дадаизм, – это художественное движение европейского авангарда, которое зародилось во времена Первой мировой войны. Примерно в это же время зародился русский конструктивизм, который предлагает совсем иное мировоззрение. Художники, рисующие в стиле Дада, отвергали логику, создавали новую эстетику. Это была борьба с капиталистическим обществом, рывок в новый мир.

Сегодня мы замечаем подобную тенденцию, когда графические дизайнеры подчеркивают бессмыслицу, иррациональность и протесты стандартам. Хаотичные фигуры, смесь фото и рисунка, искажение реальности сделает ваше творение аутентичным. Это покажет ваш дизайнерский характер и смелость. Но стиль Дада требует умелой руки дизайнера, ведь переборщить с абсурдностью крайне просто.

09.

Дизайн упаковки в 2019

Образец любого продукта иллюстрируется с использованием текстильных шаблонов в САПР. Если линейка продуктов имеет достаточно широкий ассортимент по вкусам, ароматам или другим характеристикам, у вас есть прекрасная возможность привлечь к себе клиентов.

Разный дизайн товаров одного бренда позволит лучше выделить уникальные особенности каждого продукта. Такой метод часто используется при производстве косметики, шоколада, мороженного и алкоголя. Когда покупатель смотрит на ряд продуктов, которые имеют несопоставимый дизайн упаковок, это создает чувство индивидуальности. Кроме того, такой прием выделит ваш бренд среди товаров конкурентов.

Главное преимущество такой тенденции – возможность, что упаковка подойдет под настроение или характер покупателя. Ваш продукт может подчеркнуть личный стиль покупателя. И это создает своего рода эмоциональную связь. Поэтому в 2019 году стоит обратить особое внимание на проектирование упаковок.

10.

Анимированные письма: инновационный маркетинг

Без всяких сомнений, моушн дизайн будет в тренде еще многие годы. И относительно недавно его начали использовать даже в емейл рассылках. Все чаще можно встретить электронные письма, которые включают анимированные GIF-файлы. Иногда они очень долго воспроизводятся, но все же дают свой эффект.

Чаще всего анимация используется только для выделения логотипа. Например, моушн лого можно увидеть даже в консервативных публикациях, как New York Times. Их мобильное приложение использует анимацию логотипа и других элементов, в том числе рекламные блоки. Поэтому анимацию можно применять не только в электронных письмах, а и в других инструментах обращения к аудитории.

В этом мире все динамично, поэтому важно успевать за тенденциями в маркетинговых инструментах. Почтовая рассылка привычно вызывает у пользователей негативные эмоции, виной тому неточность информации и скукота прочтения писем. Поэтому задание дизайнера – разбавить скучное, и часто бесполезное, письмо привлекательной анимацией. Это и есть инновационный маркетинг 2019.

11.

Обрезки: мозаика, коллажи и сюрреализм

Данный тренд может показаться слегка похожим на тренд № 24, который мы рассмотрим ниже. Но разница заметна. В данном случае вы не просто совмещаете реализм с абстракцией, фото с рисунком, а создаете некий протест. Это радикальная тенденция, с которой стоит быть аккуратным. Ее часто можно встретить в индустрии красоты и моды: промо-ролики, презентации, реклама, упаковка, журналы.

Создавая иллюстрации в стиле cut ups, вы получаете неограниченные возможности для фантазии. В данном случае создается нечто более похоже на коллаж. Например, для создания портрета вы можете использовать около десятка разных изображений лиц, взяв из каждого отдельный элемент. Вы можете создавать абстрактные или даже абсурдные изображения, в которые захочется долго всматриваться. Так вы задержите взгляд зрителя, можете повлиять на его поведение.

Это была очень популярная тенденция в графическом дизайне в начале ХХІ века, и мы ожидаем взрыв ее популярности в 2019 году.

12.

Аптекарь: максимум минимализма

«Аптекарь» – это авторское название минималистической тенденции в дизайне, которая часто используется в упаковке медицинских препаратов. Такой стиль основывается на крайней воздержанности и минимализме, поэтому иллюстрации выглядят аскетично. В основном, это черная типографика на белом фоне, причем свободного пространства может быть слишком много.

Данный тренд можно будет увидеть преимущественно в дизайне косметических средств и парфюмерии. Но в руках умелого дизайнера «аптекарь» может использоваться в маркетинговых целях для любых продуктов, и даже в печатных изданиях. Но в таком случае нужно следить, чтобы иллюстрации не были скучными. В этом вам поможет игра со шрифтами, размером типографики и ее расположением.

13.

Цифры, цифры, цифры

Дизайнеры любят хороший абстрактный элемент, чтобы играть с ним. Цифры, безусловно, соответствуют этим требованиям. Цифры не могут быть вставлены в иллюстрацию просто так, но если есть возможность обыграть какое-либо число – обязательно сделайте это. Они могут выглядеть невероятно круто.

Цифры должны быть большими, они должны быть в центре внимания. Разумеется, для этого нужно подобрать привлекательный шрифт и правильно обыграть их. Причем ограничений нет: вы можете использовать шрифты с засечками или без них, деформировать цифры или придать им трехмерный вид. В таком случае даже нумерация страниц журнала может занимать четверть листа, и стать изюминкой всего издания.

Сегодня уже можно встретить массу примеров, как большие цифры используются по-настоящему весело и интересно в разных видах дизайна.

14.

Открытая композиция: выйти за рамки

Как считают многие авторитетные дизайнеры, открытая композиция будет популярна весь 2019 год. Последнее время дизайнеры стремятся все ограничить в рамках, сконцентрировать изображение. Но все чаще встречаются изображения, анимации и видео с открытой композицией, которая делает медиа легким и воздушным. Она показывает лишь часть всей «картины», позволяя зрителю фантазировать.

Тренд «Открытая композиция»

Меню сайта показывается не стразу. Lionel Durimel

Графические дизайнеры могут играть с композицией, делая ее бесконечной. Видимое изображение отображает лишь часть всей конструкции,поэтому четкий центр может вовсе отсутствовать. В 2019 году мы ожидаем от дизайнеров разорванных рамок и полноформатных открытых композиций.

Прием затрагивает воображение, заставляет задуматься о продолжении картины. Такая возможность делает графику интерактивной. Секрет в том, что каждый воображает приятные ему вещи. Так изображение может нравиться абсолютно всем, ведь каждый додумает свое. Тенденция легко достигается в веб-дизайне, но возможна даже при печати.

Иллюстрация Луи Витон будто продолжается за кадром. Lionel Durimel
Сайт моделирования с веб-дизайном на открытой композиции. Kieran

Веб-сайт Creativity Is In The Air

Веб-сайт Titan. Viita-watches

15.

3D: глубина нового поколения

3D уже никого не удивляет, но до сих пор является мощным инструментом и современной тенденцией в графическом дизайне.

Последние несколько лет трехмерные изображения входят в число трендов, поэтому можно смело ожидать 3D-графику и после 2019 года. Популярность такого стиля возможна в разных типах графического дизайна: рисунки, печатные изображения, веб-дизайн, реклама и пр.

Современные программы (Cinema 4d, Blender и др) позволяют быстро создавать 3D-шедевры, которые заставляют зрителя внимательнее всмотреться в изображение, задержать на нем взгляд.

Это возможно благодаря глубине картины. Она создает ощущение реальности нарисованного предмета. Поэтому воплотить в реальность можно что угодно, чем и пользуются дизайнеры футуристы и фантасты.

Типографика не обошла стороной 3D-революцию. Трехмерный текст будет популярным еще минимум несколько лет. Он дает возможность дизайнеру импровизировать, придавать тексту личный стиль.

Используя трехмерную типографику, графические дизайнеры в 2019 году смогут заставить нас погрузиться в совершенно новый мир.

Великолепный пример 3D-стиля привносит новую жизнь в цветочный тренд. Diêgo Soou

Богатые текстильные текстуры в виде вина. Isse Miyake
Работа EikoOjala совмещает в себе футуристические и ретро элементы в 3D иллюстрации
Веселый мини-ландшафт от EFL

16.

Антигравитация: летающие и плавающие элементы

Летающие и плавающие элементы на графических полотнах – это альтернативное искусство, которое передает уникальное видение мира. Нарушение законов гравитации дает художнику неограниченное пространство для воображения. Он может разобрать на детали любой объект, разместив все частички в закрытой композиции, в которой действует невесомость.

Дизайнерский проект Nahel Moussi, Louis Ansa, Romain Avalle

Для зрителя отсутствие гравитации создает ощущение легкости, непринужденности. Это особенно важно в дизайне коммерческих проектов, чтобы расположить ближе к себе покупателя. Кроме того, такой прием поможет сделать банальный, привычный объект чем-то необычным.

Элемент веб-дизайна сайта The Artery

Антигравитация действительно представляет собой концепцию, которая будет заметна в трендах графического дизайна в 2019 году. Идея конструкций, которые движутся и ведут себя так, будто находятся в негравитационной среде, передает общее чувство свободы. Присутствие на изображениях 3D-техники добавляет им реализма, что делает летающие объекты еще более необычными.

17.

Яркие цвета: путешествие в мир чудес

Сочетания ярких цветов и мечтательные оттенки по-прежнему останутся популярными в 2019 году. Разные цветовые переходы и градиенты дают ощущение альтернативной реальности, в которой мечты могут сбываться. Важно сохранять сочетание цветов между собой, чтобы изображение не было резким, и воспринималось легко.

Проект Rafael Araújo

Широкая цветовая гамма и возможности делать переходы дают автору все условия для импровизации.

Типографика, трехмерные детали, фотографии и другие элементы могут быть дополнены яркими вставками, которые оживят картину. Поэтому яркие цвета можно использовать практически в любом виде графического дизайна.

Проект Vacaciones Mounstrosamente divertidasm

Проект Vacaciones Mounstrosamente divertidas

Цветовые переходы заслуживают особого внимания дизайнеров. Так же популярными остаются градиенты фиолетового и желтого, розового и синего цветов.

Многие графические дизайнеры сочетают трехмерную технику с модными яркими цветовыми переходами,чтобы отметить тенденции графического дизайна 2019 с еще более мощным внешним видом.

Vivid Color видео с присутствием и разных трендов

18.

Металлик: еще больше блеска

Металлический блеск был в моде всегда. В 2019 году можно будет увидеть тенденцию использования золота, серебра и меди при создании графических проектов. Особенно, если речь идет о 3D-дизайне, золотые и другие металлические элементы выносят композицию на новый уровень, делая ее дорогой и эксклюзивной.

Переливающийся цветовой эффект металлов – это возможность оживить картинку. Такие конструкции выглядят завораживающими, поскольку они показывают всю палитру блестящих цветов, когда свет попадает на их поверхность. Поэтому отдельного внимания заслуживают элементы с отблеском «бензинового» цвета.

Металлические детали, особенно золотые и радужного отблеска, появятся на дизайне упаковок и рекламы продуктов в 2019 году. Это придаст товару роскоши и исключительности.

Проект Foxtrot Studio

Особо красиво сочетаются металлические элементы с 3D-объектами и ликвидом, о котором мы расскажем чуть ниже. Но классическое сочетание черно-белого отблеска тоже не останется без внимания.

Совместный проект HAUS studio и Vincent Raineri

19.

Ликвид: пусть течет

Это один из самых смелых и необычных инструментов графического дизайна. Поэтому мы уверенны, что в 2019 году ликвид станет самым популярным трендом дизайна. Понятие «ликвид» переводится с английского как жидкость (liquid).

Использование элементов с эффектом жидкости на графических изображениях делает их сочными, насыщенными. В качестве ликвида может использоваться вода, масло, краска и любые другие жидкости.

Эта тенденция вдохновляет многие современные проекты, и мы ожидаем, что она сохранит свою популярность в следующем календарном году.

Живой тренд дает много свободы, когда дело доходит до типографики и 3D-графики. Учитывая, что жидкости имеют разные состояния и уровни текучести, дизайнеры могут легко импровизировать и придавать своим композициям уникальные эффекты.

Ликвид – это тренд веб-дизайна, печатной и рекламной продукции, выставочных экспонатов и многих других видов изображений.

Когда жидкости двигаются, они рисуют естественные пути, формируя уникальные узоры и текстуры, которые могут легко вдохновлять графических дизайнеров.

Если придать такой жидкости ярких, мечтательных цветов, композиция может казаться действительно волшебной.

20.

Большой текст – большое влияние

Пользователи стали все больше экономить свое время. Поэтому им не до чтения сухого текста – они требуют картинок. Лучшим вариантом будет сочетание изображения и типографики.

Текст может принимать разные формы, цвета и эффекты. Поэтому он может быть не просто добавлен в изображение, а являться его изюминкой.

Веб-сайт Louis Ansa

Проект Stefan Hürlemann

Типографика в графическом дизайне 2019 определенно будет максимальной. Она будет активно участвовать в проекте. В стремлении к более эффективному графическому дизайну мы ожидаем от дизайнеров удивить нас.

Люди желают увидеть изображения, в которых типографика является активной частью дизайна, взаимодействующего с объектами реальной жизни и людьми.

В 2019 году попробуйте сочетание различных значений плотности и размера шрифта, комбинаций между вертикальной, диагональной и горизонтальной ориентацией и даже грязной типографикой.

Более того, текст может быть трехмерным, к нему можно добавить эффект жидкости, придать блеска металла и много других эффектов.

3D логотип компании Netbee от дизайнера
Khatt Phatt

21.

Контурная типографика: пустые буквы и цифры

Четкий контур давно вышел из моды. Но очертания типографики становятся все более популярными, поэтому мы ожидаем, что она достигнет своего пика в 2019 году.

Четкий контур и прозрачный фон букв и цифр – это нечто изысканное и не перегруженное. А главное – работать с таким шрифтом крайне простои приятно.

Особо необычными являются трехмерные контурные надписи. Они передают всю глубину изображения, заставляя поверить в написанное.

Контурная типографика – это самый модный тренд в дизайне сайтов и инновационных продуктов. Профессиональная работа с таким инструментом выделит ваш продукт среди конкурентов, показав потребителю наличие хорошего вкуса.

Контурная типографика в рекламе Ikea и Nike

Контурная типографика может использоваться на сайтах, в печатных изданиях, социальных сетях, рекламе и в разных типах мультимедийных файлов:

Использование контурного текста в анимации от borisfernandez.

22.

Типографика с фоном: ретро вдохновение

Текст на фоне выглядит молодым и мятежным, так что это определенно будет хитом в 2019 году. Вдохновение такого инструмента имеет корни еще до начала нашего тысячелетия, поэтому его смело можно считать ветераном.

Типографика на фоне снова начала набирать популярность, к тому же, стремительными темпами. Поэтому мы ожидаем видеть ее в ТОП трендов графического дизайна не только 2019, а и 2020.

Работая с текстом на фоне, нужно быть осторожным, чтобы не испортить вид картины.

Неподходящие цвета, неправильно выбранное место, слишком грубый фон – могут лишь испортить изображение. Поэтому рекомендуем разузнать побольше о тексте на фоне.

23.

Альтернативное искусство: штрихи, пятна, каракули

В 2019 году тенденции идут в сторону альтернативного искусства. Встраивание альтернативного видения мира в графический дизайн делает произведение выделяющимся.

В этом и есть смысл графического дизайна. Поэтому карикатурные рисунки и беспорядочные штрихи будут в центре внимания в следующем году.

Тренд «Альтернативное искусство»

Главное преимущество такого стиля – неограниченные возможности для импровизации и проявления фантазии. Карикатуры и рисунки от руки всегда отлично смотрятся на векторных изображениях и анимациях.

А если добавить к ним хаотичные штрихи и цветные пятна, удастся получить невероятно привлекательное изображение.

Тщательный подбор цветов и уникальных форм, в которых представлены штрихи и пятна, безусловно, станет трендом коммерческих проектов в 2019 году.

В таком стиле важно сохранить простоту иллюстрации, и не перегрузить ее многочисленными деталями и цветами. Поэтому дудлы, штрихи и мазки могут вписаться и в замкнутую, и в открытую композицию.

24.

Реализм + двухмерный рисунок: сочетаем противоположности

Противоположности всегда притягиваются друг к другу. В 2019 году вы сможете сочетать противоположные вещи, создавая качественные 2D иллюстрации.

Когда дело доходит до создания чего-то действительно инновационного и неожиданного, дизайнеры предпочитают экспериментировать с нетрадиционной смесью методов и стилей.

Реальные объекты в сочетании с плоскими визуальными элементами (2D рисунками) будет одной из тенденций графического дизайна 2019 года. Такой метод может использоваться на любом типе графической продукции: веб-сайты, упаковки, реклама, искусство. Поэтому его популярность возрастает бешеными темпами.

Веб-сайт Dan Paris

Сочетание реалистичных объектов с рисунками и иллюстрациями требует творчества, мастерства и мышления вне коробки. Поэтому мы указываем на тенденции графического дизайна 2019 года, чтобы вы могли заранее разузнать обо всех тонкостях нового тренда в дизайне. В таком случае вы сможете создавать дополненные фотографии, которые будут иметь ваш авторский стиль.

Дизайн Madina Turchaninova

25.

Асимметрия: отключить сетку

Дизайнеры все более отдаляются от стандартов в поисках свежих идей. Так, забыв о сетке, можно создавать жесткие изображения, которые способны удивить зрителя.

Асимметричные схемы без использования сетки не требуют центрирования фокусных элементов. Это обеспечивает большую кинетическую энергию и движение.

Полная асимметрия в дизайне сайта. Mila Jones Cann.

Большинство редакторов для веб- и графического дизайна, как Squarespace, Canva и др., используют шаблонные макеты. Они не позволяют дизайнеру проявить свою индивидуальность.

Асимметричная компоновка, будь то дизайнерская композиция, приложении на сайте, буклет, позволяет создавать уникальный стиль.

Асимметричный дизайн каталога мебели. Artem Oberland.
Веб-дизайнс нетрадиционным видением сетки. JesseShowalter

Пользователь чувствует любопытство о том, где информация и графические элементы могут идти дальше, что увеличивает интерес к изображению. Асимметрия может использоваться абсолютно в любом виде графического дизайна.

Асимметричный дизайн веб-галереи живой природы с использованием сетки. AbdooElhamdaoui.

26.

Арт-деко: минимализм и роскошь

Со времен Первой мировой войны менялось много художественных движений, что оставило отпечаток на дизайне. Это время дизайнеры чувствовали резкие переходы между минимализмом и максимализмом, аккуратностью и хаосом, роскошью и простотой.

Вследствие этого зародилась отдельная ветвь дизайна – Арт-деко. Она совмещает в себе насыщенность гламуром и органические формы.

Сложный металлический дизайн брендинга. Skilline.

В 2019 году арт-деко особо сильно затронул создателей логотипов. Они часто используют сочетание типографики с засечками и минималистских изображений. Это позволяет создать сдержанный и богатый логотип бренда.

Логотип Tulipan Husene. Прекрасный металлический логотип от Arthean.
Логотип Cannabis Regulatory Compliance от aarif.
Дизайн логотипа Peacock от flycr.
Логотип Insaaph. Изображение льва в стиле арт-деко. Arthean.

Логотип Collective Humanity. Использование шрифтов, мотивов и черных чернил в стиле арт-деко. svart ink.

27.

Средневековый модерн: старинные цветовые палитры

Простые краски и формы пришли на замену максимализму. Вдохновение стиля пришло со Средневековья, когда активно процветала живопись. Старинные цветовые палитры позволяют создавать простые для восприятия иллюстрации (создаются в основном в Adobe Illustrator). Такие изображения вызывают чувство спокойствия и доверия к бренду.

Стильный слайдер на сайте с ретро-эффектом. Paarth Desai.

Ретро постер предстоящего события в мире бокса. ANAMOLLY.
Иллюстрация в легком стиле, со старинной цветовой палитрой. Spoon Lancer.
Дизайн упаковки спичек «Золотое Правило», выполненный в стиле «атомик», который был популярен в середине прошлого века. NicolaBroderick.
Логотип Solar Eliquids. Еще одна космическая гонка вдохновила на дизайн. Arthean.

Стиль особо активно использовался в дизайне упаковочной продукции в середине прошлого века.

Рекламные иллюстрации, упаковки, логотипы и другие элементы использовали простые двухмерные рисунки и цвета приглушенных тонов. Мечтательные цветовые палитры будут популярными весь 2019 год во всех типах графического дизайна.

Шаблоны, которые используются при создании иллюстраций в стиле Средневековый модерн. Andrew Littmann.

28.

Дуотон и градиенты: цветовые переходы в двух тонах

Градиенты – «переходы цвета» популярны уже более десяти лет. Но последние годы их начали чаще использовать при создании логотипов.

Одного фирменного цвета мало, чтобы логотип был стильным и современным. Поэтому чаще всего используется система дуотон, в которой используется 2 цвета.

Существуют классические комбинации цветов: синий и фиолетовый, красный и оранжевый, синий и красный. Но увеличивается тенденция к переходам цветов, которые не сочетаются между собой. Так создаются резкие и смелые иллюстрации.

Логотип Vlogeasy. Дизайн плаката от nevergohungry

В 2018 году вернулась популярность двухцветных изображений. Поэтому в 2019 точно будут в тренде короткие градиенты из двух цветов.

Веб-дизайн студии по печати на одежде. Яркие градиенты на коммерческом сайте. mikebarnes.
Дизайн плаката из смелых градиентов от Bruno Pego.

29.

Теплые, пастельные тона: меньше яркости и цвета

Неоновые градиенты будут также популярными, как приглушенные тона. Присутствие старины на иллюстрациях способствует их легкому восприятию. Такие оттенки напоминают ретро времена, когда камеры не могли охватить всю глубину цветов.

Тусклые оттенки в фотографиях Tiago Ferreira.
Печатное издание с использованием пастельных тонов. lasho.

Такой стиль графического дизайна должен возродить искусство фотографии из 70-х годов прошлого века. Добавив немного черного оттенка к каждому цвету, можно создать слегка тайную атмосферу. Поэтому весь 2019 год можно активно использовать теплые тона в веб-дизайне.

Фото девушки с приглушенными тонами под ретро. Fernando Machado.
Обложка микстейпа Lil Yachty от дизайнера nevergohungry.
Обложка книги Шерман Алекси «Вы не должны говорить, что любите меня». nevergohungry.

30.

Максимализм + тонкость линий: завоевать доверие

Толстые и грубые лини были популярными очень долго, но в 2019 все стремится к легкости. Это касается коммерческого дизайна в виде рекламы и упаковок. Тонкие линии на иллюстрациях придают им элегантности, и увеличивают доверие потребителя. Приглушенные тона более естественные, намекнут на натуральное происхождение продукта, привлекают новую аудиторию.

Упаковка шоколада, которая выглядит естественной и полезной. Mila Katagarova

Сложные рисунки всегда трудно смотрелись на товарных упаковках. Но если такие рисунки выполнены в светлых тонах, тонкими линиями и на текстурной бумаге, они будут мягкими и приятными потребителю.

В смесь максимализма и тонких линий можно добавлять различные естественные элементы: фольга и золото, тиснение, сургуч и др. Даже тогда упаковка не будет перегруженной.

Легкая упаковка дезодорантного средства. Органичность и натуральность. Wooden Horse.
Логотип Sea Monster Software. Gwydion.
На создание одежды дизайнера вдохновили старые ботанические рисунки одуванчика. Yokaona.
Логотип Seattle Baby Company — производителя детской продукции от Mad Pepper.

31.

Шрифт с засечкой: придаем буквам характер

В 2019 смело можно использовать sans-serifs (без засечек) шрифты. Но дизайнеры обещают порадовать большим разнообразием шрифтов с засечками. Усиленные шрифты делают текст убедительнее, передают строгость и богатство.

Впечатляющий дизайн сайта от Nathan Riley.

На фоне роскошных засечек на буквах, sans-serifs шрифты становятся безликими и серыми. Известные бренды выделяются за счет засечек разной длины, формы и типа. Уже сейчас в сети интернет можно найти неисчислимое количество таких стилей. В 2019 они точно станут одной из топовых тенденций.

Логотип D. McQuillan Construction and Fine Homes. Авторские засечки на шрифте делают его элитным. DaveRoach.
Логотип ресторана The Good Grub с засечками под классику. tulimilka.
Дизайн сайта в ультра-минималистском стиле. Alex Capellan.
Брендинг бара «Тосты с соком». Levi Lowell.

32.

Изометрический дизайн: 3D в двух измерениях

Наравне с открытой композицией, изометрический дизайн будет в тренде в 2019 году. Такие конструкции позволяют создать полноценный сюжет в ограниченном пространстве. Поэтому изображения обычно детальные, с использованием геометрических объектов.

Изометрическое изображение города от LittleFox.

Название стиля звучит технически, но способ создания таких иллюстраций намного проще, чем кажется. Это способ рисования трехмерных объектов в двухмерном пространстве. Рисунок получается простой, но имеет глубину, которая не присуща обычным 2D изображениям.

Изометрия активно используется при создании иконок. Изометрические значки выглядят более эффектно, чем плоские. А файл изображения занимает гораздо меньше места, чем 3D иллюстрация.

Дизайн сайта CryptoGoal.io с удивительными изометричными горами. KisaDesign.
Веб-дизайн Savagely. Интерактивный и интересный лендинг от GhaniPradita.
На иллюстрации отлично видно, как изометрический дизайн передает ощущение активного движения. Dmitrii Kharchenko.
Изображение персонала компании для сайта или брендбука от Daria V.

33.

Цвет года 2019

Ежегодно появляется стиль дизайна, вдохновленный цветом года. Всемирный диктатор моды Pantone регулярно определяет главный цвет каждого года.

В 2018 году самым привлекательным цветом был признан ультрафиолет (Ultra Violet) – роскошный и мистический оттенок фиолетового.

В 2019 Международный исследовательский институт Pantone объявил долгожданный цвет года. Это оптимистический и радостный цвет «живой корал». Будьте уверенны, что в 2019 году вы часто увидите оттенок 16-1546 Living Coral в рекламных и дизайнерских проектах.

Тренды графического дизайна 2019: выводы

Подытожив все вышесказанное, можно утверждать, что в 2019 году мы увидим много открытых композиционных проектов, которые используют воображение зрителя. 3D-дизайн будет массовым, но не скучным – реализм заставит зрителя погрузиться в композицию. Яркие цветовые схемы, а также металлические элементы сделают дизайн красивым и мечтательным.

Типографика будет крупной, и довольно часто это лишь контур букв. Мы будем видеть искусство в его самых нетрадиционных формах.

Посмотрите шикарный видеоролик, в котором использованы почти все из вышеперечисленных трендов.

The union of art an design in the movement

Источники: видео и статья.

Стиль mid-century modern в интерьере

Интерес коллекционеров и декораторов к предметам быта и арт-объектам середины прошлого века породил ещё один уникальный стиль – mid-century modern. Это дизайнерское движение в интерьере, графическом дизайне, архитектуре и градостроительстве существовало примерно с 1945 по 1975 годы.

Mid-century modern в буквальном переводе означает «модерн середины века». Этот стиль возник в период после Второй мировой войны, когда функциональность и стилистика модерна были еще актуальны, но людям хотелось сделать интерьеры психологически более теплыми и уютными. В этих обстоятельствах в 1950-е и 1960-е годы появилась мебель, узоры и цвета, которые были жизнеутверждающими, эргономичными и уютными. Естественное стремление к яркости, жизнеутверждению, эргономике и уюту – культивировалось в винтажный стиль mid-century modern. Впервые это название для уникального стиля было предложено Карой Гринберг (Cara Greenberg).

Сейчас этот стиль снова в тренде и это неудивительно: он заряжающий, комфортный, обладает яркой индивидуальностью и хорошо вписывается в современные ожидания от интерьера.

Часть обаяния модернизма середины века в том, что по сути он был заново открыт. Модернизм середины ХХ века оказался почти универсальным (подходит всем и ко всему) и удачно вписался в современную жизнь.

Совет руководителя студии

Создайте интерьер своей мечты с дизайнерами нашей студии

Каждый наш проект отражает потребности, вкус и образ жизни нашего клиента

Рассчитать стоимость

Главные составляющие и непременные его атрибуты – скандинавская простота в контрасте с американской яркостью, легкость и выразительность форм при необыкновенной чистоте линий и высочайшее качество исполнения.

Дизайнеры и архитекторы, вдохновляясь скандинавскими минимализмом и идеей создать интерьер для среднестатистической семьи, старались объединить внешнее пространство с пространством внутренним, создавая оптимальные условия для жизни.

Стиль mid-century, который принято считать последователем модерна по его философии, тяготеет к природным материалам, высокому качеству мебели и достаточному количеству света, достигаемому при помощи больших окон. Как основу стиля можно выделить простоту и практичность. Примечательно то, что для стиля характерны в основном светлые стены, присущие скандинавским интерьерам, а взамен излишней декоративности – добротное исполнение и акцентные геометрические паттерны.

Предметы утратили свою угловатость, приобрели мягкость, приняв за образец органические формы – это стало возможным благодаря искусственно созданным материалам, таким как, например, фанера. И со всей неуемностью того времени культура повседневности влияла на концепцию жилья и мебель.

Цвета стали более яркими, более пестрыми и тяготеющими к цветам земли, создающим чувство защищенности и надежности. Одновременно исчез страх перед комбинированием разных узоров — соединяли подчас несоединимое. В интерьерах правят природные цвета: белый, серый, коричневый, темно-зеленый, бежевый, песочный. Они задают отличный фон для яркого декора и текстиля с активными узорами.

Особую роль в стиле mid-century играют светильники, как самостоятельные предметы характерного искусства. Люстры, настенные или напольные – являются практически арт-объектом, выглядя достаточно футуристично. С отделкой из лака или латуни они гармонично дополняют остальные детали интерьера. Многие из них, как и мебель, теперь относят к классике. Тренд развился не в направлении одной, освещающей все пространство люстры, а в сторону спотов, которые произвольно расставляли световые акценты в помещении.

Еще один атрибут стиля — открытое пространство, где одна зона плавно перетекает в другую.. Включение внешнего пространства в концепцию жилья было революционным. Большое панорамное остекление и раздвижные двери — чтобы интерьер выходил за рамки дома, не имел четких границ.

И, конечно, доминантой стиля в интерьере является мебель. Именно акцент на мебель объясняет локально белые стены, потому что именно на фоне светлой стены мебель подчеркнута более выгодно.

Большое распространение получила пластмасса. Появилось много новых, более обтекаемых форм.

Высокие ножки стульев, кресел, витрин и комодов отделывают латунью и медью, создавая на них элегантный акцент, а предметы мебели, разработанные самыми известными дизайнерами того времени – по сей день являются самыми узнаваемыми и копируемыми иконами мирового дизайна.

В 50-60 гг. доминировала поп-культура, она проявлялась и в интерьерах. Поэтому естественными в mid-century modern будут яркие работы в стиле Энди Уорхолла и поп-арт-постеры с героями комиксов.

Стиль практически лишен мелких деталей, отдавая предпочтение минимальному количеству ярких акцентов и любуясь гармоничным единением красоты природных материалов с функциональной практичностью.

Графический дизайн до 30-х годов в XX веке. Советский графический дизайн в XX веке

Содержание:

Введение

Тема работы – исследование материала и знакомство с историей графического в целом, а так же советского графического дизайна XX века.

XX век — характеризовался сильнейшими политическими, экономическими и культурными изменениями. Для многих республик этот период стал разрушением культурных связей, последовавший за этим тяжелейший экономический кризис привёл к затормаживанию процесса развития художественно-проектного творчества.

Но так же это время динамичных изменений, находивших воплощение в неожиданных творческих решениях. В мире в эти годы начинает отчётливо наблюдаться процесс повышения роли графического дизайна в различных сферах общества, что непременно связанно сто становлением массовой культуры.

Эволюция художественной части такой как фотография, кинематография и телевиденье, способствовала существенному расширению аудитории, способной к восприятию информации политических событий того времени. Но именно визуальная информация оказалась более понятной для аудитории. Тогда главную роль сыграли плакаты с агитационным посланием. На них активно изображались изменения в стране, людях, запечатлевали великие постройки, но чаще лозунги.

Несомненно, формировавшийся политически режим того времени в Советском Союзе отлично наложил свой отпечаток на характер изображаемого. При тоталитарном устройстве государства, какое тогда имелось, все структурные элементы общества строго подчинялись интересам власти.

Положение, в котором тогда находилась отечественная графика и весь дизайн целиком, наглядно показывает нам к чему приводят попытки государства, когда они вмешиваются во все сферы жизнедеятельности общества.

Графический дизайн мы понимаем все же довольно широко, но это действительно довольно широкая область, в него входят: фирменный стиль, иллюстрации, дизайн СМИ и многое другое. Таким образом, графический дизайн — это окружающая нас визуальная среда, создаваемая дизайнерами в определённый период времени.

Цели и задачи данной работы следующие:

Познакомится с историей графического дизайна
Раскрыть понятия графического дизайна
Выявлений технических, стилистических и идеологических особенностей
Знакомство с наиболее значимыми именами, школами и направлениями в графическом дизайне

Глава 1. Графический дизайн 10-30 годы XX века

Глава 1 рассказывает нам о графическом дизайне в целом, показывая, из чего он состоял XX веке, о дизайне как сформировавшемся феномене, который проходит определённые фазы развития.

1.1 Графический дизайн 1910-1920 года

Так что же такое дизайн – это художественное конструирование эстетических свойств промышленных изделий. Дизайнер по своей профессии не является в первую очередь художником, он – творческая личность, которая по выполнению задания может оказаться и художником. Дизайнер выполняет все те же действия что и люди в повседневной жизни, только на более сложном уровне. Работа людей в профессии дизайн значительно сложнее, больше поиска, поиска порядка среди хаоса, поиска красоты, смысла и реализации всех этих действий.

Если говорить в целом о стилистике графического дизайна первых двух десятилетий XX века, то можно выделить четыре основных направлений стиля, с одной стороны резко отличающихся друг от друга, а с другой стороны испытывающие взаимовлияния:

Китч
Модерн
Авангард, модернизм
Арт-деко

Определения стилей

Китч в XX веке (см. рис.1 – Вербный базар) представлял из себя не намеренную концепцию стиля, а сложившуюся случайно манеру обращения с изображением. Типографские технологии того периода ещё не были осмысленны эстетически, профессионального образования в дизайне тогда ещё не было. Композиции любого продукта графического дизайна (плакаты, журналы, объявления, газеты и т.д.) собирались из готового фонда типографических изображений. Все создавалось на основе упрощённой и однотипной схемы наборной рекламы. Результат зависел от того какие константы выберет типографский наборщик, такой способ работы способствовал появлению огромного количества непрофессионального дизайнерского продукта. Но стоит отметить, что так называемое «отсутствие вкуса» в китчевых работах принесли в дизайн свой шарм и красивые графические решения, если смотреть на работы того времени сегодняшними глазами дизайна. Примерам «того» китча могут служить русские торгово-промышленные плакаты. (см. рис.2)

Модерн до 20 годов оставался ведущей стилистикой в оформлении рекламных плакатов и т.д. Многие дизайнеры и художники доводили модерн до слияния с китчем используя методики умножения плавных рамок и волнистых линий. (см. рис. 3). В это время появляются несколько выдающихся графиков , — Э. Ш. Г. Элиот, Дж. К. Лейендейкер, Э. Пенфилд, по эстетичности и изящности в работах их можно было бы приписать к модерну, но это был другой модерн. Авангард в то время тесно переплетался с модерном, оба они тогда являлись влиянием, которое ещё не приняло конкретных форм в первом десятилетии XX века. В 1919 году открыли немецкую школу дизайна Баухауз. Туда на должность преподавателей приглашались художники, работы которых придерживались в основном авангардных взглядов на искусство – Пауль Клее, ЛаслоМохой-Надь, Оскар Шлеммер, Василий Кандинский, Йозеф Альберс и др. Примером модернистского решения в дизайне может служить эмблема Баухауза, разработанная О. Шлеммером в 1921-22 годах. (см. рис.4)

Арт-деко является четвертым направлением в дизайне 10-20-х годов XX века. Тогда он только начал зарождаться, его чертами являются строгая закономерность, геометрические узоры, воссоздание так называемой «былой роскоши». Стилизовано было все – восходы, деревья, цветы, люди, фонтаны, богатая палитра. В этом направлении работали Л. Зюе, А. Маре, П. Фоллот, А Легрен. Хорошим примером арт-деко может служить работа декорация Л. С. Бакста к трагедии «Федра». (см. рис.5)

Все стилистические направления, описанные выше, создавали единое творческое пространство, которое оказывало влияние на все проявление графического дизайна. В газетах того времени лидировали такие стили как модерн и китч в отличии от журналов, которые стремились соединить в себе все четыре стиля. В пример политической рекламы можно привести американского графика Джеймса Монтгомери Флэгга (1877-1960), создателя образа «Дяди Сэма» — персонифицированное изображение американского истеблишмента..(Рис.6) Из признанных мастеров графического дизайна рассматриваемого периода необходимо назвать также Э. Пенфилда (1866 -1925) и Дж. К. Лейендекера (1874 — 1951). Работы Э. Пенфилда больше похожи на быстрые зарисовки – это его предложенный вариант для столь стремительного модерна. Такие рисунки строятся на мягких локальных пятнах обведённых стремительным и неровным контуром.(см. рис.7) Дж. К. Лейендекер внёс огромный вклад в историю созданием первого в мире рекламного бренда – Arrow Collar Man (человек в воротничке Arrow). Он создал образ целой эпохи в виде мужчины, который уверенно себя чувствует в современной эпохе автомобилей, кинематографа и самолётов. Так же он нарисовал огромное множество рекламных плакатов, оформлял журналы, в определённый период стал самым востребованным коммерческим художником Америки.

1.2. Графический дизайн 1920-1930 годы

Ведущим стилем 20-30-х годов XX века стал арт-деко. Арт-деко с самого начала являлся направлением, которое соединяло новейшие достижения дизайна. Основные стилистические тенденции в графическом дизайне и рекламе 20-30 годов:

Модернизм, функционализм (в конечном итоге соединяется с арт-деко)
Китч (в это время образуется свой, отличающийся стиль под влиянием американской идеологии)
Реализм (для этого стиля всегда было место, несмотря на то, что он не был господствующим)

Примером арт-деко 20-х годов могут служить работы иллюстратора Эдуардо Гарсия Бенито (1891-1981).(см.рис.8) Он изображал на обложках журналов стилизованные женские фигуры и лица.

В китче как пример можно привести Еноха Болза, его стиль – это изображение намеренно милых девочек в кокетливых позах. Так же дизайнер использует «весёлые шрифты» и яркие сочетания красок. (см. рис.9)

Исходя из всего выше написанного, можно сделать вывод, что 20-30 годы сформировали определённый подход к графическому дизайну и рекламе. Этот период характеризуется:

Декоративностью, но без приукрас (арт-деко все упростил)
Простотой и смелостью
Стремлением к красоте
Стремлением нравится большинству

20-30 годы XX века – время господства стиля арт-деко.

Глава 2 повествует о том, с чего начался советский графический дизайн, кто стоял у истоков и развивал его. Присутствуют разъяснения течений, которые повлияли на формирование дизайна.

2.1. Становление советского графического дизайна

Эстетический перелом в советском графическом дизайне произошёл после активного обращения к этому жанру художников , входивших в объединение «Мир искусства». Художники этого объединения не были настроены революционно, им больше по душе были романтические эпохи прошлого. Однако их методы были современны, лаконичны и все так же основаны на стилистике модерна.

Значительным продвижением вперёд к дизайну стало творчество Льва Самойловича Бакста (1866-1924), Евгения Евгеньевича Лансере (1875-1946), Николая Владимировича Ремизова (Ре-ми, 1887-1975), Михаила Александровича Врубеля (1856-1910).

Ситуация в России, связанная с революцией и гражданской войной, привела к огромному появлению плакатов в стиле китч. Перенасыщенных как информацией, так и нарисованными деталями. Но это все помогло произвести на свет новое художественное образование нашей страны, так зарождался настоящий дизайн.

Художественная жизнь России 1917-1930 являлась собой экспериментом по созданию нового общества. Но бедность народа, бурное развитие жизни и промышленности, а так же отсутствие государственно системы привело к тому, что художники начали отрицать каноны прошлого и почувствовали свободу творчества. Началось создаваться революционное искусство, его начали внедрять в быт, активно развивались авангардные течения.

2.2. Формирующие стили

На формирование графического дизайна в нашей стране оказали следующие авангардные течения:

Абстракционизм
Супрематизм
Конструктивизм

Абстракционизм – это течение, которое изобрёл Василий Васильевич Кандинский (1866-1944).(см. рис.10) Сутью данного течения является – высшая, духовная форма искусства, выражающаяся посредством абстрактных форм, линий пятен. Каждая деталь (например, точка или квадрат) обладает собственным духовным содержанием. Эти идеи имеют огромную значимость для дизайна, они открывают путь для абстрактного выражения любого содержания.

Супрематизм — течение, изобретённое Казимиром Севериновичем
Малевичем (1878-1935). Фактически, смысл супрематизма в визуальном поиске философских и не только путей. Через изображение абстрактных фигур, парящих в «белой бездне», ведётся поиск универсальных закономерностей бытия. (см.рис.11) Еще один супрематист Эль (Лазарь Маркович) Лисицкий (1890-1941) создавал так называемые «проуны» (Проекты Утверждения Нового) – абстрактные композиции из фигур, которые впоследствии стали основой для фотоколлажей, выражающих новый взгляд на искусство. (см.рис.12)

Конструктивизм – течение изобретённое Владимиром Евграфовичем Татлиным (1885-1953). Истина конструктивизма – в отказе от любых характеристик предмета, кроме его конструкции, который и является его сущностью и основой. (см.рис.13)

Искусство революции стремилось создавать новый облик городской среды. Супрематизм заполонил наружную рекламу, предметы быта, транспорт и даже ткани. Все больше подчёркивался художественный конфликт. Примером такого конфликта может служить реклама Моссельпрома, созданная А. Родченко в 1924 году, торец дома украшен шрифтовыми композициями, полностью обезличивающими дом как архитектурное сооружение. (см.рис.14)

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

Приложение.

Самое удивительное в графическом дизайне: sergeserov — LiveJournal

Самое удивительное в графическом дизайне – его способность к переменам. Каждое мгновенье он меняется, с каждым новым произведением расширяет свои границы. Изменяется его предметная область, изменяются и представления о красоте, его эстетика.

Самый крупный, обобщенный уровень таких изменений – культурно-исторический. На этом уровне в истории графического дизайна можно увидеть смену трех разных типов визуальной культуры, которым присущи разные парадигмы мировосприятия и пространствозрения.

Это книжно-классическая парадигма, господствовавшая несколько веков, с изобретения Гуттенберга и до начала ХХ века. Модернистская визуально-коммуникативная, которая доминировала на протяжении почти всего двадцатого столетия. И виртуально-средовая, по сути постмодернистская, начавшая разворачиваться с конца ХХ века.

Однако то, что с культурно-исторической точки зрения предстает как эпохи, внешние этапы развития графического дизайна, с методологической оказывается внутренней типологией эстетических концепций, типами художественно-проектного моделирования мира с помощью разных эстетик, тремя слоями, аспектами, сторонами одной профессии.

Так, классическая парадигма может быть представлена как воплощающая эстетику формосообразности (или эстетику завершения). Это эстетика формы, гармонии, здесь созидается, так сказать, «красота красивая». Форма в ней следует другой форме – культурного образца, прототипа, канона. Формообразование и стилеобразование характеризуется строгостью правил и стремлением к высокому стилю.

В визуально-коммуникативной парадигме «форма следует функции», согласно самому знаменитому дизайнерскому лозунгу ХХ века. Эта парадигма воплощает эстетику целесообразности (эстетику тождества). «Красотой» в ней становится визуальная коммуникация, целесообразная, эффективная, однозначная передача информации. Хотя само понятие красоты в модернистском дизайне не употребляется, считается принадлежностью украшательского взгляда на мир, на самом деле особая «красота разумная» просвечивает здесь сквозь умные, структурирующие, упорядочивающие визуальную среду проектные решения.

В виртуально-средовой эстетике «форма следует эмоции». Постмодернистская парадигма воплощает эстетику смыслособразности (эстетику различия), которая обращается к чувству и фантазии, к образной неоднозначности и стилевому многообразию.

Теория трех взаимодополнительных эстетик принадлежит давней исследовательской традиции, обобщенной применительно к дизайну В.Ф.Сидоренко. Одна из его статей так и называлась: «Три эстетики».

Сидоренко Владимир Филиппович
Три эстетики
Изменчивость – самая яркая примета художественной жизни всего XX века – к концу столетия приобрела обвальный характер. Бессмысленно подсчитывать количество одновременно существующих стилей, художественных программ, направлений – едва ли не каждая очередная творческая инициатива стремится если не перевернуть мир, то, как минимум, стать новым эстетическим манифестом. «Происходит какое-то изменение общего пути, о котором мы не подозревали прежде и не могли его предугадать, – констатирует происходящее итальянский эстетик Д. Формаджо. – Прежде конфликты цивилизации были конфликтами между той или иной формой и тем или иным типом жизни. Сейчас – общий конфликт между всей формой и всей жизнью. Все, что только-только обрело форму, тут же распадается под натиском жизни, но и сама жизнь всякий раз, когда собирается сделать рывок, попадает тут же в сети формы. Это очень странная и любопытная ситуация, и, может быть, ни одна культура не переживала ее столь драматично».
На протяжении всего XX века высокая динамика художественного процесса, поощряемая критикой, идентифицировалась с истинно творческим духом современного искусства, освободившегося от канонов и эстетических предрассудков прошлых эпох. Однако к концу столетия одновременно с раскрепощением творческой свободы возрастает чувство утраты каких-то важных ценностных ориентиров творчества. Сам по себе этот факт говорит о том, что мы имеем дело с кризисом не столько в искусстве, сколько, в первую очередь, в его осознании, в рефлексии искусства о самом себе в представлениях художников, критиков, историков искусства, эстетиков.
Еще до сравнительно недавнего времени, пожалуй до конца 60-х – начала 70-х годов, творческие инновации, изменяющие художественную ситуацию, по традиции, идущей от Г. Вёльфлина, осмыслялись в терминах «стиль», «смена стилей», «процесс стилевого развития». На самом же деле ситуация с большой натяжкой поддается такой интерпретации. Многие художники и теоретики чувствуют это и пытаются оперировать другими словами: «метод», «модель», «структура», более точно отражающими дух и внутреннюю методологию художественного творчества в XX веке. В свою очередь слово «стиль», распространяясь на явления, по сути имеющие мало общего с тем, что когда-то называлось стилем (например, «фирменный стиль» – явление совершенно иного порядка, чем «стиль» в классическом, вёльфлиновском смысле), утрачивает значение главного ценностного ориентира в художественном процессе. «Стилем в высшем смысле этого слова, – говорили в XIX веке, – обладают только гениальные художники и отличаются истинные создания
искусства» (И. Фолькет). Этот высокий статус слова «стиль» не стерся в культурной памяти, но сегодня оно скорее играет роль аллегории, когда художник, претендующий на «истинные создания искусства», невольно примеряет это слово к себе и говорит, что он «создал стиль» (хотя бы и «фирменный»). Сам Вельфлин видел свою задачу не в том, чтобы дать XX веку адекватный язык описания художественного процесса, а в том, чтобы теоретически и эстетически завершить самосознание уходящей классической поры искусства, которая уже никогда больше не повторится. Классическая эпоха искусства закончилась, и вместе с ней закончилась история стилей. Началась постклассическая эпоха, открывшая принципиально другой тип художественного процесса, который с классических позиций просто не может быть адекватно схвачен сознанием и воспринимается как эстетический беспредел, хаос, тотальный распад формы.
Художественный процесс больше не может рассматриваться как совершающийся в большом «стилевом» времени: историческое время как бы втянулось внутрь художественного сознания и обернулось временем концептуальным, психологическим и проектным, а «стиль» стал рабочей категорией, а не естественно-исторической формацией. Уместна аналогия с теорией относительности А. Эйнштейна, рассматривающей время неклассической физики не как абсолютную, внешнюю систему, а как внутреннее, рефлексивное свойство позиции «наблюдателя».
Таким образом, чувство утраты ценностных ориентиров в современной ситуации объясняется принципиальным изменением типа художественного процесса, для которого нет еще адекватного языка описания. Новая процессуальность связана со способностью воображения конструировать художественные миры в контексте рефлексии самообраза художника – с позиции «наблюдателя». Самообраз этот парадоксально двойствен, то есть имеет два образа: разорванности, распада художественной ситуации на отдельные авторские концепции и слитности, непрерывности художественного процесса, с которым отождествляет себя и сам художник (он и есть этот процесс). Эти два образа – тождество и противопоставленность – символизируют две эстетики , две методологии художественного творчества.
Но для художника важно не зациклиться на «тождестве» или «противопоставлении», не свести художественный процесс к одному измерению, к одной методологии. Одинаково существенны обе позиции, и поэтому не менее важна и третья позиция, в которой нет их противоположности. Это эстетическая рефлексия художественного процесса не по горизонтальной оси, а как бы взгляд на него сверху, с позиции третьего лица. Такой позиции тоже соответствует своя методология художественного процесса, то есть своя эстетика. Взаимодействие трех названных эстетик (позиций), типология которых восходит к работам П. Флоренского, М. Бахтина, Ю. Лотмана, и составляет, на мой взгляд, сущность художественного процесса в XX веке.
П. Флоренский определил красоту как предметное созерцание истины и добра. Об этом же почти дословно писал и М. Бахтин. Истина и добро, мир познания и мир этического поступка, поскольку они эстетически созерцаются и переживаются в красоте, могут быть представлены как персоналистические модусы – «лица» эстетической рефлексии. Лицо имеет три грамматических формы: я, ты, он. Эта простая с виду типология заключает в себе глубокие структурные и процессуальные принципы, означивает формы эстетического переживания и проектно-художественного моделирования мира. Эстетическая рефлексия на все бросает отблеск целого – красоты. Истина и добро светятся в ее лучах, эстетический субъект ни в чем не теряет самого себя: он остается художником и в качестве совершающего этический поступок, и в качестве творящего красоту. Это и есть самоцелостность. Но в каждой из своих ипостасей художник самосознает себя особым образом. Принципу Я соответствует эстетика тождества, принципу Ты – эстетика нетождества, принципу Он – эстетика завершения.
Эстетика тождества. Принцип Я как тип художественного самосознания и моделирующего отношения к миру обозначен и выявлен в художественной культуре достаточно отчетливо: каждому подлинному художнику присуще ощущение глубинной связи с основами бытия. Я – сама
способность к действию, причем к действию пластически выраженному, реально преодолевающему дистанцию между субъектом и объектом. Образ нового мира, еще не завершенный в художественной форме, уже присутствует в непосредственно-опосредованном тождестве Я и мира, смысл которого – постижение истины бытия. Я – это видение мира из его центра и стягивание мира в Я как его средоточие. И в прямой и в обратной перспективе этому рефлектированию тождества нет конца: истина бесконечна и в таинственных глубинах Я, и в непрерывном расширении границ познаваемого внешнего мира. Оба полюса сходятся благодаря рефлектированию целесообразности творческого акта. А между этими полюсами творится мир как истина – мир природы, культуры, социума. Тождество Я и мира не статично и не мертво, оно есть акт творческого открытия жизни в ее истинности, которая переживается эстетическим субъектом как онтологический факт и вместе с тем – как красота. Я тождественно жизни, жизнь есть истина, а истина есть красота. Эстетика тождества – особая форма доверия художника к жизни, миру, бытию. Он не навязывает жизни свой замысел, концепцию, образ, а постигает творческий замысел жизни в ней самой. В той мере, в какой тема образа жизни и человеческих потребностей была для дизайна значимой при самых разных концептуальных ориентациях – от технократического футуризма до экологического дизайна, всегда оставался актуальным и метод эстетики тождества. В 70-е годы с повышением значимости этой темы, достигшей апогея к середине 80-х, происходит фундаментальное переосмысление художественной стратегии дизайна, в которой ведущую партию стали играть принципы эстетики тождества.
Эстетика целесообразности и эстетика хаоса – два полюса эстетики тождества. Эстетика целесообразности осуществляет новое языковое строительство, обращаясь к высшим, заповедным горизонтам культуры – отождествляя природу с Богом. Эстетика хаоса обращается к горизонтам ниже нижнего – отождествляя природу с хаосом, находящимся на самом дне культуры, как бы за ее пределами. В диалектике творчества и внутреннего обновления содержания культуры «верх» и «низ» взаимоотражаются друг в друге, порой сближаясь до неразличимости. Тем не менее различие это существует и выражается в том, включается ли хаос в целесообразность или целесообразность поглощается хаосом, что доминирует в творчестве – эстетика созидания или эстетика разрушения.
Эстетика нетождества. Переход от эстетики тождества к эстетике нетождества осуществляется в момент эстетической паузы – в позиции молчания. Молчание – осознание исчерпанности предшествующего художественного опыта, а вместе с тем и эстетической парадигмы тождества Я и мира, искусства и жизни, знака и предмета. Парадигмы, давшей человеку испытать возможности познания бесконечной истины и человеческие пределы этих возможностей. Выражением позиции молчания может быть выставленный холст, на котором ничего не изображено, пустое место, отведенное под художественный объект, которого нет. Молчание, разотождествляющее искусство и жизнь, трансформирует прежнее тождество в рефлектируемое отношение формы и смысла, всегда не совпадающих друг с другом, как не совпадают текст и подтекст. Формальная организация вещей – знаков, образующая некий художественный текст, с точки зрения эстетики нетождества не самодостаточна. Предметный мир должен быть не только целесообразно организован, но и осмыслен. Я, втянутое в смыслообраз мира, оказывается теперь соотнесенным не с познанием истины и целесообразности бытия, а с другим смыслом и с другими Я, выступающими по отношению друг к другу как Ты.
В мире Ты художественная коммуникация происходит как обмен смыслообразами, а художественный процесс – как художественное смыслообразование.
Полюсы этого мира – смысл и абсурд – символизируют и два противоположных жанра эстетики нетождества: эстетику смыслосообразности и эстетику абсурда.
Эстетика нетождества во всем противоположна эстетике тождества. Объективности факта она противопоставляет субъективность восприятия его, миру внешнему – мир внутренний, монологизму объективного знания – диалогичность смысла, определенности предмета – способность превращения одного в другое и т. д. Она утверждает несводимость точек зрения друг к другу, «неслиянность голосов», как говорил М.Бахтин.
В дизайне установка на эстетику нетождества означает принципиальную несводимость точки зрения дизайнера к точке зрения потребителя и наоборот. Жизнь только «для другого» есть обезличивание, односторонность, так же губительные для дизайнера, как и жизнь только «для себя», как стремление во что бы то ни стало навязать свою – «истинную» – точку зрения потребителю. Дизайн-проект – это и модель истинной реальности, и точка зрения личности на мир, это и концепция, и диалог с другими точками зрения.
Позиция недоумения, незнания, вопрошания – художественный прием, помогающий наиболее полно выявить противоречивые обстоятельства ситуации, не отбрасывая ни одно из них, оставляя ситуацию открытой системой. Это своего рода скромность, смягчающая позицию автора, взявшего на себя смелость критически судить о мире.
Позиция «умного незнания» принимается в качестве правила игры в искусстве ведения диалога, например, в процессе коллективного поиска правильной постановки проблемы, когда в диалоге участвуют представители разных сфер социальной действительности – производства, управления, экономики, торговли, потребления и других. Требования этих сфер бывают, как правило, настолько несовместимы друг с другом, что ситуация кажется безвыходной. И прежде, чем принять какое-то решение, надо дать возможность наиболее полно раскрыться каждой точке зрения в диалоге сторон и тем самым
обнажить конфликтность и внутренний смысл ситуации.
Искусство проблематизации состоит в том, чтобы в самой постановке проблемы уже предполагалась возможность ее решения. При этом ситуация молчания, невозможности высказывания, в которой оказывается пользователь языка, запутавшись в тупиках противоречий, преодолевается тем, что каждая из отдельных точек зрения абсурдируется, будучи доведенной до своего логического конца –до модели мира, и включается в состав проблемы как «ложная», но не отрицаемая часть общего ее смыслообраза.
Абсурдизм демонстрирует мир невозможных, но существующих вещей, среди которых живет невозможный, но тем не менее реальный человек, раздутый в своем значении и нищий в своем содержании. После того как Сальвадор Дали создал свои «мягкие часы», появилось много аналогичных абсурдных объектов: чашка, обросшая мехом; стул, обитый торчащими гвоздями; человек, состоящий из множества ящичков… Это мир антиутопий – метафор абсурдного мира. Абсурдизм разоблачает несостоявшийся порыв человека к чему-то значимому, ценному, устойчивому.
Таким образом, в проблему смысла входит момент абсурда, но в эстетике смыслосообразности этот момент поглощен смыслообразом, растворен в нем. Абсурдность как художественный прием – это доведенное до предела состояние проблемности, напряженности, разорванности мира, это расколотость сознания, граничащая в жизни с безумием, это рискованное стремление увидеть жизнь на грани катастрофы. Данный художественный прием позволяет предельно заострить проблему, с тем чтобы в глубине ее отыскать высший смысл. В целостном художественном сознании эстетика абсурда уравновешивается поиском идеала, стремлением к возможному всеобщему диалогу «бытия, полного синтетически», как говорил Ф. Достоевский, где «все в лихорадочном состоянии и все как бы в синтезе».
Эстетика смыслосообразности содержит в себе предпосылки к моделированию мира в его смысловой перспективе, в состоянии разрешенного конфликта, смысловой целостности. Это – идеальный мир художественной концепции.
Если эстетике тождества свойственно обожествление реальности, то эстетике нетождества – обожествление личности художника как носителя индивидуальной, ни с чем не сопоставимой точки зрения на мир. И в том и в другом случае есть некий предел, выход за который чреват выпадением художника из искусства, а дизайнера – из условной проектной плоскости.
В такой гипертрофированной форме установка на самодостаточность художественной воли теряет смыслосообразность. Смыслосообразность
художественной воли может быть достигнута только в том случае, если сохраняется единство эстетической рефлексии, если художественная воля и свобода воображения сочетаются с восприятием реальности как она есть, с умением вжиться в нее, соединиться с ней.
Эстетика завершения. Это тип рефлексии, направленный на завершение содержания в форме. Если в эстетике тождества эстетически переживается
истина, в эстетике нетождества – смысл, то в эстетике завершения эстетически переживается красота – как способ художественного видения, как форма. Модусы Я и Ты – мир истины и мир смысла – входят в мир формы как ее содержание, эстетически созерцаемое и завершаемое по модусу Он, то есть с позиции вненаходимости.
Форма самоопределяется в отношении к содержанию как классическая и неклассическая, контрформа. Диалектика формы и контрформы в художественном процессе задана уже самим наличием «рамки», собирающей внутри себя содержание, и атакой на «рамку», размыкающей форму и рассеивающей содержание. Эта диалектика пронизывает художественный процесс, в каком бы измерении мы его ни рассматривали.
В динамике стилевых процессов граница стиля как встреча формы с контрформой играет важную роль. Недостаточная теоретическая осознанность феномена «границы» вынуждает исследователей прельщаться видимой частью айсберга, то есть устоявшимися, а не становящимися стилями, принимая проходящее за окончательное. Происходит разъятие непрерывного процесса художественного формообразования на стили, непременно сопровождающееся их идеологизацией.
Гипнотическое влияние функционализма длилось не одно десятилетие. В 80-е годы долетевшие до нас «брызги новой волны» (С. Серов) с поразительной легкостью качнули в противоположную сторону не только эстетический вкус, но и чувство свободы, якобы навсегда обретенной: казалось, постмодернизм – это новая эпоха, пришедшая навсегда, художественный процесс теперь может существовать внутри этого стиля, точнее – образа свободы и плюрализма стилей, а не вне их.
В нашей стране постмодернизм отождествился со стилем перестройки, а ушедший модернизм – с командно-административным стилем в хозяйствовании и политике. Казалось бы, при таком убедительном раскладе трудно рассчитывать на реабилитацию модернизма, функционализма, эстетики целесообразности. И что же? «Новый функционализм», «Второй модернизм», «Возрождающийся модернизм», «Молодые модернисты» – подобными заголовками запестрели страницы журналов. Уже постмодернизм стал материалом для пародирования у «новых модернистов».
На границе разрушения одного стиля и возникновения другого аргументы повторяются с удивительной закономерностью, затушевывая качественное различие пограничных художественных систем. И кто модернист, кто постмодернист – уже не разберешь.
Идеологизация стремится разъять художественный процесс на части и дать возможность идеологизированному субъекту выбрать позицию «свою» и позицию «врага». Но эстетика тождества противоположна эстетике нетождества не как одна идеология другой, а как женское начало противоположно мужскому в единстве жизни. Строясь на фетишизации какого-либо приема, натуралистически отождествленного с материальным носителем, идеологизация формы парализует эстетическую рефлексию и собственно художественный процесс. Тогда как эстетика формы завершает его до целостности и тем самым делает возможной саму процессуальность.
Никакая доктрина не гарантирует динамики художественно-проектной культуры, если эстетика завершения не выполняет своей функции. В эстетике завершения реализуется принцип художественного преодоления материала, завершения его в форме. На границе преодоления материала форма и встречается с контрформой. Граница оказывается динамическим равновесием. Разъятие этой диалектики уничтожает движение, убивает искусство.
В пространстве художественного космоса происходит встреча классической и неклассической эстетик и обе выигрывают. Супрематическая живопись К. Малевича стала классикой мирового искусства. Это уже не контрискусство, не «другое» искусство. Это форма, побежденная формой – напряженнейшей духовной работой эстетической рефлексии, завершающей домостроительство красоты. Красота приняла своего блудного сына и простила его. Но классическая форма тоже преобразилась, пройдя через игольное ушко «Черного квадрата». «Новый дизайн» снова обращается к Малевичу. Он преодолевает убийственную взаимную критику классической формы и неклассической контрформы, предметного и беспредметного, элитарного и массового, декоративного и функционального…
Итальянский авангардист Ф. Маринетти пророчествовал, что скандал, затеянный им, никогда не кончится: «Нам стукнет сорок, и тогда молодые и сильные пусть выбросят нас на свалку, как ненужную рухлядь». Сегодня неприемлемость художественного события уже не считается критерием его успеха. Авангард становится обычным делом, а хороший дизайн совсем не обязательно должен восхищать зрителя. Модернизму уже дважды сорок, а он – в музеях и книгах, которые сам же призывал потопить или подпалить. Авангард в обрамлении классической формы – как взаимное признание в любви: ирония истории и иронизирующая форма. Это постмодернизм, ищущий завершающую стилевую форму как ответ на недоумение модернизма, оказавшегося историей.
«Новая форма» – эстетическое созерцание любви классической и неклассической форм. Любовь же как предмет созерцания есть красота. Красотою творится форма, сопрягающая художественность и проектность в проектной культуре, – форма созерцания, постижения и проектирования мира в замысле о его совершенстве.
В проектной культуре красота становится действенной, а проектирование обретает в красоте высшую для себя меру. И динамика проектной культуры предстает как волнообразный художественный процесс, поочередно выводящий на гребень ту или другую эстетику, но в каждой «новой волне» слышны обертоны всех трех эстетик.
Журнал «Greatis», 1992, №2, С.66-77.

Согласно концепции трех эстетик, которую я разделяю и давно уже применяю в графическом дизайне, эстетическое развитие нашей профессии предстает как процесс актуализации-деактуализации культурно-исторических парадигм. Визуально парадигмы в графическом дизайне схватываются через образы пространства, в которых различаются прежде всего характер взаимоотношения «черного» и «белого» и сама структура пространства.

В типографике пространство классики в самом обобщенном виде запечатлевается с помощью образа «серебра». Типографическое «серебро» – это гармония «фигуры» и «фона», их взаиморастворение, равновесие, нюансный баланс «черного» и «белого», порождающий зрительное ощущение серого, серебристого тона. С точки зрения структуры пространства классика – это симметрия. Главной характеристикой классического пространства является центрально-осевая симметрия, организующая типографические композиции на протяжении нескольких веков.

Визуально-коммуникативный модернизм – это динамическое пространство контраста и ритма, функционально-структурированного порядка, унификации и комбинаторики, единства и борьбы противоположностей. В начале ХХ века классическая ось окончательно рухнула, и из ее обломков образовалась координатная система ортогональных осей – модульная сетка как главный инструмент управления графическим пространством. Ритмический тип композиции стал ведущим формообразующим фактором модульной типографики.

В разлетающемся, центробежном виртуально-средовом пространстве на первый план выходит значение фона, «пространства между», которое оказывается композиционной основой образных и стилевых решений. Мультимедийное пространство постмодернизма – живописное, многоосное пространство свободы.

С разными концепциями пространства связано и разные ощущения времени. Для столетий классики все лучшее ретроспективно, оно уже было в прошлом, в античности или в других «золотых веках»: «Старые мастера украли все наши лучшие идеи». Модернизм жил перспективой, светлым будущим: «Время вперед!». Дизайн устремлен в будущее по природе вещей, ведь «дизайн» как раз и означает – «план», «замысел». А по-латыни «проектус» и вовсе – «брошенный вперед». Постмодернизм останавливает мгновенье. Ценным становится то, что происходит сегодня, «он-лайн», здесь и сейчас: «Живи настоящим!».

Главным объектом-носителем эстетики в исторически огромный художественный период, названный «классикой», являлась книга, где в течение нескольких веков были отточены незыблемые «алмазные законы» и «золотые правила» профессиональной культуры. В визуально-коммуникативной парадигме книжная традиция получила продолжение и развитие в газетно-журнальном дизайне, но стилеобразующим жанром эпохи стали знаки. Собственно сами знаки, а также их упорядоченные комплексы – системы визуальной коммуникации и фирменные стили. Ценности постмодернистской эстетики воплощают экраны – телевизионные, компьютерные и других медиа.

Проблема дизайнерского искусства. Позиция автора в культуре постмодернизма.

Введение.

Корни постмодерна берут своё начало в поп-культуре и радикальных течениях дизайна. Само понятие «постмодерна» впервые упоминается в начале 70-х г.г. В художественном формообразовании постмодерн обратился в противовес монохромным, рациональным формам и догмам «современного движения», к декоративности, красочности, индивидуальности и образной семантике элементов, а часто и ироничности, цитировании исторических стилей. Архитекторами и художниками постмодерна использовались цитаты не только из прошлых стилей — классицизм, арт-деко, конструктивизм, но и из сюрреализма, китча, компьютерной графики. Подобные тенденции обуславливались «ностальгией по прошлому», разочарованием в искусстве современности. Золотой век виделся в прошлом как антипод современности. Как и большинство новых веяний постмодерн подвергся спорам, направленным на выяснения его стилевой самостоятельности.Объектом изучения представленной работы является развития дизайнера как творческой единицы в условиях культуры постмодерна.

Задачи:

уточнить определение понятия постмодернизма;
краткий исторический экскурс от модерна к постмодерну;
определить, что такое стиль.
Использование истории графическим дизайном в культуре постмодернизма.Мотивом является проблема развития авторского стиля у дизайнера графика в культуре постмодерна.

Глава 1.Постмодернизм. Определение и зарождение.

«Постмодернизм – понятие, используемое современной философской рефлексией для обозначения характерного, для культуры сегодняшнего дня, типа философствования, содержательно – аксиологически дистанцирующегося ни только от классической, но и от неклассической традиций конституирующего себя как пост – современная, то есть постнеклассическая философия» [Энциклопедия постмодернизма, 601] Термин «Постмодерн» встречается во многих направлениях, включая социологию, кинематограф музыку, сферы общения, литературу и культурную теорию, основателями которой стали Жан Бодрияр и Жан-Франсуа Лиотар. В своей книге «Влияние Постмодерна», 1984, Лайотард рассматривал Постмодернизм как отказ от абсолютной уверенности мира модернистского в пользу места и времени. Другие писатели, такие как марксист Фредерик Джеймсон, рассматривали Постмодернизм как форму американского культурного империализма или выражение многонационального и потребительского капитализма. Возможно, в соответствии с многообразным миром Постмодернизма этот термин применим ко многим областям.В области дизайна определения Постмодернизма сильно варьируются. Сначала это слово можно было найти в работе британского историка по дизайну и архитектуре Николауса Певснера, автора широко известной книги «Пионеры современного дизайна», 1949.

В 1961 г. в своем эссе «Возвращение к историзму» он рассматривает Постмодернизм с точки зрения нежелательной, но все более очевидной тенденции к стилистическому эклектизму. Это является одной из характеристик архитектуры и дизайна Постмодернизма.«

С 1939 по 1947 в работах Тойнби было конституировано содержания понятия постмодернизм как обозначающего современную (начиная от первой мировой войны) эпоху, радикально отличную от предшествующей эпохи модерна » [Энциклопедия постмодернизма, 601]Настроенные критически к пуризму «современного движения» поп-культура, различные течения радикального дизайна 60-х гг., широко поддержанные средствами массовой информации, находили все большее распространение. При этом в Германии продолжала вручаться премия «Хорошая форма» модернистским произведениям, тем самым продолжалась поддержка эстетических ценностей индустриального общества.Благодаря такому множеству эстетических течений в искусстве и дизайне у потребителя расширился вкус, формировалась многогранность восприятия, плюрализм эстетических взглядов: к существовавшему до этого единственному направлению «хороший дизайн» добавились стилевые течения.

В обществе конца 70-х – 80-х гг. сформировалось сложная социологическая структура, которую практически невозможно было четко разделить на средние, низшие и высшие сословия. Вкус и стиль в различных слоях населения был также многогранен. Этот плюрализм эстетических взглядов и мнений стал общественным феноменом 70-х, приведшем в итоге к возникновению нового художественного стиля, оппозиционного современному движению, получившего название постмодерн. Постмодерн разрушил постулат «форма следует за функцией» и перестал делить категорично дизайн на «плохой» и «хороший», «на хорошую форму» и «китч», на «высокую культуру» и «обыденную».В отличие от радикальных течений, постмодерн был менее политичным художественным направлением, а тем самым более успешным, и получил достаточно скоро международное признание.

Глава 2. Определение стиля.

«Стиль – исторически обусловленное эстетическое единство содержания и многообразных сторон художественной формы, раскрывающее содержание произведения». [Литературная энциклопедия, 687] «Проблема стиля остается сегодня одной из самых интересных и, тем не менее, не определенных в полной мере — так сложно и многогранно исследуемое явление. В самом деле, говорят о «стиле мышления» и «стиле жизни», отдельных культурно исторических и индивидуальных стилях, стилевых направлениях, стильности и стилистик, слово употребляют для характеристики творческого почерка отдельных авторов и специфических черт целых эпох. Кроме того, оно всякий раз указывает на какое-то особое качество предмета или продукта, то есть стиль представляет собой не только что, «но» и «как». [ Вещь. Форма. Стиль., 234 ]

Графический стиль в понимании автора – это совокупность приемов и средств для решения поставленной задачи. Ранние признаки появления такого явления, как “постмодернизм”, стали появляться в середине 1970-х, а в последние десятилетия оно быстро стало общей тенденцией. В графическом дизайне, это особенно проявилось в оформлении обложек к музыкальной продукции — пластинках, кассетах, компакт-дисках. Высокая степень мобильности, ориентирование на активные группы потребителей — все это стало широким полем для экспериментирования, хотя тенденция ни в коем случае не была ограничена только этой областью. Яркий пример можно привести проанализировав альбом вышедший в 1978, содержавший строгие синтетические мелодии и пульсирующие робототехнические ритмы, которые оказали длительное влияние на развитие танцевальных мелодий в 1980-х и резко отличались от музыки того времени. Пластинка получила название “Die Alensch-Maschine” (Человеко-машина).Дизайн обложки альбома напоминал типографику советского конструктивизма 1920-ых. Историческая ссылка была усилена при помощи использовании, в качестве главных, красного, черного и белого цветов. Та же самая композиция с диктующей диагональю и типографская манера набора использовались на обратной стороне конверта, на фоне различных геометрических фигур. Дизайн Карла Клефиша был вдохновлен работами авангардистского «конструктора» Л. Лиссицкого и был фактически его цитатой (читай заимствованием, но не пародией). Дизайнер и музыканты хотели подчеркнуть, что музыка должна быть понята как «авангардистская».«

Прежде, чем 1980-ые окончательно провозгласили победу именно этого стиля в искусстве и получили нелицеприятное определение как «эра грабежа» или «эра пародий», литературный критик Фредерик Джеймсон в 1983 подвел итог преобладающей культурной навязчивой идеи заимствований из прошлого: все стили и миры, которые могут быть изобретены авторами и художниками, уже были изобретены. После 70 или 80 лет классического модернизма наступил результат — истощение интеллектуальных ресурсов. «В мире, в котором стилистическое новшество больше невозможно, все что остается — подражать мертвым стилям, говорить через маски и с голосами стилей в воображаемом музее» [www.kak.ru]

В ходе последних десятилетий, особенно в Соединенных Штатах, использование «ретро-стилей» стало определяющим графический облик конца ХХ века. Ярким примером в данной области служат ранние работы Поли Шер. Ее хорошее знание и понимание исторических форм футуризма, конструктивизма, дадаизма, немецкого Bauhaus, Арт Деко и Арт Нуво, ее эклектичная способность повторно изобретать это и использовать в интересах своих клиентов сделала ее видной фигурой в дизайне. В 1984, после оставления компании CBS, Шер совместно с партнером Тэрри Коппелем организовала новую фирму, «Koppel & Sсher». Одним из первых проектов дуэта дизайнеров стала собственная рекламная брошюра, которая стала почти, что манифестом графических заимствований из прошлого. Назвав ее «Великие Начинания», Шер представила линии литературных открытий классиков типа «Фауста» Гете, «Метаморфоз» Кафки, «Волшебной горы» Томаса Манна в стилях исторических периодов, соответствующих текстам. Поля Шер и Терри Коппель. Брошюра “Великие Начинания”, разворот, 1984В нашей стране выбор более простого пути копирования стилей, заимствования идей был определен во многом отсутствием преемственности в графическом дизайне. Нельзя сказать, что это стало следствием низкого уровня дизайна в целом. Многие известные дизайнеры и художники с удовольствием погружались в стили давно минувших эпох. Черпая вдохновенье в прошлом, сами не замечая того, они скрывают свою творческую несостоятельность.

Проще взять готовый стиль ушедшей эпохи, немного приспособить его для насущных целей, и работа сделана. На память приходят всем известные клише при оформлении годовых отчетов и календарей — повсеместное использование стиля «ретро».

Использование истории в графическом дизайне. «В 1990-м, объявляя, что «Все искусство является воровством», Малколм Гарретт ввел новый термин «Ретривализм» (Retrievalism), чтобы описать свой метод работы. «Мы живем в ретривалистическом мире, где прошлое — безграничная яма, в которой можно бесконечно рыться. Изобретение — миф. Мы создаем новое, только отталкиваясь от использованного, что уже существует. Нет никаких новых цветов. Ретривализм лишь подтверждает состоявшееся прошлое, но не опирается на ностальгию. Мы должны при необходимости восстановить связь с прошлым, чтобы переизобрести будущее. Это — новый век футуризма» [www.kak.ru] Гарретт, кажется, соглашается с аргументом Джеймсона, что стилистическое новшество больше не возможно, и что все уже было изобретено, но все же он упорно утверждает, что современные перекомбинации старого могут все еще стать блоками здания подлинного культурного подъема.

Что происходит, когда с прошлым обращаются как с карьером, из которого по желанию может быть извлечен полезный визуальный материал? Происходит изменения значения, смысла, происходит подмена понятий, когда визуальные идеи с определенными целями применяются совершенно в новых контекстах. Малколм Гарретт. Конверт для альбома, 1979 На конференции по теме «Модернизм и Эклектицизм», состоявшейся в 1990 году в Нью-Йорке, Тибор Кальман прочел лекцию, одной из тем которой было использования истории в графическом дизайне, хорошем и плохом. «Пересмотренная впоследствии версия текста, написанного совместно с Дж. Миллером и Кэрри Джакобсом, была напечатана в журнале Print: «Дизайнеры злоупотребляют историей, когда они используют ее как сокращенный путь предоставления мгновенной закономерности в их работе и созданию коммерчески успешного продукта… Историческая ссылка, заимствования стилей, прямое копирования были и остаются дешевыми, но надежными подменами отсутствия идей». [www.kak.ru]

По мнению авторов статьи, это вид дизайна, кормящийся от модернизма, подобен паразиту. Цель такого графического дизайна — корысть, достижения в престиже, стиле, клиентах и вознаграждениях, при игнорировании его основной политики и философии.В качестве одного из примеров, Кальман, Миллер и Джакобс показали плакат Поли Шер, рекламирующий часы Swatch (1986), основанный на швейцарском туристическом плакате, разработанном еще в 1934 Гербертом Меттером. «Плакат Шер является ни пародией (он не имеет никакого очевидного сатирического намерения), ни подражанием в чистом виде (это — не полностью новое изображение в стиле Меттера). Это ближе в визуальном подходе к работам Сэвилла, но без попытки создать третью идею в образном пространстве между первоначальным изображением и предметом».[ww.kak.ru]
Герберт Меттер. Туристический плакат, 1934
Поля Шер. Рекламный плакат фирмы Swatch, 1986
Поля Шер берет главные элементы первоначального изображения Меттера, которое имело определенную экономическую цель — поощрение туризма — и детализирует для простой, но чуждой первоисточнику, цели — продажи швейцарских часов. Взгляд модели у Шер направлен на зрителя, а запястье — выставлено с явной целью — подчеркнуть часы, которые композиционно заменяют государственный герб Швейцарии. Слово “Swatch” (название часовой фирмы) набрано вдвое большим кеглем, чем “Suisse” (Швейцария) в первоначальном плакате. А так — никаких отличий! В общем, нет ничего особенного в данном прямом плагиате, просто оригинал едва ли мог воплотить глубокое революционное намерение Шер. С другой стороны эта работа так убедительно подтверждает предположение, высказанное Гарреттом, что прошлое является «безграничной ямой», доступной для современного дизайнера.Конечно, нет возражений против использования наследия прошлого в специальных проектах, посвященных историческим темам — плакаты, каталоги к выставкам, книги. Но считать использование любого исторического стиля справедливым на поле графического дизайна, несмотря на хорошие коммерческие результаты, удовлетворяющие заказчиков, становится все более и более проблематичным.

Порой рециркуляции идей приводит первоначальный замысел к чуждым ему результатам. В известном плакате Лиссицкого, красный клин-треугольник и статичный круг использовался для обозначения политических сил (красные и белые), своей прогрессивной визуальной формой подчеркивался прогрессивный политический момент. Графический дизайн Гарретта в обложке альбома The Buzzcocks обращается с подобными мотивами как с элегантной упаковкой изделия, которое извлекает прибыль из исторической ассоциации с радикальным моментом, без того, чтобы представить что-нибудь новое.Ностальгия и бизнес.

Вообще, в 1990-е годы многие коммерческие предприятия развернули прошлое лицом к потребителю — ностальгия стала определяющим чувством при выборе, чтобы вызвать положительные эмоции у потребителей. В дело могут пойти совершенно забытые жанры. Например, журнальные вырезки с пикантными иллюстрациями, так называемые «пин-ап», имели огромную популярность в Америке 1920–1970-х. Бытовой контекст положений, в которых были застигнуты красотки, только подстегивал воображение зрителя. На волне этой популярности сюжеты «пин-ап» были задействованы ведущими рекламными агентствами и компаниями в послевоенные годы. Coca-Cola, Kodak, General Motors охотно использовали «пин-ап» для своих рекламных кампаний, которые продолжались иногда по несколько сезонов. В конце ХХ века эстафета была подхвачена: тот же щекотливый сюжет, те же цели, но уже не 1950-е, а начало 2000-х. Уже канули в лету причины создания «пин-ап», изначально предназначенные для увеличения тиражей журналов. Забыты блестящие работы художников и иллюстраторов. Но остаются ностальгические воспоминания, и они могут эксплуатироваться ради извлечение прибыли.Джойс Баллантайн. Пин-ап, 1954 И в названиях своего бизнеса коммерсанты тянутся в прошлое. Крупная европейская сеть магазинов товаров для дома назвалась Bauhaus. Только не стоит искать аналогий с известной немецкой школой дизайна 1920–1930-х. Зато в идеях относительно рекламирования эта компания недостатка не имеет. СССР, ГДР, 1 Мая, Сталинград — когда брэндами становятся такие названия, начинаешь понимать роль ностальгии в бизнесе. «

В 1982, когда Невил Броуди был дизайнером журнала The Face, ему пришлось оформлять разворот с материалом о Kraft werk в стиле, который ссылался и на обложку «Die Alensch-Maschine», и на ее графическое происхождение в работе Лиссицкого. Это был период, в котором честолюбивые молодые дизайнеры постоянно использовали достижения пионеров модернизма первой половина столетия. Броуди был осторожен, однако проводил различия между просто копированием работ дадаистов или конструктивистов и впитыванием уроков мастерства их примеров. «Я смотрел на это и пробовал оценивать ядро идеи: что делалось, и почему. Что я брал от этого — ощущение динамизма, ощущение гуманизма и непринятия, традиционных правил и ценностей.»[www.kak.ru] Невил Броуди. Разворот журнала The Face, 1982.Все дизайнеры, и коммерчески успешные, и с авангардистским стремлением “сделать старое новым”, оглядываются назад со смесью зависти и ностальгии по эпохе модернизма, когда новые изобретения, казалось, просто лились от рисунка и набора.

Если рассматривать стиль как единство общего и индивидуального, то в культуре постмодерна, дизайнеров придерживающихся этого принципа очень не много, среди дизайнеров графиков часто находятся смело подражающие, цитирующие, но редко можно встретить дизайнера обратившегося к истории «больших стилей» и несущего свою идею, гармонично синтезирующего ретро стиль и современную проблематику. Как это ни парадоксально, пришествие цифровых технологий только подтвердило напряжение «ретривализма» среди дизайнеров, поскольку профессия начала искать ответ на вопрос: стал ли компьютер просто удобным инструментом производства или открыл новое пространство для новой графической действительности? Поиски еще продолжаются…

Заключение.

Постмодернизм — не «жанр», не «стиль» и, тем более, не «школа», к которой можно «принадлежать». Постмодернизм — это ситуация. Своего рода культурное «бытие», которое действительно «определяет сознание». По крайней мере, сознание художника, помещенного в ситуацию постмодернизма. Поэтому, рассуждая о постмодернизме, следует иметь в виду, что речь идет не о «жанровых канонах» и не об «особенностях стиля», а о некоторых аспектах творческого поведения.В культуре постмодернизма не существует единого всеобъемлющего стиля.

Для культуры постмодерна стиль – это авторский почерк дизайнера, это то, что вырабатывается, опираясь на опыт и историю культуры, не боится экспериментов и обращения к прошлым векам. Все дизайнеры, и коммерчески успешные, и с авангардистским стремлением “сделать старое новым”, оглядываются назад со смесью зависти и ностальгии по эпохе модернизма, когда новые изобретения, казалось, просто лились от рисунка и набора.

Как это ни парадоксально, пришествие цифровых технологий только подтвердило напряжение «ретривализма» среди дизайнеров, поскольку профессия начала искать ответ на вопрос: стал ли компьютер просто удобным инструментом производства или открыл новое пространство для новой графической действительности? Поиски еще продолжаются…

Литература:

Быстрова Т.Ю. Вещь. Форма. Стиль., Екатеринбург: Издательство Уральского университета,2001г., 288с.;
Власов В., Авангардизм. Модернизм. Постмодернизм., Санкт-Петербург: Азбука-классика, 2005 г., 320с.;
Ильин И.П. Постмодернизм от истоков до конца столетия: эволюция научного мифа. М.: Интрада, 1998.;
Энциклопедия постмодернизма, М.,1998г., 684с.;
http://kak.ru

Преподаватели

Абдрахимова Наталья Сергеевна

E-mail: [email protected]

Институт: институт строительства

Кафедра: железобетонные и каменные конструкции

Телефон: 89673718858

Ученая степень: кандидат технических наук

Абдрахманова Лилия Виловна

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Коррупция и борьба с ней», «Социология и политология»

Институт: институт строительных технологий и инженерно-экологических систем

Кафедра: профессиональное обучение, педагогика и социология

Телефон: +7 (843) 526-93-19

Ученая степень: кандидат социологических наук

Ученое звание: доцент

Абдрахманова Ляйля Абдулловна

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Полимерные композиционные материалы», «Технология теплоизоляционных и акустических материалов», «Основные принципы и способы модификации строительных материалов», «Исследование строительных материалов на основе органического сырья»

Институт: институт строительных технологий и инженерно-экологических систем

Кафедра: технология строительных материалов, изделий и конструкций

Телефон: +7 (843) 510-47-32

Ученая степень: доктор технических наук

Ученое звание: профессор

Абдуханова Наталья Геннадьевна

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Экономика строительства», «Сметное нормирование в системе сметных нормативов», «Ценообразование в строительстве», «Девелопмент недвижимости», «Организация строительства и реконструкция в условиях сложившейся застройки»

Институт: институт экономики и управления в строительстве

Кафедра: экспертиза и управление недвижимостью

Телефон: +7 (843) 510-46-85

Ученая степень: кандидат экономических наук

Абитов Рунар Назилович

E-mail: [email protected], [email protected]

Дисциплины: «Водоотведение и очистка сточных вод», «Эксплуатация систем водоснабжения и водоотведения», «Водоснабжение и водоотведение», «Санитарная и коммунальная гигиена систем водоснабжения и водоотведения»

Институт: институт строительных технологий и инженерно-экологических систем

Кафедра: водоснабжение и водоотведение

Телефон: +7 (843) 510-46-97

Ученая степень: кандидат педагогических наук

Ученое звание: доцент

Абитов Руслан Назилович

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Иностранный язык», «Деловой иностранный язык»

Институт: институт экономики и управления в строительстве

Кафедра: иностранные языки

Телефон: +79377753314

Ученая степень: кандидат педагогических наук

Абрамкин Станислав Александрович

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Основы логистики», «Финансы и кредит», «Бухгалтерский учет», «Правоведение (основы законодательства в строительстве)», «Документирование управленческой деятельности», «Финансы, денежное обращение и ипотека», «Транспортная логистика», «Управление персоналом», «Экономика и менеджмент в дорожно-строительной отрасли»

Институт: институт транспортных сооружений

Кафедра: дорожно-строительные машины

Телефон: 8 919 682 56 63

Ученая степень: кандидат экономических наук

Абрамова Наталья Николаевна

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Основы архитектурного проектирования», «Обмерная практика», «Основы архитектурно композиционного моделирования»

Институт: институт архитектуры и дизайна

Кафедра: реконструкция, реставрация архитектурного наследия и основ архитектуры

Телефон: 89172890080

Ажимова Лилия Ирековна

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Финансы и кредит», «Экономическая оценка инвестиций», «Экономика строительства мостов и тоннелей», «Маркетинг», «Управление инновациями»

Институт: институт экономики и управления в строительстве

Кафедра: экономика и предпринимательство в строительстве

Ученая степень: кандидат экономических наук

Аитов Рамиль Равилевич

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Композиционное моделирование», «Архитектурное проектирование», «Архитектурная колористика»

Институт: институт архитектуры и дизайна

Кафедра: реконструкция, реставрация архитектурного наследия и основ архитектуры

Телефон: +7 (843) 226-92-37

Ученая степень: кандидат архитектуры

Ученое звание: профессор

Айдаров Равиль Сайярович

Дисциплины: «Академическая живопись», «Академический рисунок», «Рисунок», «Живопись», «Живописная практика»

Институт: институт архитектуры и дизайна

Кафедра: графическое моделирование

Телефон: (843)510-47-06

Ученая степень: кандидат архитектуры

Ученое звание: доцент

Айдарова Галина Николаевна

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Архитектурно-концептуальное проектирование», «Архитектурная культура Среднего Поволжья», «Методология подготовки и оформления кандидатских диссертаций (архитектурные науки)», «Современная архитектура России и зарубежных стран»

Институт: институт архитектуры и дизайна

Кафедра: теория и практика архитектуры

Телефон: +7 (843) 510-47-94

Ученая степень: доктор архитектуры

Ученое звание: профессор

Аксенова Ирина Александровна

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Архитектурная графика и макетирование», «Архитектурная колористика», «Архитектурная композиция», «Архитектурное реконструкционно-реставрационное проектирование», «Архитектурное проектирование»

Институт: институт архитектуры и дизайна

Кафедра: реконструкция, реставрация архитектурного наследия и основ архитектуры

Телефон: +79033076140

Амельченко Максим Олегович

Дисциплины: «Полимерные и композиционные материалы в строительстве», «Методы и приборы контроля окружающей среды и экологический мониторинг», «Химия», «Радиационная безопасность», «Техника и технология переработки и утилизации отходов»

Институт: институт строительных технологий и инженерно-экологических систем

Кафедра: химия и инженерная экология в строительстве

Ученая степень: кандидат технических наук

Андреева Светлана Александровна

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Безопасность жизнедеятельности», «Правоведение (основы законодательства в строительстве)», «Правоведение», «Правоведение. Основы законодательства в строительстве»

Институт: институт строительства

Кафедра: технологии строительного производства

Телефон: 5104694

Ученая степень: кандидат технических наук

Антаков Алексей Борисович

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Железобетонные и каменные конструкции (общий курс)»

Институт: институт строительства

Кафедра: железобетонные и каменные конструкции

Телефон: 8-9033-40-84-41

Ученая степень: кандидат технических наук

Антаков Игорь Андреевич

E-mail: [email protected]

Институт: институт строительства

Кафедра: железобетонные и каменные конструкции

Телефон: +7 (843) 510-47-05

Антонов Анатолий Сергеевич

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Металлические конструкции, включая сварку», «Конструкции из дерева и пластмасс», «Компьютерные методы расчета строительных конструкций»

Институт: институт строительства

Кафедра: металлические конструкции и испытание сооружений

Телефон: 89520326899

Антонова Ильвира Илгизовна

Институт: институт строительных технологий и инженерно-экологических систем

Кафедра: химия и инженерная экология в строительстве

Арасланов Шамиль Фатыхович

E-mail: [email protected]

Дисциплины: «Математика», «Дополнительные главы математики»

Институт: институт транспортных сооружений

Кафедра: высшая математика

Телефон: +7 (917)238-67-29

Ученая степень: кандидат физико-математических наук

Ученое звание: доцент

Модерн Графический дизайн — Оптима

Модернизм — один из краеугольных камней компании Optima; он информирует обо всем, от наших проектов до наших методологий. И хотя об этом движении часто говорят в связи с архитектурой, искусством, скульптурой и дизайном интерьеров, модернизм также оказал значительное влияние на графическое искусство. Сегодня мы погрузимся в модернистский графический дизайн и его влияние на визуальные коммуникации.

Изменения в Вене

К концу XIX века художники устали от традиционных консервативных форм искусства.В Вене группа художников во главе с Густавом Климтом назвала себя Венским Сецессионом и откололась от художественных институтов столицы Австрии в то время. Группа исследовала неизведанную территорию по форме, составу и выражению, вызвав аналогичные эксперименты в других соседних странах, таких как Франция и Германия. Богатые мазки и реализм воплотились в однотонную цветную и стилистическую типографику, выражения, которые проложат путь для графического искусства.

Плакат о вербовке в армию, разработанный Джеймсом Монтгомери Флэггом, 1917 г.

Мир на войне

Когда началась Первая мировая война, графический дизайн уже использовался в коммерческих, корпоративных и эстетических целях.Его новая роль будет политической, она будет использоваться в плакатах и пропаганде во время войны. Достижения в массовой цветной печати позволили эффективно создавать сообщения для сбора средств, поощрения вербовки и повышения морального духа. Беспорядки и проблемы, с которыми столкнулись обе мировые войны, в конечном итоге вдохновили первую волну настоящего модернизма в графическом дизайне.

Плакат, разработанный Гербертом Байером, 1930

Современные эксперименты

По всей Европе и в Америке графические дизайнеры черпали вдохновение из более широких художественных течений, таких как кубизм, футуризм, де Стихиль и сюрреализм.В Германии движение Баухаус также оказало значительное влияние на графический дизайн; толстые линии, основные цвета и искажающее белое пространство были столь же поразительны в 2-D формате, как и в архитектуре или скульптуре. В конце концов, модернистский дизайн был определен абстрактным выражением, жирным шрифтом и основными цветами и формами. Эти дизайнеры подошли к работе объективно, подчеркнув рациональное перед выразительным (и подчеркнув классическое модернистское убеждение, что форма следует за функцией).

Когда нацисты пришли к власти в 1930-х годах, модернистские эксперименты во всех сферах деятельности были осуждены, и многие художники, архитекторы и дизайнеры иммигрировали в Соединенные Штаты.Хотя модернистский дизайн был нарушен в своем росте, он остается одним из самых влиятельных движений в истории графического дизайна. Даже на нашем собственном веб-сайте есть элементы модернистского дизайна с асимметрией, основными цветами и жирной типографикой. Каждый аспект модернизма вдохновляет то, что мы делаем, от архитектуры и скульптуры до графики.

Стиль дизайна: модерн середины века для графических дизайнеров | от Envato | Envato

Автор: Маргарет Пенни

«Вы не можете критиковать геометрию, она никогда не ошибается.”
— Пол Рэнд

Модерн середины века переживает возрождение в области графического дизайна. Вы можете увидеть это в проектах, которые следуют, в частности, школе «плоского дизайна», потому что графический стиль середины века имеет похожие визуальные характеристики, такие как смелые простые геометрические формы, чистые линии и яркие контрастные цветовые палитры.

Современный графический дизайн середины века известен своей способностью преобразовывать сложные концепции в простые визуальные формы. Он сокращает дизайн до самых важных элементов и, таким образом, способствует четкой визуальной коммуникации.По этой причине он остается фаворитом многих графических дизайнеров, поскольку он является воплощением «графика» с его смелым и лаконичным визуальным стилем.

Современный дизайн зародился в середине-конце 30-х годов и был преобладающей эстетикой дизайна в архитектуре, декоре, мебели и дизайне продукции до середины 1960-х годов. Ключевые характеристики стиля дизайна можно изучить через цвет, форму, типографику и использование пространства.

Современные цвета середины века отчетливы и узнаваемы.Палитра имеет тенденцию переходить от светлых, ярких и ярких к теплым, насыщенным и землистым. Лепестковый розовый, солнечный желтый, мята, фуксия, бирюза, золото, тыква, перец и оливковый — все это основные направления.

Чтобы понять, как цвет используется в дизайне середины века, давайте взглянем на работы Люсьен Дэй. Выкройки и иллюстрации Люсьен Дэй устанавливают стандарты эстетики середины века. Будучи плодовитым и разносторонним дизайнером, она стала пионером послевоенного возрождения дизайна и создала обои, керамику, ковры и шелковую мозаику.

В дизайне Day’s Sunrise мы видим использование золота, тыквы и розового лепестка на кремовом фоне. Палитра кажется сложной, и японское влияние на дизайн середины века также очевидно.

Чтобы увидеть палитру середины века в более ярком стиле, давайте взглянем на этот замечательный релиз Poetry & Jazz, который включает работы Уолта Уитмена и Лэнгстона Хьюза и содержит музыку Джерри Маллигана и Чико Гамильтона.

Невозможно обсуждать современные цвета середины века без работ современного мастера-колориста Йозефа Альберса.Если есть одна книга о цвете, которую вы должны прочитать о цвете, то это эта книга.

В приведенных выше примерах мы также видим, какие цвета использовались в дизайне середины века, а также то, как простые геометрические формы доминируют в этом стиле. Треугольников, прямоугольников, квадратов, кругов и прямых линий предостаточно.

В дизайне обложки книги «Бизнес и общество» Рудофа де Харака формы изобилуют, а также накладываются друг на друга, что также характерно для модерна середины века.

В этой обложке геометрические формы используются для всех фигур человека и лошади.Иллюстрации выглядят почти как танграммы.

Для более детализированных иллюстраций используются абстрактные формы с гладкими изогнутыми краями, как эта милая сова, созданная Люсьен Дэй. Видите, как детали используются только для ресниц и когтей совы?

В частности, если в абстрактном дизайне середины века есть только одна деталь на лице, она обычно предназначена для зрачка глаза, как в этих примерах.

Современная типографика середины века определяется движением школы Баухаус в Чикаго в 1937 году и швейцарским стилем, который появился в Швейцарии в 1950-х годах.Типографский стиль Баухауса чистый, без излишеств, минимализм. Адриан Фрутигер и его гарнитуры Univers и Frutiger представляют собой окончательный современный шрифтовой дизайн. Швейцарская школа также популяризировала утилитарный шрифт без засечек.

Типографика, используемая в дизайне середины века, как правило, чистая, без засечек и в основном геометрическая, однако также использовались некоторые плоские засечки и жирные шрифты.

Пол Рэнд, культовый дизайнер и писатель-дизайнер, взял принципы современного дизайна и популяризировал их в рекламе и дизайне логотипов, создав отличные типографские работы.

Логотип Пола Рэнда для ABC — прекрасный пример логотипа середины века. Стиль шрифта — без засечек, геометрический, он заключен в простой круг.

Типографика в дизайне середины века также могла быть экспериментальной и использовать вырезы или играть с положительным и отрицательным пространством, чтобы создать своего рода визуальный динамизм.

Пол Рэнд использовал буквы как формы, а также положительное и отрицательное пространство, чтобы создать этот иллюстративный дизайн своего собственного имени.

Сол Басс использовал шрифт, вырезанный вручную, в своем дизайне середины века для кино.Грубый шрифт на негативе хорошо сочетается с грубыми вырезанными формами на этом плакате «Анатомия убийства».

На обложке этого альбома слово «Вибрации» нарезано таким образом, что кажется, будто оно действительно движется, вибрирует.

Белое пространство, негативное и позитивное пространство — отличительные черты графического дизайна середины века.

Если формы в дизайне казались разбросанными по монтажной области, это был современный подход. Случайные, почти случайные макеты придали дизайну импровизационную энергию и движение, что также нашло отражение в музыке того времени, джазе.

Прямоугольники танцуют прямо на обложке этого альбома Tenors West, поскольку в дизайн добавлено больше белого пространства.

Provocative Percussion, созданный колористом Йозефом Альберсом, обладает большим движением и энергией и граничит с визуальным хаосом.

В дизайне обложки этой книги пространство и расположение используются для рассказа истории. Судя по тому, как расположены эти более мелкие точки, похоже, что у этого большого круга есть начало скопления толпы.

В дизайне обложки книги по психологии Рудольфа де Харака для МакГроу Хилла он демонстрирует, как расположение плюс положительное и отрицательное пространство можно использовать для демонстрации отношений.

Тонкая игра пространства, линий, формы и цвета для демонстрации индивидуальности и личности — это гениально. Harak, лидер дизайна середины века, умел выражать большие идеи с помощью простых форм. Как плодовитый дизайнер, он создавал обложки для книг, обложки альбомов, продукты и художественные инсталляции, а также был влиятельным педагогом в области дизайна.

Если у вас есть дизайн-проект, который является концептуально сложным или содержит много информации, которую нужно включить, использование эстетики современного дизайна середины века может быть хорошим направлением.

Вы можете увидеть влияние дизайна середины века на Envato, в частности, в дизайне печати, шрифтов и рисунков. Чтобы увидеть, как применяется эстетика дизайна середины века, взгляните на эти проекты.

Если вы ищете современный дисплей с искусным внешним видом, обратите внимание на шрифт Argon.

Lorano — прекрасный выбор для получения чистого, сбалансированного шрифта с заглавными буквами.

Для современного шрифта, который можно использовать в различных приложениях, отличным выбором являются Arkibel, Fibon Sans и Gilroy.

Чувствуете вдохновение? Чтобы узнать больше об этом влиятельном стиле дизайна, воспользуйтесь списком дизайнеров.

Люсьен Дэй
Сип Пинелес
Пол Рэнд
Сол Басс
Рудольф де Харак
Херб Любалин
Брэдбери Томпсон
Лестер Кьюлл
Антонио Гарсиа
Лестер Кьюл
Дик Бруна

1.8 Постмодерн — Основы графического дизайна и полиграфической продукции

Алекс Хасс

К началу 1970-х идеалистические принципы модернизма угасли и стали казаться плоскими и безжизненными.Плюрализм снова возник, поскольку люди жаждали разнообразия как реакции на редукционистские качества, которые поддерживал модернизм.

В конце 1970-х годов в Великобритании, Австралии и некоторых частях Соединенных Штатов против истеблишмента поднялась молодежная бунтарская культура гнева и неприязни. Во многих отношениях язык дизайна панка перекликался с дадаистским стилем, хотя панк был закреплен заостренным политическим посланием против тирании общества и лишения молодежи гражданских прав. Его отличительными чертами были агрессивные коллажи, цвета и экспериментальная фотография.Эти произвольные, спонтанные дизайнерские работы включали в себя содержательные строки тегов и кипели гневом, которого никогда не пытались достичь Dada. Панк активно отходил от конформности дизайна и был антипатриотичным и антиистеблишментным. Панк утвердил идеал «сделай сам» (DIY) и стилизовал его под гневные настроения против истеблишмента середины 1970-х годов, времени политических и социальных потрясений. Стиль DIY считался шокирующим и неконтролируемым. Однако влияние на дизайн было далеко идущим и впоследствии широко имитировалось.

Джейми Рид, пионер стиля панк, разработал визуальную подпись для Sex Pistols и многих других панк-групп. Его личный стиль подписи был известен благодаря типографике с коллажами «записка о выкупе», которая стала самостоятельным типографским стилем. Рид вырезал буквы из газет и журналов и собирал их вместе, чтобы сфотографировать. Делая это, он мог видеть, что создает, по ходу дела, пробуя разные стили и размеры шрифтов и мгновенно видя результаты.Отношение к шрифту как к фотографии также освободило его от ограничений набора текста в структурированной сетке и позволило ему развивать свои идеи и концепции по мере их создания. Этот неуправляемый, свободный от процессов подход к дизайну стал частью будущих экспериментов постмодерна.

Когда панк впервые взорвался в 1970-х, это считалось юношеским бунтом. На самом деле, это была одна из многих форм визуального выражения, проявившихся как часть постмодернистского движения, начавшегося как реакция на жесткие ограничения модернизма.

Ранний швейцарский постмодерн дизайн был основан на экспериментах и учениях Вольфганга Вайнгарта, который преподавал в Базельской школе дизайна в Базеле, Швейцария. Вайнгарт обучался ИТС у мастеров стиля Эмиля Рудера и Армина Хофманна в Базельской школе. Но когда он стал там инструктором, он усомнился в «ценности абсолютной чистоты и порядка» (Meggs & Purvis, 2011, стр. 465) этого стиля. Он энергично экспериментировал с нарушением всех типографских и организационных правил, чтобы увидеть, как это повлияет на аудиторию.Он наполнил типографику энергией и, в свою очередь, изменил реакцию зрителя на визуальную информацию. Вместо простого быстрого чтения читатель теперь столкнулся с динамической сложностью, свободной от каких-либо правил или иерархий. Теперь зритель был вынужден проводить больше времени с предметом дизайна, чтобы понять его послание и проанализировать значение его символики.

Одна из его американских учениц, Эйприл Грейман, принесла с собой этот новый язык дизайна в Калифорнию и сильно повлияла на тамошнюю молодежную культуру.Дэвид Карсон, дизайнер-самоучка, работающий в мире журналов о серфинге, взял идеи этого стиля и применил их в своих типографских экспериментах в создаваемых им журналах по серфингу. Для Карсона дизайн Post Modern отражал свободный дух серф-сообщества.

Постмодернизм на самом деле является общим термином для многих визуальных стилей, появившихся после 1980-х годов. Их объединяет их реакция на руководящие принципы модернизма, особенно на принцип объективности. Ключевой особенностью постмодернистского дизайна является субъективная предвзятость и индивидуальный стиль дизайнеров, которые его практикуют.Дополнительные определяющие стилистические характеристики можно обобщить в идее «разрушения». Стиль часто включает в себя множество различных гарнитур, нарушающих все традиционные правила иерархии и композиции. Визуальная организация становится более разнообразной и сложной с использованием слоев и наложений. Использование присвоения имиджа и подавления культуры — ключевая особенность. Еще одна общая черта — драматические макеты, не соответствующие традиционным композициям. Традиционная сетка не используется для организации расположения элементов, что делает композицию «свободной».’Другие организационные системы для разработанных элементов — осевые, дилатационные, модульные и переходные — создали новый способ организации информации. Комбинация нескольких геометрических форм, наложенных на фотографии, создавала глубину, которая хорошо смотрелась на мониторе компьютера, который теперь является компонентом современного общества.

Постмодернизм все еще используется сегодня, хотя и выборочно. Хаос, созданный нашими технологическими достижениями, необходимо уравновесить с легкостью доступа к информации.Бренд Apple является хорошим примером современного подхода к дизайну, который кажется свежим и актуальным, при этом предоставляя огромное количество информации ясным и простым способом. Постмодернистские методы встроенной визуальной сложности менее приветствуются в нашей культуре, насыщенной данными.

Эстетика прошлого реагирует на современные цифровые потрясения: экстраординарные тенденции графического дизайна | Дана Качан | Музли

Эстетика прошлого в настоящем. Под неизбежным влиянием современных цифровых тенденций и технологий он претерпел изменения, приобрел несколько иную форму и вошел в цифровую эпоху как своего рода инновация. Логотип Clay Vaporwave от Clay

Тенденции графического дизайна обычно отражают то, что люди испытали в последнее время. В этом году они многое пережили. Естественно, графический дизайн впитал эти изменения и породил новые стили или вернул к жизни некоторые тенденции старой школы. Здесь вы можете познакомиться с несколькими направлениями графического дизайна, которые появились много лет назад и возродились сегодня.

Мы можем вспомнить психологические расстройства из старых американских фильмов о хиппи, психоделической музыке и рекреационных наркотиках.Это похоже на вспышку ярких красок, причудливых форм и психоделических мотивов. Этот стиль веселый, игривый и завораживающий. Иногда Psy-Out бывает немного мрачным, вдохновленным эстетикой Dark Americana.

В этом году тенденция возвращается, приобретая более футуристические формы и часто ссылаясь на киборгов, изменение климата, устойчивость и автоматизацию. Контркультура 70-х становится просто еще одним кусочком пирога современного графического дизайна. Фантастические сцены психологического аута, часто изображающие путешествия, полеты, космическое пространство и творческие пейзажи, становятся еще более актуальными в этом году, когда многие люди остаются дома во время изоляции.Этот стиль пробуждает воображение и переключает разум в режим фантазии. Рекламный проспект

Priests Show от Эвана Вачовски Vertigo — Hitchcock от Мани Бхарати RaviHello World от Аслана Альмухамбетова для Fireart Studio

Vaporwave — еще одна ретро-тенденция, трансформированная в стиль, который соответствует сегодняшней реальности и социальному настроению. Изначально он появился как ответ на мощные экономические и социальные потоки 2010 года, которые актуальны и сегодня: глобализация, безудержное консьюмеризм и ностальгия. Визуальные эффекты Vaporwave легко узнаваемы благодаря особой цветовой палитре, которая яркая, смелая, с неоновыми огнями и металлическими бликами, но более мягкая, чем у киберпанка.В нем также присутствуют фантастические пейзажи, сладость, элементы эпохи Возрождения (в частности, скульптуры) и отсылки к реальности старой школы в Интернете.

У Vaporwave есть чувство юмора. Его фантастические сочетания объектов, цветов и типографики иногда могут иметь легкую саркастическую атмосферу. Игривая графика, пастельные тона, пиксельная графика и цифровые наклейки — все это тоже про паровую волну.

Корректировки от PanopliedReArt — Vaporwave от Алисы Нанни3d взаимодействия при наведении от Энди Селимова для Fireart Studio

Баухаус — это школа дизайна, архитектуры и искусства, существовавшая в Германии с 1919 по 1933 год.Он родился как реакция дизайнеров на индустриализацию своего дизайна и произведений искусства. В то время они начали создавать противоречивое искусство, сосредоточенное на самовыражении и построении вещей самостоятельно, независимо от системы. Школа была закрыта по требованию нацистского режима.

Современный Баухаус отличается четкими геометрическими композициями, драматическими цветовыми сочетаниями, смелой палитрой и преобладанием красного, желтого, черного и синего цветов. Стиль претерпел некоторые изменения, такие как включение 3D, цифрового искусства и анимации.Эти инновации вернули Баухаус в цифровое будущее.

Постеры Баухауза 100 от Аттилы Канто Кроссовки с ограничением 2.0 от Ephus 101 год Баухауза | UI # 002 от Дэна К.

В этом году мы также являемся свидетелями взрыва из прошлого в виде традиционного ретро во всех его прекрасных проявлениях, таких как ограниченная и приглушенная цветовая палитра, рукописные надписи, олдскульная мода, устаревшие технологии, бесшовные композиции, упрощенные иллюстрации, ретро-текстуры и так далее. Мы можем часто видеть использование творческих пейзажей из олдскульных игр, мультфильмов и фильмов в графическом дизайне.

Ретро-типографика занимает особое место под солнцем в эпоху цифровых технологий. Сохраняя прежнюю форму и цветовые сочетания, он начал «говорить» о вещах, которые относятся к сегодняшним социальным и экономическим проблемам и движениям. Лозунги и девизы, такие как «черная жизнь имеет значение», пропитанные глубоким символизмом и контекстом, все чаще включаются в современное цифровое искусство.

Мастер катастрофы, Магда для Fireart Studio Black Lives Matter, Роберлан Борхес Парески Иллюстрация 🧙‍♂️Патрика Войцеховича для Fireart Studio

Эстетика прошлого не забыта, она не осталась далеко в прошлом.Это здесь, и это сегодня. Здесь я собрал несколько стилей и тенденций, родившихся много лет назад и быстро вернувшихся сегодня. После некоторых преобразований, произошедших под влиянием цифровой эпохи, они возродились и стали свежим ветерком в современном онлайн-мире.

Традиционный графический дизайн в сравнении с цифровым графическим дизайном

Теперь вместо массовой аудитории, потребляющей медиа из одного источника, у нас есть несколько источников, несколько каналов и несколько аудиторий.Каждый участник потенциально является как отправителем, так и получателем информации, и препятствием для входа является уже не состояние, необходимое для создания телестанции или газеты, а цена ПК и подключения к Интернету. Большая часть современной политической графики, в частности, разработана с расчетом на Интернет… с постоянным ростом широкополосного доступа можно создать полноцветный плакат в виде цифрового файла, достаточно маленького для отправки по электронной почте или для загрузки с созданного веб-сайта. для этой цели и распечатываются получателем в необходимом количестве копий или просто передаются в цифровом виде.»
— Колин Мур,
Пропагандистские эстампы: история искусства на службе социальных и политических изменений, A + C Books, Лондон, 2011

С ростом доступности и проникновения цифровых медиа все большее число графических дизайнеров отказываются от традиционных студийных медиа — старых добрых перо, чернил и бумаги — в пользу компьютерного дизайна, используя программное обеспечение для графического дизайна и различные настольные приложения, такие как Photoshop. , Illustrator и т. Д. Храня свои портфолио в облаках, которые дают им возможность синхронизации файлов, эти дизайнеры могут легко получить доступ к своим художественным портфолио, которые затем можно отправить клиентам или поделиться с другими участниками проекта.

Программы цифрового дизайна позволяют художникам публиковать свои портфолио на собственных сайтах. Цифровые носители работают быстрее и предоставляют дизайнерам невероятные возможности и гибкость, позволяя мгновенно перерисовывать, перекомпоновывать или масштабировать свои работы, изменять их цветовые схемы и добавлять различные визуальные эффекты. Однако эти программы не могут предложить художественную чувствительность и дизайнерское творчество. Например, если поискать в Google изображения по «цифровому графическому дизайну», можно увидеть множество примеров холодных и безвкусных цифровых иллюстраций со всевозможными цифровыми хитростями, но без каких-либо художественных достоинств.Это можно сравнить с дизайном прошлых времен, когда искусство и наука еще не расходились, а документирование визуального мира все еще было решающей ролью художника, когда художники-естественники и опытные полиграфисты создавали произведения, которые источали потрясающие художественные характеристики.

Многие экспериментальные и новаторские сторонники компьютерного дизайна утверждают, что цифровые средства массовой информации должны вытеснить традиционные методы графического дизайна, а дизайнеры должны отказаться от своих проверенных временем средств массовой информации; такие как графитовые карандаши, тонкие карандаши и студийные маркеры, аэрографы, наборы компасов, линейки и линейки шкалы, шаблоны и трафареты и т. д. в пользу цифрового дизайна.В то время как более традиционные художники утверждают, что обычные инструменты для рисования незаменимы для художественного творчества. Конечно, нарисованные от руки изображения долгое время были важны для визуальной коммуникации сложных явлений, когда художники создавали простые, ясные и значимые изображения, сосредотачиваясь на наиболее важных деталях, необходимых в информационном наборе.

Примеры рисованной визуальной коммуникации

Paeonia suffruticosa Andrews var.papayeracea [как Paeonia moutan Sims var. papayeracea] [6269-737989-9167] Curtis’s Botanical Magazine, vol. 47: т. 2175 (1820) [Дж. Curtis]

Risso, [J.] A. и [П.] А. Пуато, История и культура апельсинов. Nouvelle édition entièrement revue et augmentée … от A. du Breuil. С гравировкой 110 тарелки, напечатанные в цвете и обработанные вручную, и 30 гравюр на дереве в текст. Пэрс, Г. Массон и Х. Плон 1872.Слепой штамп ориг. ткань, перед обложка с золоченой штампованной титульной виньеткой. Фолио. 2 ll., 228 pp.

Раскрашенный вручную принт из книги преподобного Фрэнсиса Орпена Морриса «История Британские птицы. Известный английский печатник Бенджамин Фосетт обратился к Моррис написал текст, когда Моррис стал наместником Наффертона. История британских птиц была напечатана и переплетена в небольшой деревне Дриффилда и отправили в ящиках с чаем в Лондон.Заключительный 6-томный труд содержал 358 раскрашенных вручную тарелок.

Гравюра опубликована в 1869 году в Париже, Франция, из работы Шарля Д’Орбиньи «Dictionnaire Universel d’Histoire Naturelle». Шарль-Анри д’Орбиньи (1806 — 1876) был французским ботаником и геологом.

Гравюра птицы-секретаря из работы Шарля Д’Орбиньи «Dictionnaire Universel d’Histoire Naturelle».Шарль-Анри д’Орбиньи (1806 — 1876)

Сегодня многие молодые дизайнеры сталкиваются с дилеммой; нужно ли им научиться рисовать перспективы или другие визуальные эффекты традиционными методами, когда компьютеры могут создавать аналогичные изображения за короткий промежуток времени? Разумеется, разумно утверждать, что овладение любым набором техник, будь то хорошо развитый навык в традиционном искусстве или обучение иллюстрированию с помощью цифрового программного обеспечения, всегда стоит усилий, которые делают любого художника лучше.Однако иметь прочную основу в рисовании особенно важно для художника, когда он хочет воплотить в жизнь видение. Традиционные навыки рисования наделяют художников универсальностью, ловкостью и способностью визуально передавать сложные концепции более разумно и интеллектуально более изощренно. Они позволяют художникам преувеличивать определенные особенности своих изображений, при этом подчеркивая или удаляя некоторые другие сегменты, чтобы создавать более гармоничные композиции и в то же время повышать художественную целостность изображения.Компьютерное проектирование выполняет такие функции с заранее установленными программными ограничениями и не допускает импровизации и новаторского мышления.

Бесспорно, возможность быстро и без усилий создать дизайн и манипулировать его композицией, масштабом или цветами, является большим преимуществом автоматизированного проектирования. Однако лично я предпочитаю использовать цифровое программное обеспечение как дополнительный инструмент к своим традиционным средствам рисования. Я могу изучать и исследовать дальнейшие измерения в моем художественном видении, которые, вероятно, были невозможны в прошлом при такой экономии времени.Например, рассмотрите следующие две цифровые версии одной из моих традиционных работ справа.

Технологии позволили мне воспользоваться преимуществами более широкого набора возможностей, чтобы экспериментировать и исследовать свое художественное видение и, таким образом, визуально общаться с более широкой аудиторией. Работа в цифровом формате также позволяет мне заново вернуться к своим предыдущим работам и изучить их в свете новых идей, на которые в противном случае у меня, возможно, не было бы времени. Следующие цифровые изображения показывают, как другие графические дизайнеры со вкусом и художественно используют цифровые возможности.

Конечно, «графическому дизайнеру» необходимо освоить использование Illustrator, Photoshop и Indesign. Это знакомство позволит нам уделять больше внимания в нашем веб-дизайне предпечатной подготовке, типографике, дизайну логотипов, брошюр, плакатов и изображений, а также дизайну брошюр, дизайну продукции, рекламе и товарам.

Цифровой дизайнер более технически ориентирован. Она может работать над дизайном веб-сайтов, мобильных приложений и другим онлайн-контентом для различных отраслей.Она также может работать в области 3D-моделирования или 2D-анимации, что требует более глубокого понимания различных компьютерных языков.

Альберто Севезо, Италия

Бенджамин Делакур, Страсбург, Франция

Sakke Soini, Хельсинки, Финляндия.

Альберто Серритеньо, Мексика

Альберто Севесо, Рим, Италия.

Silvia Cordedda, Каррара, Италия

Eli Vokounova.

Игорь Щекич, Загреб, Хорватия.

Евгений Киселев, Санкт-Петербург, Россия.

Эрик Йоханссон, Гётеборг, Швеция.

Into The Green, Антон Бурмистров

Сегодня дизайнеры цифровых медиа обычно обучаются анимации, анимационной графике, написанию сценариев, редактированию видео, производству цифрового звука и видео. Дизайнеры цифровых медиа, как и их традиционные графические дизайнеры, являются визуальными коммуникаторами, которые передают информацию через веб-дизайн, цифровые изображения, сценарии и производство медиа.Они создают свои работы в цифровом или электронном формате, которые являются цифровой копией печатных материалов, продукт создается с нуля для доступа на цифровой платформе.

Веб-дизайн включает в себя множество различных навыков и дисциплин в создании и обслуживании веб-сайтов. Различные области веб-дизайна включают веб-графический дизайн; дизайн интерфейса; авторская разработка, включая стандартизованный код и проприетарное программное обеспечение; дизайн пользовательского опыта; и поисковая оптимизация. Часто многие люди работают в командах, охватывающих различные аспекты процесса проектирования, хотя некоторые дизайнеры охватывают их все.

Способ производства графических дизайнеров подходит только для небольшого рынка и относительно дороже. Очевидно, что любое распространение информации через веб-дизайн было бы более эффективным и менее затратным. Однако необходимо полагаться на средства поддержки веб / интернет-провайдеров.

User Experience / User Interface или UX / UI.

Дизайнеры должны стремиться создавать проекты, которые пользователям будут удобны и удобны. Пользовательские интерфейсы — это точки доступа, в которых пользователи взаимодействуют с проектами.Графические пользовательские интерфейсы (GUI) — это панели управления проектами и лица; Голосовые интерфейсы предполагают орально-слуховое взаимодействие, в то время как интерфейсы на основе жестов позволяют пользователям взаимодействовать с пространствами трехмерного дизайна посредством движений тела. Дизайн пользовательского интерфейса — это ремесло, которое включает в себя создание важной части пользовательского опыта; пользователи очень быстро оценивают дизайн по удобству использования и привлекательности.

Например, цифровой дизайнер будет использовать факторы UX / UI в системе электронного банкинга, просматривая процессы оформления заказа.Был ли опыт пользователя легким и смогли ли они успешно перейти к совершению покупки с минимальными затратами времени, усилий и знаний? Такие примеры, как Google, iPhone, iPad и Amazon Kindle, показали, что взаимодействие с пользователем является важным отличием продукта. Потребители будут покупать и использовать продукты в зависимости от их дизайна, удобства использования и привлекательности. Это ожидание хорошо спроектированных продуктов перешло даже в бизнес-приложения, такие как Salesforce.com и мобильные приложения SAP Fiori, поскольку сотрудники ожидают, что корпоративное программное обеспечение будет таким же простым в использовании, как и потребительские приложения.

Три ключевых элемента процесса UX-дизайна:

Проведение пользовательского исследования для понимания характеристик, поведения, потребностей и контекста использования пользователей.
Используя это понимание бизнеса и потребностей пользователей, разработайте решение, которое следует принципам человеческого фактора и передовым методам проектирования.
Оценка дизайна с пользователями путем проведения юзабилити-тестирования и внесения изменений на основе результатов итеративного процесса проектирования.

Цветовые модели

Цветовой режим графического дизайна и веб-дизайна совершенно разные.Из-за того, что в графическом дизайне используется печать, обычно используется цветовая модель CMYK, названная в честь четырех основных цветов модели: голубого, пурпурного, желтого и черного. В процессе четырехцветной печати используются четыре печатных формы; один для голубого, один для пурпурного, один для желтого и один для черного. Когда цвета комбинируются на бумаге (на самом деле они печатаются в виде маленьких точек), человеческий глаз видит окончательное составное изображение.

В веб-дизайне используется RGB в соответствии со своей специальной моделью изображения, которая состоит из красного, зеленого и синего цветов.Модель RGB используется на компьютерных мониторах, и это то, что пользователь будет просматривать на экране. Таким образом, RGB сохраняется для проектов, которые предназначены для отображения на экране (например, веб-сайтов, онлайн-документов и другой веб-графики).

Однако цвета RGB можно просматривать только при естественном или искусственном освещении, например, на мониторе компьютера, а не на распечатанной странице. Вот почему CMYK доминирует в мире коммерческой печати. Когда два цвета RGB смешиваются в равной степени, они создают цвета модели CMYK, которые известны как субтрактивные основные цвета.

Зеленый и синий создают голубой цвет.
Красный и синий создают пурпурный.
Красный и зеленый создают желтый.
Черный добавлен к модели, потому что он не может быть создан с помощью трех вычитающих основных цветов (при объединении они создают темно-коричневый цвет). K или «ключ» обозначает черный цвет.

Учитывая, что компьютерные мониторы могут отображать изображения только в RGB, графические дизайнеры должны работать на экране в RGB, хотя их окончательная печатная часть будет в CMYK.Цифровые файлы должны быть преобразованы в CMYK перед отправкой их на коммерческие принтеры, если типография не потребует чего-то другого. Кроме того, некоторые программы, в том числе Photoshop, в котором для фотографии используется RGB, ограничивают то, что можно делать с изображениями CMYK.

Выбор веб-шрифтов

Типографика играет решающую роль в веб-дизайне. Различные стили шрифтов передают людям разные подсознательные сообщения. Например, геометрические шрифты с однородными пропорциями, как правило, олицетворяют чистоту, чистоту и простоту дизайна — ценности, которые в настоящее время стремятся выразить многие технологические бренды.С другой стороны, многие модные дома отдают предпочтение высококонтрастному современному дизайну с его элегантными линиями волос, скобками с засечками и плавными изгибами, выражающими неподвластный времени стиль. Пытаясь казаться более дружелюбными к людям и потребителям, коммерческие банки после финансового кризиса 2008/09 г. продемонстрировали тенденцию отходить от авторитарного дизайна с засечками в пользу более мягких выражений.

Стандартные шрифты включают Garamond, Times, Georgia, Arial, Helvetica и Verdana, которые были разработаны для удобочитаемости и хорошо подходят для больших блоков текста.Это обычные шрифты, о которых слышали многие. Однако есть ряд шрифтов, которые попадают в категорию «стандартные» с названиями, которые вы, возможно, не узнаете.
Толщина шрифта для основного текста обычно называется Roman, Body или Regular. Читатели не отвлекаются на дизайн этих классических шрифтов, позволяя им сосредоточиться на текущем тексте. Стандартные шрифты предназначены для удобного чтения, поэтому они хорошо работают с мелкими кеглями и большими блоками текста.
Fancier или другие варианты веса шрифта, такие как Bold, Condensed, Semi Bold, Black и Ultra, имеют много деталей и индивидуальности, идеально подходят для заголовков и подзаголовков, состоящих из нескольких слов. .Эти шрифты привлекают внимание людей, но они не рассчитаны на длинную страницу текста. Часто декоративные шрифты можно отличить только по их названиям, например Kid Print, Comic Sans и т. Д. (См. Следующий рисунок).

Веб-дизайнер должен начать с рассмотрения того, подходит ли шрифт с засечками или без засечек для его проекта. Засечки — это небольшие выступы, которые украшают кончики различных букв. Они происходят из резных надписей, в основном из периода римской империи.Шрифты без засечек, напротив, не имеют этих выступов. Некоторые современные шрифты без засечек имеют небольшие украшения на кончиках, из-за чего вы выглядите вдвойне, но они по-прежнему считаются шрифтами без засечек. Шрифты с засечками и без засечек можно использовать для больших блоков основного текста. Как правило, шрифты с засечками придают странице более консервативный, стильный или новаторский вид, в то время как использование шрифтов с засечками дает более чистый и современный вид.

Засечки делятся на четыре семейства гарнитур.

Старейшее семейство Serif включает такие шрифты, как Adobe Jenson, Centaur, Goudy Old style и многие другие.Их шрифт создан по образцу текста, который раньше выглядел в 1400

Переходные засечки выглядят более современно. Это семейство шрифтов включает Times New Roman, Baskerville, Georgia и т. Д.

Современное

Как следует из названия, эти современные шрифты с засечками выглядят более современно. Это включает Didot, шрифт, используемый для названия журнала Vogue.

Slab-Serifs — это семейство шрифтов с толстыми засечками.Примеры гарнитур с плоскими засечками: American Typewriter, Archer и т. Д.

Гротеск

Самый старый шрифт без засечек — это Grotesque, который включает News Gothic, Franklin Gothic и другие.

Неогротеск:

Этот тип немного более современный и более подходящий. Helvetica и Ariel являются примерами.

Гуманист:

Гуманистический тип описывается некоторыми как несколько футуристический.Гилл Санс является примером.

Геометрическая форма:

Geometric должен быть еще более футуристичным. Futura — тому пример.

Каталожные номера

Брэндон, Линн. 2001. «Эффекты рисования от руки и методов САПР». по разработке дизайна: сравнение рейтингов достоинств дизайна.” Журнал дизайна интерьера 27: 26-34.

Манжета, Дана. 2001. «Влияние программного обеспечения для дизайна на дизайн-мышление и Обучение ». Architectural Record 189: 200-206.

Гибсон, Кэтлин. 2007. «Автоматизированное творчество: цифровая морфология. и процесс проектирования ». Журнал дизайна интерьера 32: 41-47.

Хеннесси, Сара. 1999. «Возможности для совместного решения проблем. в области дизайна и технологий ». Международный журнал технологий и дизайнерское образование 9: 1-36.

Джонсон, Тимоти П.2001. «Цифровой рисунок: иллюстративный рисунок и Рендеринг в Photoshop ». Ландшафтная архитектура, ноябрь, 44-48.

Лу, Цзян. 2005. «Преодоление различий между цифровым и Традиционные СМИ ». Сознательный дизайн — Сознательный дизайн — A Гуманный и просвещенный курс действий, IDEC, Саванна, Грузия, 76-77.

Левин, Елена. 2002. «Ответ Уильяму Митчеллу на« Смерть Рисунок ». Леонардо 35: 118.

Маклейн-Карк, Джоан. 2000. «Стратегическая история использования компьютерных технологий: Проект EPA от HOK.»Журнал дизайна интерьеров. 26: 25-40.

Менели, Джейсон и Шейла Данко. 2007. «Мотив, разум и медиа: Цифровые зарисовки в творческой культуре дизайна ». Журнал дизайна интерьера 32: 69-90.

Рейсс, Гвен Н. 2001. «Нарисовано к совершенству». Сохранение 53: 50-53. Силиг, Уоррен. 2003. «Цифровые диалоги: технологии и рука». Журнал Surface Design 28: 6-11.

Что такое современный графический дизайн? | Все, что вам нужно знать

В общем, когда мы говорим о графическом дизайне, мы имеем в виду деятельность, состоящую из проецирования сообщений, которые оцениваются через зрение, и которые используются для передачи определенного сообщения.Это делается с определенной целью, и обычно определенная группа людей также учитывается при планировании и зарисовке первых линий каждого дизайна. На протяжении всей истории графический дизайн эволюционировал постепенно. Появление современного графического дизайна было большим скачком.

Кто такой графический дизайнер?

Графический дизайнер для многих — просто профессионал, отвечающий за передачу сообщений и их перевод в визуальный формат, который производит впечатление.Но, кроме того, эти профессионалы — настоящие художники. Они практикуют дизайн, который охватывает все виды сфер, в которых необходимо установить определенную степень аудиовизуальной коммуникации. Они варьируются от создания иллюстраций в книгах и текстах, которые нуждаются в визуальной поддержке, до 3D-анимации, посредством плакатов или элементов брендинга, таких как логотипы. В них дизайнеры могут развивать свои творческие способности с помощью творений, которые выражают то, что их клиент хочет сообщить, или образ определенного бренда или продукта.

Современный графический дизайн: истоки и определение

Учитывая задачи, которые решают графические дизайнеры, независимо от их стиля, уже можно уточнить, что мы имеем в виду, когда говорим о современном графическом дизайне. В данном случае это не имеет ничего общего с использованием современных технологий, а связано с всевозможными дизайнами, созданными в рамках современного механизма дизайна. Он появился в прошлом веке, но появился в конце 19 века.Его истоки лежат в рисунках, сделанных в конце 19 века на плакатах с очень ярко выраженным стилем. На многих плакатах начали цениться изменение дизайна, с меньшим количеством изощрений и более простым, и с меньшим количеством цветов.

Основы современного графического дизайна уже заложены. Но влияние индустриальной эпохи, которую переживали Европа и Соединенные Штаты, особенно в первой половине 20-го века, оказало огромное влияние на графический дизайн.Практически, без этой эпохи появление этой тенденции графического дизайна невозможно понять.

Плакаты и другие графические элементы современного графического дизайна выделялись своей красочностью, в том числе с простыми шрифтами, без засечек. Текст на плакатах был коротким, четким и лаконичным и поддерживал изображения. Кроме того, это дало им контекст и помогло укрепить их имидж. В целом они следовали руководящим принципам современного графического дизайна: отсутствие лишнего декора, стиль ярко выраженного международного характера и приверженность промышленной работе.

Современный дизайн середины века: новая тенденция

Из всех популярных стилей ретро-дизайна, современный дизайн середины века может быть одним из моих любимых. Фраза «модерн середины века» — это не просто основной прием в телешоу, посвященных обустройству дома, это также классический стиль искусства и дизайна, который говорит об эпохе.

Самое лучшее в современном дизайне середины века — это то, что он может упростить сложное. Это был популярный стиль в домах и декоре, а также в графическом и промышленном дизайне на протяжении десятилетий, охватывающих 1930-е, 40-е, 50-е, и 60-е годы.

Теперь он возвращается как тренд в графическом и веб-дизайне.

Что такое современный дизайн середины века?

Это определенно стиль дизайна, сочетающий в себе особый вкус

«Модерн середины века» — это коллекция стилей дизайна, которые сегодня многие считают ретро. Хотя не всегда легко определить эту эстетику, существуют общие элементы цвета, формы, пространства и типографики, которые помогают сделать ее узнаваемой.

Модерн середины века часто бывает красочным и смелым.Формы и пространство часто бывают широкими, асимметричными и даже отчужденными по стилю и структуре. Типографика часто бывает простой с блочными шрифтами без засечек, простыми засечками и множеством шрифтов с заглавными буквами.

Одной из наиболее распространенных черт современного дизайна середины века является то, что он на первый взгляд выглядит несколько абстрактно и разрозненно, но когда вы действительно смотрите на эти предметы, они работают фантастически. Это определенно стиль дизайна с особым вкусом — люди склонны любить его или ненавидеть.

Лучшей современной коллекцией модификаций середины века может быть визуальный каталог Тео Инглиса на Tumblr (также упомянутый выше).

Характеристики модификации середины века

Есть определенные элементы дизайна, которые вы можете ожидать найти в большинстве современных графических дизайнов середины века.

Отчасти этот стиль «ретро» популярен в том, что он использует другие тенденции дизайна, от минимализма до использования геометрических форм. Дизайнеру необязательно использовать все или даже многие из этих элементов, чтобы стиль можно было отнести к современному стилю середины века.

Характеристики современного дизайна середины века часто включают:

Использование минимализма или минималистичных концепций
Яркий или яркий цвет с некоторыми нейтральными оттенками
Использование геометрических фигур
Чистые линии и углы
Текстуры, напоминающие дерево, кожу или стекло
Шрифты от средних до тяжелых, часто заглавные
Отсутствие орнамента; все элементы годны к употреблению
Контрастные дизайнерские идеи
Асимметрия
Неровные линии, типографика или общая текстура

Как дизайнеры это используют

В то время как элементы печати могут быть наиболее распространенным использованием в современном дизайне середины века, они также появляются в веб-проектах.

Современный графический дизайн середины века, тесно связанный с искусством и архитектурой, часто вызывает эти идеи. Один из самых известных трендовых примеров этого стиля — настенное искусство.

Ассоциация охраны национальных парков и предприятие Ranger Doug’s Enterprise выпустили постоянно растущую коллекцию плакатов о парках в этом стиле (см. Выше).

В то время как элементы печати могут быть наиболее распространенным использованием в современном дизайне середины века, они также появляются в веб-проектах. Может быть немного сложнее поддерживать дух стиля в этом формате, но вы определенно можете увидеть это с большим количеством элементов в стиле ретро, вариантами цвета и обработками шрифтов.Использование пространства и геометрии также являются идентификаторами.

Большая разница, когда дело доходит до веб-дизайна, заключается в том, что большинство более приглушенных цветовых палитр модов середины века в печати еще более смелые и яркие, в большей степени соответствующие текущим веб-тенденциям, таким как Hyper Giant (см. Выше).

Советы для начала работы

Современные стили середины века могут быть проблемой, когда дело доходит до их включения в ваши дизайнерские проекты. Вы хотите сбалансировать ретро-стиль с современными технологиями, чтобы дизайн не выглядел «слишком устаревшим».”

Caava Design может быть наиболее близким веб-представлением к классическим стилям модерна середины века.

В каждом из приведенных выше примеров используется «современный» дизайн середины века, который легко воспроизвести.

Polybloc заметно использует геометрические формы — как в качестве фоновой текстуры на изображениях плотных зданий — так и в формах для каждого изображения. Это сочетается с необычной расцветкой и минималистичным языком в простом типографском стиле. (Обратите внимание на заглавные буквы.)

Mogney сочетает в себе цвет и геометрию с анимацией, создавая забавный минималистичный стиль, который кажется очень модным.Асимметричный дизайн и почти «несоответствие» цветовых решений очень модны.

Caava Design может быть наиболее близким веб-представлением к классическим стилям модерна середины века. Выбор цвета и наложения геометрии впечатляют. Они сочетаются на нейтральной основе — обычная тема для этого стиля — с шрифтом, который немного отличается от других, которые мы видели, но с ощущением ретро.

Уловка с использованием элементов современного дизайна середины века заключается в том, чтобы не переусердствовать. Выберите те элементы тенденции дизайна, которые вам больше всего нравятся, и включите их в дизайн.Комбинируйте современные техники и стили, чтобы создать что-то, что отражает эпоху, но также работает сегодня.

Современные элементы середины века

Хотите начать с современного модного дизайна с использованием современных элементов дизайна середины века? Мы собрали пять различных типов элементов дизайна, которые могут дать толчок вашему творческому мышлению или послужить основой для проектов.

Шрифт Let’s Jazz

Трифолд Clean Modern

Изометрические концепция совместной работы

Современные кисти середины века для Adobe Illustrator

Заключение

Когда дело доходит до модернизации классического стиля, например, тенденции современного дизайна середины века, нужно использовать его элементы, но не переусердствовать.

Памятка по графическим стилям в типографике

Викторианский стиль (1830—1900-е гг.)

Движение искусств и ремесел (1850—1900-е гг.)

Ар-нуво (1890—1910-е гг.)

Экспрессионизм (1900—1920-е гг.)

Модернизм (1910—1940-е гг.)

Ар-деко (1920—1930-е гг.)

Поздний модернизм (1940—1980-е гг.)

Постмодернизм (1970—1990-е гг.)

Круто! 33+ тренда в графическом дизайне 2019 (с примерами)

Темнота: немного мистичности

Мазки краски: придаем проекту человеческой души

Нео Гео: новое концептуальное движение

Mary Jane: в ногу с законом

Искажение пространства и времени

Оптические иллюзии: задержать взгляд зрителя

Цветной фон: еще больше цвета

Дада: возвращаем Авангард

Дизайн упаковки в 2019

Анимированные письма: инновационный маркетинг

Обрезки: мозаика, коллажи и сюрреализм

Аптекарь: максимум минимализма

Цифры, цифры, цифры

Открытая композиция: выйти за рамки

3D: глубина нового поколения

Антигравитация: летающие и плавающие элементы

Яркие цвета: путешествие в мир чудес

Металлик: еще больше блеска

Ликвид: пусть течет

Большой текст – большое влияние

Контурная типографика: пустые буквы и цифры

Типографика с фоном: ретро вдохновение

Альтернативное искусство: штрихи, пятна, каракули

Реализм + двухмерный рисунок: сочетаем противоположности

Асимметрия: отключить сетку

Арт-деко: минимализм и роскошь

Средневековый модерн: старинные цветовые палитры

Дуотон и градиенты: цветовые переходы в двух тонах

Теплые, пастельные тона: меньше яркости и цвета

Максимализм + тонкость линий: завоевать доверие

Шрифт с засечкой: придаем буквам характер

Изометрический дизайн: 3D в двух измерениях

Цвет года 2019

Тренды графического дизайна 2019: выводы

Стиль mid-century modern в интерьере

Графический дизайн до 30-х годов в XX веке. Советский графический дизайн в XX веке

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

Самое удивительное в графическом дизайне: sergeserov — LiveJournal

Проблема дизайнерского искусства. Позиция автора в культуре постмодернизма.

Введение.

Глава 1.Постмодернизм. Определение и зарождение.

Глава 2. Определение стиля.

Заключение.

Литература:

Преподаватели

Модерн Графический дизайн — Оптима

Стиль дизайна: модерн середины века для графических дизайнеров | от Envato | Envato

1.8 Постмодерн — Основы графического дизайна и полиграфической продукции

Эстетика прошлого реагирует на современные цифровые потрясения: экстраординарные тенденции графического дизайна | Дана Качан | Музли

Традиционный графический дизайн в сравнении с цифровым графическим дизайном

Что такое современный графический дизайн? | Все, что вам нужно знать

Кто такой графический дизайнер?

Современный дизайн середины века: новая тенденция

Что такое современный дизайн середины века?

Характеристики модификации середины века

Как дизайнеры это используют

Советы для начала работы

Современные элементы середины века

Шрифт Let’s Jazz

Трифолд Clean Modern

Изометрические концепция совместной работы

Современные кисти середины века для Adobe Illustrator

Заключение

Добавить комментарий Отменить ответ