Самые популярные стили живописи | Арт Новости | Современное искусство | Картины
Автор: Нона Султанян, Art NewsСамые популярные стили живописи: импрессионизм, экспрессионизм, кубизм, модернизм, неоклассицизм, поп-арт, романтизм, реализм, сюрреализм, символизм.
Существует просто огромнейшее разнообразие направлений и стилей в изобразительном искусстве. Зачастую они не имеют каких-либо выраженных границ и плавно могут переходить из одного в другой, при этом находясь в непрерывном развитии, противодействии и смешении. Большинство направлений в живописи сосуществуют одновременно именно по этой причине – «чистых стилей» практически не бывает. Представляем вам самые популярные стили живописи на сегодняшний день.
ИмпрессионизмИмпрессионизм получил свое название благодаря картине «Impression, soleil levant» Клода Моне. Импрессионизм – стиль живописи, который, как правило, направлен на работу на открытом воздухе.
Живопись в данном направлении призвана передать световое ощущение мастера.
К ключевым характеристикам импрессионизма относятся: тонкие, относительно небольшие, еле видимые мазки; точно переданное изменение освещения; открытая композиция; присутствие какого-либо движения; необычное видение предметов.
Яркие представители импрессионизма: Пьер Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне.
Узнайте больше: Импрессионизм
Экспрессионизм
Экспрессионизм – одно из современных направлений искусства, которое зародилось в Германии примерно в первой половине XX века. Вначале экспрессионизм охватывал только поэзию и живопись.
Экспрессионисты обычно изображают окружающий мир лишь субъективно, полностью искажая реальность для еще большего эмоционального эффекта. Таким образом, они заставляют своего зрителя задуматься.
Яркие представители экспрессионизма: Амедео Модильяни, Эдвард Мунк, Эрнст Людвиг Кирхнер.
Узнайте больше: Экспрессионизм
Кубизм
Кубизм – это авангардное направление искусства, которое зародилось в XX веке благодаря знаменитому Пабло Пикассо.
Поэтому именно он и является самым ярким представителем этого стиля. Отметим, что данное направление произвело революцию в скульптуре и живописи Европы, вдохновив также схожие направления в архитектуре, литературе и музыке.
Для произведений искусства в этом стиле характерны перекомбинированные, ломаные предметы в абстрактной форме.
Яркие представители кубизма: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Фернан Леже.
Узнайте больше: Кубизм
Модернизм
Модернизм демонстрирует совокупность разных тенденций культуры, а также ряд объединенных направлений искусства, которые зародились в XIX и XX вв.
Живописцы называют модернизм «иным искусством», цель которого создать уникальные, ни на что не похожие картины, то есть они показывают особенное видение художника.
Яркие представители модернизма: Анри Матис, Поль Синьяк, Казимир Малевич.
Узнайте больше: Модернизм
Неоклассицизм
Неоклассицизм являлся главным направлением в Северной Европе примерно XVIII и XIX вв.
, для которого характерно искусство эпохи Возрождения, античности и даже классицизма.
Благодаря своим глубоким знаниям церковных законов, мастера неоклассицизма старались реконструировать, а также вводить каноны в свои работы.
Яркие представители неоклассицизма: Николя Пуссен, Лоуренс Альма-Тадема, Антон Рафаэль Менгс.
Узнайте больше: Неоклассицизм
Поп-арт
Поп-арт, как стиль искусства, возник примерно в 1950-х в Великобритании и чуть позже в Америке. Говоря о поп-арте, просто нельзя не вспомнить Энди Уорхола, который является одним из наиболее популярных представителей данного направления.
Основной темой поп-арта выступают обычные предметы. Он акцентирует внимание на вульгарных и банальных элементах любой культуры, как правило, иронизируя их. Поп-арт довольно популярен в различных аспектах массового искусства: комиксах, рекламе и т. д.
Яркие представители поп-арта: Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Ричард Гамильтон.
Узнайте больше: Поп-арт
Романтизм
Реализм
Реализм возник как реакция на академизм и романтизм, впервые проявив себя в 1850-х во Франции. Художники-реалисты обычно старались изобразить различные предметы через призму мирских правил. Они были лишены каких-либо объяснений и приукрашиваний.
Реализм верил лишь в существование объективной реальности, поэтому протестовал против сильной эмоциональности романтизма. Точность и истина были главными целями в творчестве большинства представителей данного стиля.
Яркие представители реализма: Илья Репин, Иван Шишкин, Жюль Бретон, Эдуард Мане.
Узнайте больше: Реализм
Сюрреализм
Сюрреализм – это обнажение психологической истины с помощью отделения предметов от их обыденного значения с целью создать сильный образ, дабы вызвать сопереживание зрителя.
Яркие представители сюрреализма: Макс Эрнст, Рене Магритт и Сальвадор Дали.
Узнайте больше: Сюрреализм
Символизм
Символизм – это некий протест в пользу духовности, мечтаний и воображения, развившийся в некоторых странах Европы в конце XIX века.
Художники-символисты произвели достаточно сильное влияние на сюрреализм и экспрессионизм в живописи. Эти два направления произошли непосредственно от символизма.
Яркие представители символизма: Михаил Врубель, Гюстав Моро, Хуго Симберг, Виктор Васнецов.
Узнайте больше: Символизм
Предыдущая статьяКак стать программистомСледующая статьяТарелка в технике квиллинг своими рукамиОсобенности и отличия основных направлений в живописи
Каждое произведение изобразительного искусства прекрасно по-своему, но в этом не только заслуга художника. Существуют разные виды художественной живописи. Они без четких границ, строгих правил и могут плавно перетекать, совмещаться, дополнять друг друга. Искусство постоянно развивается и дополняется самими мастерами, «чистых» стилей не существует.
Это не числа в математики, а творчество, способность выразить свои мысли, идеи, изобразить реалистичный или выдуманный сюжет. Только благодаря смешиванию и дополнению, зритель имеет возможность лицезреть уникальные картины. Рассмотрим, какая бывает живопись.
Содержание статьи:
Краткое описание основных направлений
Человеку, связанному с искусством интересно познакомиться с разными направлениями живописи. Понять, как их различать, что в них общего, особенного, как работать в том или ином направлении. Основные виды живописи невозможно представить без следующих жанров.
Импрессионизм
В основу названия легла картина Клода Моне «Impression, soleil levant». Направление подразумевает работу под открытым небом. Картины прекрасно передают световое восприятие художника. Характеристики: тонкие, полупрозрачные мазки, точная передача светового ощущения. Композиция открытая, с элементами динамики, движений, допустимо необычное виденье предметов.
Экспрессионизм
Современное и неординарное направления в живописи, зародившееся в начале 20 века.
Первые картины появились в Германии. В начале своего развития экспрессионизм охватывал еще и поэзию. Мастера, работающие в этом жанре изображают мир со своей точки зрения, каким они его видят, искажая реальность для более сильного эмоционального восприятия. Зритель невольно задумывается и переживает сюжет, переданный через полотно. Яркие представители: Кирхнер, Амедео Модильяни и другие.
Кубизм
Это жанр авангардного искусства, основанный знаменитым Пабло Пикассо в 20 веке. Кубизм спровоцировал переворот в скульптуре, архитектуре, живописи. Характерные черты: абстракция, искажение, перекомбинированние, изображение ломанных элементов.
Модернизм
Рассматривая виды и жанры живописи, невозможно опустить Модернизм. Глядя на картину в этом стиле, перед зрителем открывается объединение разных техник, тенденций культуры, 19-20 века. Живописцы называют его «другим искусством», благодаря которому удается создавать картины, которых не было раньше, с авторским виденьем ситуации.
Неоклассицизм
Стиль многогранный, соединяющий элементы классики и античности. Чтобы написать картину в этом направлении, важно накопить знания церковных канонов. Художники пытались реконструировать события и вводить свои правила в создание композиций.
Поп-арт
Как отдельный вид творчества, поп-арт возник в Великобритании, в 1952 году. Рассматривая этот вид искусства, невозможно не упомянуть Энди Уорхола. Большинство его работ выполнены в этом жанре. Основная тема композиций — повседневные предметы. Мастера иронизируя происходящее. Поп-арт мы видим в карикатурах, мемах, рекламных изображениях.
Романтизм
Основа стиля — сильные, неподдельные эмоции. Зритель переживает их по-настоящему. Больше всего ценится страх, ужас, трагедия, привязанность, благоговение.
Реализм
Рассматривая основные направления в живописи, в обязательном порядке нужно упомянуть реализм. Задача мастера, работающего в этом стиле — изобразить предметы и ситуации через призму определенных мирских канонов и правил.
Сюрреализм
Возник в 1920 году. Символизирует обнажение души, психологических истин с помощью окружающих предметов. Цель — создать целостный образ из отдельных элементов, чтобы вызвать неподдельные эмоции и сопереживание.
Символизм
Это протест в сторону духовности и мечтам. Раскрылся в Европе в 19 веке. Повлиял на экспрессионизм и сюрреализма, хотя эти жанры существовали независимо от символизма.
Абстракционизм
Читатель уже знает, какие бывают виды живописи, но без Абстракционизма список не полный. Направление символизирует отказ от действительности, правильности форм. Задача мастера — показать сюжет картины посредством ярких оттенков и различных форм. Такой подход четко просматривается в картине «Желто-красно-синее» Василия Кандинского.
Анималистика
Это вид искусства с изображением животных.
В основу легло слово «animal», что в переводе с латинского означает «животное». Это своеобразная культура показать зрителю как живут различные представители фауны, как они выглядят, передать их характер.
Морской пейзаж (марина)
В качестве отдельного жанра выделился в Нидерландах, в 17 веке. На картинах изображены морские пейзажи, сцены морских сражений и прочие события, происходящие в морской пучине. Данный жанр относится к пейзажам.
Портрет
Художники-портретисты изображают лица людей, то есть передают визуальные характеристики модели. На картинах в таком стиле зритель имеет возможность лицезреть облик выдающихся и просто симпатичных людей. Особую ценность представляют портреты Богоматери, Иисуса Христа.
Стрит-арт
Это уличное искусство, отличающиеся ярко выраженным урбанистическим характером. Основной элемент — граффити, однако это не идентичные понятия.
Натюрморт
В его основе изображение неодушевленных предметов.
В дословном переводе означает «мертвая природа». Благодаря этому направлению у зрителей есть возможность любоваться композициями из овощей, фруктов, предметов обихода, букетов. В этом жанре работал Ж. Б. Шарден, Ренуаром, Ван Гог.
Минимализм
Название «минимализм» основал Р.Уолхейм, в основе лежит понятие «минимальное искусство». Возник в США. Характеризуется простотой форм, единообразием форм, творческим ограничением.
Теперь вы знаете, какие жанры живописи бывают и сможете без труда их различать. Каждое направление интересно и неординарно по-своему. На самом деле стилей гораздо больше, они появляются и разрабатываются практически каждый день.
Какие бывают стили живописи? | Школа живописи Artville
Описать стили изобразительного искусства так же непросто, как пересчитать звёзды на небе. Многие течения существуют параллельно с другими направлениями, распадаясь на мелкие разветвления и подвиды. Хотя и установлена некая классификация, чёткие границы между ними провести довольно сложно.
Разговор о стилях живописи для большинства людей начинается с момента, когда появляются картины, написанные маслом, а произошло это в эпоху Возрождения.
Ренессанс
Временные рамки эпохи Возрождения довольно обширны: начиная с 14 века в Италии, стиль постепенно в 15-16 веках распространился в других европейских странах. Если попросить сейчас назвать имена средневековых живописцев, большинство людей не смогут этого сделать, так как мастера почти никогда не подписывали свои работы. А вот кто такие Микеланджело, Леонардо да Винчи или Рафаэль – знают практически все.
Произошло так потому, что наивысшей ценностью для художников Возрождения стал человек. Гуманистический идеал этого направления в живописи был позаимствован у творцов античности. Художники Ренессанса возродили древнегреческие традиции, собственно так и возникло название стиля. Кроме того, искусство стало более светским. Живописцы отошли от условностей и схематичности иконографической традиции. Изображения стали более объёмными и реалистическими.
Барокко
Реформация и последовавшая Контрреформация в 16-17 веках внесли смятение в души и умы обывателей. Ясность и гармонию Ренессанса заменили динамизм и контрастность эпохи барокко. Достаточно увидеть картины Караваджо, чтобы понять, насколько это разные стили рисования. Резко противопоставляя свет и тень, художник достиг эффекта большого напряжения и эмоциональности.
Абсолютизм и стремление церкви вернуть утраченные позиции привели к театрализации и пышности искусства этого периода. Художники Франции, Испании пишут парадные портреты. Одно из произведений этого жанра – «Менины» Веласкеса.
Рококо
Естественным продолжением барокко стал художественный стиль рококо, который возник в начале 18 века во Франции. Изображая жизнь высшего общества, живописцы уже не использовали тяжеловесную пышность предыдущего направления, а создавали лёгкие, галантные полотна. Вместо контрастов – пастельные тона, театральность уступила место камерности и изысканности.
Пастушескую идиллию, бегство от реальности – всё это можно увидеть, например, в работах Ватто.
Классицизм
Начало 18 века – период, когда одновременно существовали разные стили живописи: барокко, рококо, а с конца 17 века и классицизм. Это направление также возникло во Франции. Яркий его представитель – Никола Пуссен. Стиль прекрасно подошёл для восхваления абсолютизма. Художники классицизма, как и мастера Ренессанса, обращались к античным сюжетам. Но ценность для них представляла не возможность прославления человека-творца, а мифология, возвышающая богов. Установилась строгая иерархия, где жанры живописи делились на высокие и низкие. Все картины писались соответственно принятым канонам и нормам. Классицизм просуществовал до начала 19 века.
Романтизм
Французская революция смела все нормы и условности, открыв дорогу новому направлению в искусстве – романтизму. Вместо холодной рассудочности и рациональности наступила эпоха господства чувств и эмоций, которая охватывает период с конца 18 века до середины 19 века. Представление о стиле рисования даст картина Делакруа «Свобода на баррикадах» или творчество русского художника Айвазовского.
Реализм
Несоответствие между мечтой о свободе и наступившей отрезвляющей действительностью привело к появлению нового направления – реализма. После 1855 года в искусстве господствует лозунг: «Ничего, кроме правды». На полотнах Гюстава Курбе изображены самые обыкновенные люди, зарабатывающие на хлеб насущный в поте лица. Реалистическими направлениями также стали веризм и натурализм. Эти стили рисования изображали людей в типичных ситуациях почти с фотографической достоверностью.
Модернизм
В последние десятилетия 19 века появляется много новых направлений в живописи, которые получили название модернизм или «другое искусство». Эти разные течения объединяет оригинальное видение мира, стремление к новшествам. Наиболее значительные из них:
- Импрессионизм. Художники стремились передать изменчивость и подвижность окружающего мира. Живописцы не смешивали краски на палитре, а добивались нужного эффекта прямо на холсте. Моне, Дега, Ренуар, Сезанн, Мане предпочитали работать на пленэре, уделяя много внимания освещению. Так они могли лучше передать мимолётное впечатление от действительности. Название художественного стиля «импрессионизм» и означает «впечатление».
- Пуантилизм (дивизионизм). Течение стало продолжением импрессионизма. Писсарро и Сёра использовали достижения оптики и рисовали раздельными точечными мазками. Цвета смешивались на этапе восприятия картины.
- Модерн. Главными принципами стали орнаментальность, декоративность и асимметрия. Криволинейные контуры напоминают растительные формы.
- Кубизм и абстракционизм. Эти стили рисования узнаваемы по изображению различных сочетаний геометрических форм, плоскостей и цветов. Авторы отказались от приближения к действительности. Наиболее известные работы – «Авиньонские девицы» Пикассо и «Чёрный квадрат» Малевича.
- Экспрессионизм. Очень важными становятся эмоциональные состояния автора, преимущественно тревога, страх, разочарование. Это стало отражением пережитых ужасов Первой мировой войны, которые предвидел ещё Мунк в картине «Крик». Основной принцип гласит: не важно, что будет нарисовано на полотне, главное, как это изобразит автор.
Философия модернизма обширна и включает в себя самые разные направления: фовизм, футуризм, дадаизм, сюрреализм и другие течения.
Сегодня стили изобразительного искусства практически не существуют в «чистом» виде. Андеграунд и поп-арт, минимализм и перформанс мирно уживаются друг с другом. Современные художники смело экспериментируют, ищут новые, нетрадиционные способы рисования. Полотна каждого творца – отдельный интересный и уникальный мир.
Выбираем художественные стили рисования
Рисование — основа многих творческих практик, оно играет важную роль в жизни людей разных профессий от архитекторов до модельеров, аниматоров и художников. Даже используя только лист бумаги, ручку или карандаш, возможности для самовыражения безграничны. И с помощью различных методов создания рисунков, не удивительно, что рождаются новые способы, позволяющие любому всесторонне проявить себя.
Существует бесчисленное множество стилей, которые необходимо изучить и исследовать. Каждый из них по-своему передаёт и отображает на бумаге всё, что рисует фантазия и вдохновение. Естественно, разные виды иллюстрации требуют от художника-иллюстратора особых усилий. Некоторые из них достаточно детализированы и дотошны, требуют большого терпения, в то время как с другими работать легко, и тогда художник свободен в своём творческом порыве.
Самые опытные иллюстраторы не ограничиваются одним типом зарисовок, а свободно экспериментируют, чтобы развить свои навыки. Конечно, они могут специализироваться на каком-то одном конкретном способе рисования, но, будучи гибкими в своей работе, смогут проверить различные стили рисования, извлекая пользу из уроков и практики в своей основной работе. Например, Леонардо да Винчи нам известен как создатель признанного во всём мире шедевра «Мона Лиза», но он также был знаменит тем, что заполнял сотни записных книжек изысканными законченными эскизами и спонтанными каракулями.
Найдите свой стиль рисования
Когда хотите создать свой собственный личный стиль, подумайте о том, чтобы играя с формами и создавая новые эксперименты в работе над рисунком, вы сумели понять, какое положительное влияние они окажут на ваш творческий рост.
В то время как линии формируют основу всех стилей рисования, линейные чертежи используют контуры без затенения для создания запоминающихся эскизов. Если вы действительно хотите применить свои навыки, попробуйте непрерывный линейный рисунок. В этом упражнении ручка или карандаш никогда не покидают лист бумаги, поэтому конечный результат формируется из одной единственной строки.
Чиркающий
Хотя мы можем думать о рисовании, как о бессмысленном прошлом времени, это упражнение станет прекрасным способом позволить вашему подсознанию уводить вас в свой мир иллюзий и воображений. Великие художники, такие как Леонардо да Винчи, известны своими каракулями, которые заполняли поля его записных книжек. Бельгийский режиссёр и иллюстратор Винсент Баль играет с тенями и формами, которые находит в повседневной жизни, и превращает их в причудливые произведения искусства при помощи ручки и карандаша. Предназначенные для быстрого выполнения и с простыми, четкими линиями, каракули являются прекрасными, непосредственными впечатлениями от нашего восприятия мира.
Мультфильм
Мультфильмы имеют долгую историю, восходящую к печатным журналам в 19 веке, когда они использовались в качестве сатирических и комических иллюстраций. Мультяшная иллюстрация представлена как большая категория, эволюционировавшая с течением времени. Некоторые различные стили мультфильмов включают карикатуру, аниме или мангу, и, конечно, классический Disney. Игра с мультяшными рисунками означает освобождение себя от гиперреалистических представлений, всё еще пытаясь захватить сущность фигуры в полуреалистичной манере.
Пуантилизм
Хотя мы часто ассоциируем пуантилизм с постимпрессионистскими картинами Жоржа Сера, это техника и стиль, которые также хорошо работают для рисования. Вычерчивая сотни или даже тысячи крошечных точек, художники способны создавать свет и тень. Результаты часто могут быть шокирующе реалистичными, когда зрители только понимают, что точки, а не линии, использовались, когда они внимательно смотрели на готовое произведение искусства.
Фотореализм/гиперреализм
Для художников, работающих в фотореалистическом или гиперреалистическом стиле рисования, терпение является ключевым. Сотни часов можно провести перед любым произведением искусства, чтобы отполировать его до уровня, на котором оно выглядит как фотография. Хотя портретная живопись является популярной темой для гиперреалистических рисунков, вам не нужно ограничивать себя. Например, художник Cj Hendry использует цветной карандаш, чтобы нарисовать красочные пятна на краске, которые выглядят настолько реальными, что вы захотите окунуть в них свою кисть.
Анаморфотный
Еще один технический стиль, 3D-чертежи требуют овладения перспективой для создания глубины и иллюзии. Хотя это может занять некоторую долю практики, чтобы получить результаты потрясающие и удивительные от произведения искусства, которые будут радовать зрителей. Для необычных анаморфотных рисунков есть много отличных учебных пособий по рисованию YouTube, которые могут помочь новичкам освоить этот стиль.
Street Painting — уникальные 3D рисунки на асфальте
Современная городская живопись представлена уникальным стилем 3D реалистичных рисунков на асфальте. Эта уличная живопись популярна настолько, что такие картинки мы можем созерцать и на других всевозможных поверхностях, в частности, на стенах домов, на заборах и даже нарисованных мелом на полу.
В России тоже создают супер-реалистичные 3D-рисунки на асфальте.
А какой из стилей выбираете вы?
Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма
Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.
Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.
Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.
С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.
Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.
И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.
А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.
Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.
Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.
Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.
Почему стиль ренессанс возник
В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.
Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, ФлоренцияЖелание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.
Время расцвета стиля
Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.
Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.Характерные черты стиля ренессанс
На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.
Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, ПарижЕсли это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.
Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, ФлоренцияЛицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.
Леонардо да Винчи. Мона Лиза (фрагмент). 1503-1519 гг. Лувр, ПарижКартины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.
Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, ВатиканЯркий пример стиля ренессанс
Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.
Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, АвстрияВ ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.
Художники стиля ренессанс
Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.
Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.
Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.
О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.
Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).
А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.
Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, ДюссельдорфПочему стиль барокко возник
Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.
Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.
Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, ПарижВремя существования барокко
Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.
Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, СШАХарактерные черты барокко
Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.
Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, МюнхенЕщё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.
Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, РимЯркий пример стиля барокко
Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.
Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».
Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека ВатиканаГлавные художники стиля барокко
Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.
Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.
Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.
Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.
Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. МоскваПочему возник стиль рококо
Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.
Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-ПетербургА если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.
Период расцвета рококо
Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.
Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, МюнхенХарактерные черты стиля рококо
Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.
Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-ПетербургХудожники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.
Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, ПарижЯркий пример стиля рококо
Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.
Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, ЛондонГлавные художники стиля рококо
Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.
Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.
Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.
Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, ПарижПочему стиль классицизм возник
Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.
Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, ПарижБолее же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.
Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.
Характерные черты
Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.
Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, ПарижКлассицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.
Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.
Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, ПарижПоэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.
Период расцвета классицизма
Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.
Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в ВенеЯркий пример классицизма
За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.
Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. МоскваНа картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.
Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.
Главные художники
Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.
Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.
В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.
Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.
Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.
Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.Почему стиль импрессионизм возник
В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.
Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.
Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.Характерные черты
Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.
Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, МоскваТакже импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.
Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. МоскваВремя расцвета импрессионизма
Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет.
Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо.
Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек.
Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).
Яркий пример импрессионизма
Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.
Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, ПарижЗдесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.
Главные художники
Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.
Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»
Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».
Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.
Почему экспрессионизм возник
Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.
Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.
Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.
Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.
Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекцияЛицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.
Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.
Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, БергенУ Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.
Время расцвета стиля
Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны.
Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.
Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ruОсновные черты экспрессионизма
Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.
Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.
Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, ВенаА в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.
Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), МоскваЕщё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.
Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.Яркий пример стиля экспрессионизм
Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка.
Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.
Главные художники экспрессионизма
Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.
Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.
Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.
Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.
Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели».
Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать».
Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).
Почему возник абстракционизм
Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело.
Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене.
Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, ДюссельдорфТак великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.
Время расцвета стиля
Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!
При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.
Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.
Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.Главные черты абстракционизма
Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.
А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.
А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана.
Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.
Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.Яркий пример абстракционизма
В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его «Чёрным квадратом».
Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».
Главные художники абстракционизма
Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.
А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.
Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.comМногие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.
Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.
И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.
Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».
Проверьте себя
Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.
Какая из этих картин написана в стиле рококо?
Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?
Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?
Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.
В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).
Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).
В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.
На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»
Вконтакте
Одноклассники
Как найти свой стиль в рисовании персонажей – Shtukensia Gallery
Иллюстрация персонажей — создание уникального образа героев книги, комикса или зина. Каждый начинающий художник-иллюстратор пытается найти себя в рисовании людей, животных или фантастических существ. У кого-то свой стиль формируется под влиянием кумиров, кто-то просто рисует как умеет, а кто-то годами ищет свои собственные линии, цвета и формы. Я расскажу свою историю. Как я нашла свой стиль в рисовании героев, что мне помогло, куда я сейчас стремлюсь.
Для начала в качестве примера покажу вам свою свежую иллюстрацию халфлинга по имени Тангар (2019 г.):
Симпатяжка, правда? Давайте теперь расскажу о технологии, алгоритме поиска, материалах, сомнениях и волнениях на моем художественном пути.
С чего все начиналось?
Как и все дети, я что-то там рисовала. Один раз сходила в художественный кружок, где мы два часа рисовали натюрморт из самовара, чайничка и чашки на блюдце. Все это не вселило в меня энтузиазма, и когда в 9 классе нам задали нарисовать героя из художественного произведения, то я перенаправила это задание своему папе, который, как мне казалось, должен уметь рисовать лучше меня. Хотя моя папа никогда при мне ничего не рисовал, он тоже сильно удивился моей просьбе, пытался отнекиваться. Но я стояла на своем — я-то уж точно рисовать не умею!
И вот… когда мне было уже лет 27, я работала в офисе, а по вечерам отдыхала за компьютером, однажды я почему-то решила попробовать нарисовать глаз человека. Эта задача мне казалась очень сложной, так что я нашла уроки в ютубе, как рисовать глаз. Стала повторять. И — о, чудо! — у меня получился нормальный такой глаз. С тех прошло уже лет 7, и я до сих пор рисую. То глаза, а то и целых халфлингов. Я не посещала курсы или художественные институты, всему училась сама по ютубу, сайтам и книгам.
Я очень быстро начала рисовать персонажей, так это весело и увлекательно. Но своего стиля у меня не было, и каждый раз персонажи выходили разными, но уже тогда проглядывались зачатки моего стиля в акцентах и формах. Например, в одной из первых иллюстраций персонажа, можно увидеть акцент на большие уши, непропорциональные размеры ног по сравнению с туловищем, прорисовка милых деталей одежды, ассоциативная прорисовка кистей рук и крупные почти навыкате глаза. Мы еще поговорим чуть позже, почему мой стиль оказался именно таким 🙂
Что такое “свой стиль” в рисовании персонажа?
Свой стиль — это узнаваемость, повторяющиеся элементы, формы, цветовая гамма и даже тип линии. Когда у художника есть свой стиль, то его рисунки говорят сами за себя, их уже можно не подписывать. Они сами и есть подпись, по ним видно авторство.В принципе художник может владеть разными стилями, может кого-то копировать. В таком случае, работу можно будет даже назвать “стильной”. Но этот стиль может быть неявный и не авторский. А просто “стиль” сам по себе. По этому стилю будет сложно угадать, кто автор, ты будешь гадать — тот или этот. И вроде даже чем-то похоже на Ван Гога.
Агролитм поиска своего стиля в рисовании:
- Нарисовать несколько персонажей, как получится. Чем больше, тем лучше. Разложить их рядом и посмотреть, чем они похожи друг на друга и чем различаются. Найти, что вам нравится в ваших рисунках и что не нравится.
- Посмотреть, какие другие иллюстрации вам по душе, что нравится. Поискать авторов в Instagram и на разных сайтах, в книгах. Выделить из их техники то, что вы точно хотите использоваться у себя и то, что что вам просто нравится, но вы не хотите вносить это в свои рисунки. К примеру, я нашла для много интересно с технике лайнарт на фестивале Inktober:
Inktober — рисовать каждый день!
- Выбрать художественные материалы, которые позволяют вам развивать ваш стиль. Каждому художнику по душе что-то свое. Для того, чтобы выбрать материалы, нужно попробовать все, что есть. Можно сходить в художественный магазин, порисовать разными штукенциями. Нужно для себя понять, как именно вы хотите рисовать — четкими жесткими линиями или размытыми мягкими? Вы хотите использовать яркие цвета или пастельные? Вам нравится рисовать карандашами, ручками, маркерами, красками, пастелью или чем-то еще? От выбора материала сильно зависит конечный вид ваших персонажей.
Как найти свой стиль в рисовании
Какие художественные материалы мне помогли найти свой стиль рисования?
С первых шагов в рисовании я поняла, что мне по душе четкие линии, из которых создается изображение. Этот подход называется в искусстве лайнарт.
Такого эффекта можно добиться даже обычной шариковой или гелевой ручкой, которой я начинала рисовать. Постепенно я узнала про изографы, и началась большая история любви к техническим ручкам. Сейчас у меня три изографа RotRing размером пера 1.0 / 0.5 / 0.1 — этого даже больше чем достаточно. Самые ходовые из них — это 0.5 и 1.0, а тонюсенький 0.1 я тоже иногда использую, но редко. И если выбирать, какой изограф купить первым, это будет однозначно 0.5 — абсолютно универсальная красивая четкая линия, для иллюстрации персонажей самое то!
Следующий мой инструмент — это брашпен (фирмы Pentel). Это что-то вроде ручки с чернилами, но на конце — силиконовая кисточка. С помощью брашпена можно делать линии разной толщины, заливать туда разные чернила… в общем, кайф!
Последнее время мне очень полюбились маркеры Copic Sketch, ими можно создавать абсолютно невероятные по красоте цветовые переходы и сочетания. Рисовать маркерами приятно, как в детстве. Цветовая палитра сводит с ума. Но я бы не советовала начинать поиски своего стиля с маркеров, так как, во-первых, это недешевое удовольствие, и во-вторых, научиться хорошо рисовать маркерами — это отдельная непростая задача.
Рисунки маркерами
Если вам хочется сразу экспериментировать с цветами, то для начала можно использовать акварель, гуашь или акрил. Эти краски быстро сохнут, не слишком дорогие, их хватает на долго. Или сразу перейти к экспериментам в диджитал и рисовать на планшете. Я просто обожаю рисовать стилусом! Я скоро сделаю пост про лучшие аппки для рисования на планшете по Android и iOS. Как раз для поиска своего стиля диджитал рисование — супер вариант!
Можно ли стать иллюстратором, если не умеешь рисовать?
Как вы уже поняли, это как раз мой случай. Так что да, это возможно. Есть, конечно, пара нюансов:
- нужно большое желание и смелость;
- нужно потратить много времени (несколько лет).
В принципе, все. Если вы думаете, что вы не умеете рисовать, это еще ничего не значит. Да, возможно вы рисуете не очень умело, но как-то рисовать умеют абсолютно все, даже самые маленькие дети. Так что вас не должно сильно пугать то, что у вас мало опыта и знаний в сфере иллюстрации и рисования. Рисование — это навык, и его можно и нужно развивать через изучение теории и через практику.
Теория пригодиться в самом начале, когда вы вообще ни бум-бум. Чтобы хоть немного понять, как другие так круто рисуют. Окажется, что есть технологии, всякие приемы, наука. Конечно, можно делать многое интуитивно, экспериментировать. Но если вы просто хотите что-то конкретное нарисовать “похоже”, то следуя определенной логике и приложив усилия, у вас обязательно это получится.
Рисунок / иллюстрация — это иллюзия, которую автор создает, чтобы обманывать зрителя. У людей примерно похожее восприятие пространства, объектов, цветов. Так что через определенные формы и оттенки мы можем вызвать или создать в голове у другого человека образ. Даже с помощью самых простых линий мы уже можем сообщить зрителю, что здесь нарисовано солнце, а здесь — человечек.
Реализм или минимализм?
В иллюстрации мне кажется выигрывает минимализм. Гиперреалистичная иллюстрация может выглядеть странно, а вот минималистичная — привычна всем еще с детских книжек и комиксов. Конечно, нет никаких проблем сделать рисунок персонажа реалистичным. Здесь каждый сам выбирает, что ему ближе. Здесь еще играет роль ваш навык рисунка. Для начинающего художника проще рисовать минималистично, ведь сделать реалистичный рисунок намного сложнее и занимает больше времени. Так будет сложнее искать свой стиль. Мне кажется, что лучше сначала найти себя в простой форме, более минималистичной. И потом уже можно будет ее усложнять, добавлять объемы, тени и полутени, блики и так далее.
Копировать чужой стиль — хорошая или плохая идея?
Я думаю, что это нормальная идея попробовать рисовать в разных стилях для тренировки. Главное, чтобы вас всецело не захватил чей-то конкретный стиль, чтобы вы не стали чьей-то неумелой копией. Вы же все-таки оригинал, так что лучше развивать свое собственное видение. Можно взять себе какие-то отдельные элементы, может быть, кто-то интересно придумал изображать глаза или рот. Вы можете взять эту идею себе, но приложить ее к носу и бровям, например. То есть как-то творчески обработать чужой опыт, а не просто под копирку “слизать” чужое творчество.
Где брать вдохновение для рисования?
Я вдохновляюсь самим процессом рисования. Мне просто нравится водить ручкой по бумаге или стилусом по экрану. Заранее не известно, что получится. В этом есть любопытство и интерес. Просто начинаю что-то рисовать. Смотрю, что вырисовывается. Бывает, что ничего конкретного не получается. А бывает, что получается картина, иллюстрация или рисунок, который я могу опубликовать в интернете или выставить на продажу. Я не ищу вдохновение специально, я просто держу наготове свои художественные материалы, и когда есть желание, то рисую. А если нет желания, то можно заняться чем-то другим.
Какие персонажи лучше “продаются”?
Мне кажется, что купить могут совершенно разные работы. Кому-то нужен строгий стиль, кому-то — фентезийный. Для художника лучше стать самобытным, рисовать в каком-то стиле или нескольких стилях, публиковать свои работы. Если и существует какой-то самый продаваемый стиль в рисовании, то я бы подумала, что это позитивные, ярко-пастельные, четко прорисованные работы, персонажи с эмоциями, какой-то фишечкой. Недавно я встретила иллюстратора, который рисует довольно мрачных персонажей, что-то такое уныло-готишное. Он рисовал и думал, что такое уж точно никто не захочет покупать. И купили, большой заказ был. Так что угадать довольно сложно. Нужно просто идти своей дорогой.
Все надоело — менять свой стиль?
Свой стиль в рисовании — это привилегия, а не клетка. Если вдруг вам надоело рисовать так, то рисуйте иначе. Бывает такой момент, что ты начинаешь какой-то проект, скажем книгу, где все первые рисунки вы сделали в едином стиле, и в середине проекта вам хочется сменить стиль. Вот здесь может быть проблема. Если вы беретесь за большой проект, то нужно как-то постараться выдержать его в общем стиле. Возможно, перемешать ваши рисунки из разных стилей, чтобы не было явного перехода — пол книги так, пол книги иначе. Здесь нужно поразмышлять, возможно, просто доделать проект и потом уже сменить стиль.
А если у меня вообще нет стиля?
Тогда просто рисуйте себе в удовольствие! Может быть, ваш стиль сам со временем проявится. А может быть и нет. Иметь свой какой-то стиль это вовсе не панацея. Можно просто рисовать то так, то эдак. Я думаю, что большинство художников и иллюстраторов на Земле не имеют какого-то четкого стиля, ищут себя, экспериментируют, переходят от одних форм к другим. Исследование и поиск — это же очень интересно!
Примеры живописи, жанры, стили, различные техники и направления. Направления в живописи Все стили рисования список с примерами
Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) — период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.
Шедеврами готического стиля стали знаменитые европейские соборы, которые так любят фотографировать в мельчайших деталях туристы. В оформлении интерьеров готических соборов важная роль отводилась цветовым решениям. В наружном и внутреннем убранстве царило обилие позолоты, светоносность интерьера, ажурность стен, кристаллическая расчлененность пространства. Материя была лишена тяжеловесности и непроницаемости, она была, как бы одухотворена.
Огромные поверхности окон заполняли витражи с композициями, воспроизводившими исторические события, апокрифические сказания, литературные и религиозные сюжеты, изображения бытовых сцен из жизни простых крестьян и ремесленников, которые явили собой уникальную энциклопедию уклада жизни в период средневековья. Кона сверху донизу заполнялись фигурными композициями, которые были заключены в медальоны. Сочетание светового и цветового начала живописи в технике витража придавало повышенную эмоциональность художественным композициям. Использовались самые разные стекла: густо-алые, огненные, красные, цвета граната, зеленые, желтые, темно-синие, голубые, ультрамариновые, вырезанные по контуру рисунка… Окна грели подобно драгоценным самоцветам, пронизанные наружным светом, — они преображали весь интерьер храма и настраивали его посетителей на возвышенный лад.
Благодаря готическому цветовому стеклу зародились новые эстетические ценности, а краски приобрели высочайшую звучность сияющего цвета. Чистый цвет порождал атмосферу воздушной среды, крашенной в различные тона благодаря игре света на колоннах, полу, витражах. Цвет превратился в источник света, углублявший перспективу. Толстые стекла, зачастую неодинаковые, были наполнены не совсем прозрачными пузырьками, усиливавшими художественный эффект от витража. Свет, проходя через неравномерную толщу стекол, дробился и начинал играть.
Лучшие образцы подлинных готических витражей открыты обозрению в соборах Шартра, Буржа и Парижа (например, «Богоматерь с младенцем»). Наполнена не меньшим великолепием, а также «Огненные колеса» и «Мечущие молнии» в соборе Шартра.
С середины 1-ого столетия в красочную гамму начали вводить сложные цвета, получаемые при помощи дублирования стекол. Такие необыкновенные витражи в готическом стиле сохранились в Сент-Шапель (1250г.). коричневой эмалевой краской наносились контуры по стеклу, а формы при этом обладали плоскостным характером.
Готическая эпоха стала временем расцвета искусства миниатюрной книги, а также художественной миниатюры. Усилению светских тенденций в культуре только усилило их развитие. Иллюстрации с многофигурными композициями на религиозную тематику включали различные реалистические детали: изображения птиц, зверей, бабочек, орнаменты растительных мотивов, бытовых сценок. Особым поэтическим очарованием наполнены работы французского миниатюриста Жана Пюсселя.
В развитии французской готической миниатюры 13-14-го столетий ведущее место было занято парижской школой. Псалтырь святого Людовика изобилует многофигурными композициями, обрамленными одним мотивом готической архитектуры, отчего повествование приобретает необычайную стройность (Лувр, Париж, 1270г.). фигуры дам и рыцарей грациозны, их формы отличаются струящимися линиями, что создает иллюзию движения. Сочность и густота красок, а также декоративная архитектура рисунка превращают данные миниатюры в уникальные произведения искусства и драгоценные украшения страниц.
Стиль готической книги отличают заостренные формы, угловатый ритм, беспокойность, филигранность ажурного узора и топкость извилистых линий. Стоит отметить, что в 14-15-ом столетии светские рукописи также иллюстрировались. Часословы, научные трактаты, сборники любовных песен и хроники наполнены великолепными миниатюрами. В миниатюре, иллюстрировавшей произведения куртуазной литературы, воплотился идеал рыцарской любви, а также сцены из обычной окружающей жизни. Подобное творение – рукопись Манес (1320г.).
Со временем в готике усилилась повествовательность. «Большие французские хроники» кона 14-го столетия наглядно демонстрирую стремление художника проникнуть в смысл изображаемого им события. Наряду с этим книгам придавалась декоративная нарядность путем использования изысканных виньеток и рамок причудливых форм.
Готическая миниатюра оказала большое влияние на живопись и внесла живую струю в искусство Средневековья. Готика стала не просто стилем, а важным звеном в общем культурном развитии общества. Мастера стиля с невероятной точностью смогли воспроизвести образ своего современника в предметной и природной среде. Величавые и одухотворенные готические произведения окружены аурой неповторимого эстетического обаяния. Готика породила новое понимание синтеза искусств, а ее реалистические завоевания подготовили почву для перехода к искусству эпохи Возрождения.
Стили и направления живописиЧисло стилей и направлений огромно, если не бесконечно. Стили в искусстве не имеют четких границ, они плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает.
Абстракционизм (от лат. abstractio — удаление, отвлечение) — художественное направление в искусстве, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм.
Авангардизм, авангард (от фр. avant-garde — передовой отряд) — общее название художественных направлений в искусстве XX века, для которых характерны поиск новых форм и средств художественного отображения, недооценка или полное отрицание традиций и абсолютизация новаторства.
Академизм (от фр. academisme) — направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.
Акционизм (от англ. action art — искусство действия) — хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью.
Ампир (от франц. empire — империя) — стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир — финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789))
Андеграунд (от англ. underground — подполье, подземелье) — ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.
Ар нуво (от фр. art nouveau, буквально — новое искусство) — распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.
Арт деко (от фр. art deco, сокр. от decoratif) — направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка (1898-1980).
Барокко (от итал. barocco — странный, причудливый или от порт. perola barroca — жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.
Возрождение, или Ренессанс (от фр. renaissance, итал. rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520), Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576), Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516), Альбрехт Дюрер (1471-1528).
Вудленд (от англ. — лесная земля) — стиль в искусстве, берущий начало в символике наскальных изображений, мифах и легендах североамериканских индейцев.
Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) — период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.
Импрессионизм (от фр. impression — впечатление) — направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине XIX века, главной целью которого была передача мимолетных, изменчивых впечатлений.
Китч, кич (от нем. kitsch — безвкусица) — термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч — разновидность постмодернизма. Китч — это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.
Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль в искусстве, основой которого являлось обращение, как к идеальному эстетическому эталону, к образам и формам античного искусства и эпохи Возрождения, требующий строгого соблюдения ряда правил и канонов.
Космизм (от греч. kosmos — организованный мир, kosma — украшение) — художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.
Кубизм (от фр. cube — куб) — модернистское направление в искусстве, изображавшее предметы действительности разложенными на простейшие геометрические фигуры.
Леттризм (от англ. letter — письмо, послание) — направление в модернизме, основанное на использовании изображений похожих на шрифт, нечитаемый текст, а также композиций на основе букв и текста.
Метареализм, метафизический реализм (от греч. meta — между и геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, основная идея которого выразить сверхсознание, сверхфизическую природу вещей.
Минимализм (произошло от англ. minimal art — минимальное искусство) — художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства.
Модерн (произошло от фр. moderne — новейший, современный) — художественный cтиль в иcкyccтвe, в котором пepeocмыcливaются и cтилизуются чepты иcкyccтвa paзныx эпox при помощи xyдoжecтвeнных пpиeмов, ocнoвaнных нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти.
Неопластицизм — одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение «Стиль». Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к «универсальной гармонии», выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).
Примитивизм, наивное искусство, наив — стиль живописи, в котором картина намеренно упрощается, её формы делаются примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека.
Оп-арт (от англ. optical art — оптическое искусство) — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве, в котором эффекты пространственного перемещения, слияния и «парения» форм достигаются введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечением спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.
Ориентализм (от лат. oriens — восток) — направление в европейском искусстве в котором используются тематика, символика и мотивы Востока и Индокитая
Орфизм (от фр. orphisme, от Orp?ee — Орфей) — направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.
Поп-арт (от англ. pop — отрывистый звук, лёгкий хлопок) — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве, в котором реальностью являются типичные предметы современного урбанизированного быта, образцы массовой культуры и всей окружающей человека искусственной материальной среды
Постмодернизм (от фр. postmodernisme — после модернизма) — новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно объединение в рамках одного произведения стилей, образных мотивов и художественных приемов, заимствованных из разных эпох, регионов и субкультур.
Реализм (от лат. геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности.
Рококо (происходит от фр. rococo, rocaille) — стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.
Символизм (от фр. symbolisme — знак, опознавательная примета) — художественное направление в искусстве, основанное на воплощении основных идей произведения посредством многозначной и многоликой ассоциативной эстетики символов.
Социалистический реализм, соцреализм — художественное направление в искусстве, представляющее собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленное эпохой социалистического общества.
Гиперреализм, суперреализм, фотореализм (от англ. hyperrealism — сверх реализм) — направление в искусстве, основанное на точном фотографическом воспроизведение действительности.
Сюрреализм (от фр. surrealisme — сверх + реализм) — одно из направлений модернизма, основная идея которого выразить подсознание (совместить сон и реальность).
Трансавангард (от лат. trans — сквозь, через и фр. avantgarde — авангард) — одно из современных направлений постмодернизма, возникшее как реакция на концептуализм и поп-арт. Трансавангард охватывает смешения и трансформации стилей, родившихся в авангарде, таких как кубизм, фовизм, футуризм, экспресионизм и др.
Экспрессионизм (произошло от фр. expression — выразительность) — модернистское направление в искусстве, рассматривающее изображение внешнего мира лишь как средство для выражения субъективных состояний автора.
Продолжаем раздел «Рукоделие » и подраздел « » статьёй . Где предлагаем вам определения нескольких известных и неизвестных современных и не очень стилей, а также проиллюстрируем их как можно более понятно.
Стили искусства в картинках нужны, в частности, для того, чтобы вы смогли узнать, в каком стиле вы рисуете (или рукоделите в общем), или какой стиль вам подходит больше всего для рисования.
Начнём мы со стиля, который называется «реализм». Реализм — это эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. Существует множество подстилей реализма — критический реализм, социалистический реализм, гиперреализм, натурализм и множество других. В более широком смысле слова реализм — это способность искусства правдиво, неприкрашенно изображать человека и окружающий его мир в жизнеподобных, узнаваемых образах, при этом не копируя пассивно и бесстрастно натуру, а отбирая в ней главное и стремясь передать в видимых формах сущностные качества предметов и явлений.
Пример: В. Г. Худяков. Контрабандисты (кликните для увеличения):
Теперь перейдём к стилю под названием «импрессионизм». Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — стиль, где художники старались наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.
Пример: Дж. Уильям Тёрнер (кликните для увеличения):
Далее по списку у нас намного менее известный, чем импрессионизм и реализм, стиль под названием «фовизм». Фовизм (от фр. fauve — дикий) — название образовалось, так как картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы.
Следующий стиль — модерн. Модерн — (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, где основой был отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.
Пример архитектуры в стиле модерн — в статье «Волшебные дома Гауди «. Пример картины в стиле модерн: А. Муха «Закат» (кликните для увеличения):
Затем перейдём далее. Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — выражение эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. В экспрессионизме идея эмоционального воздействия, аффектации была поставлена в противовес натурализму и эстетизму. Подчеркивалась субъективность творческого акта.
Пример: Ван Гог, «Звёздная ночь над Роной»:
Следующее течение, которого мы коснёмся — это кубизм. Кубизм (фр. Cubisme) — направление в изобразительном искусстве, характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
Далее стиль под названием «футуризм». Название стиля футуризм произошло от латинского futurum — будущее . Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. Свои картины футуристы посвящали поезду, автомобилю, самолётам — словом, внимание было на все сиюминутные достижения цивилизации, упоённой техническим прогрессом. Футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы.
И теперь переходим к стилю под названием «абстракционизм». Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.
Пример: В. Кандинский:
Далее у нас по списку течение «дадаизм». Дадаизм , или дада — название течения происходит от нескольких источников: на языке негритянского племени Кру оно означает хвост священной коровы, в некоторых областях Италии так называют мать, это может быть обозначением детской деревянной лошадки, кормилицы, удвоенным утверждением в русском и румынском языках. Это могло быть и воспроизведением бессвязного младенческого лепета. Во всяком случае дадаизм — это нечто совершенно бессмысленное, что отныне и стало самым удачным названием для всего течения.
И теперь мы переходим к супрематизму. Супрематизм (от лат. supremus — наивысший) — выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.
Пример: Казимир Малевич:
Следующее течение, которое мы вкратце рассмотрим — это течение со странным названием «метафизическая живопись». Метафизическая живопись (итал. Pittura metafisica) — здесь метафора и мечта становятся основой для выхода мысли за рамки обычной логики, а контраст между реалистически точно изображенным предметом и странной атмосферой, в которую он помещен, усиливал ирреальный эффект.
Пример — Джорджо Моранди. Натюрморт с манекеном:
И теперь мы переходим к очень интересному течению по имени «сюрреализм». Сюрреализм (фр. surréalisme — сверхреализм) в основе имеет совмещение сна и реальности. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одним из величайших представителей сюрреализма в живописи стал Сальвадор Дали.
Пример: Сальвадор Дали:
Далее мы переходим к такому течению, как активная живопись. Активная живопись (живопись по интуиции, ташизм, от французского Tachisme, от Tache — пятно) — течение, которое представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.
Предпоследний на сегодня стиль — это поп-арт. Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) порождает произведения искусства, для которых были использованы элементы „народной культуры“. То есть, Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст (например, изменяются масштаб и материал; обнажается приём или технический метод; выявляются информационные помехи и так далее).
Пример: Ричард Гамильтон, «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»:
Соответственно, последнее на сегодня направление — минимализм. Минимал арт (англ. Minimal art), также Минимализм (англ. Minimalism), Иску́сство ABC (англ. ABC Art) — это течение, которое включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.
Таким образом, существует огромное количество стилей искусства — которые преследуют свои собственные цели.
Стилем называют общее направление развития искусства, репрезентативные образцы которого объединены идейным смыслом, техникой передачи, характерными приемами творческой деятельности. Стили в искусстве живописи тесно переплетались, перерастали в сродные направления, существовали параллельно, обогащая друг друга.
Живописные стили и направления формировались под влиянием идеологии, политического и экономического развития общества, религии, традиций.
История развития
История развития стилей демонстрирует сложную культурную эволюцию общества.
Готика
Зародилась во Франции в XI – XII веках. Стиль развивался на территории Западной, а с XIII – XIV веков – в Центральной Европы. Зарождение и эволюция этого направления находились под существенным влиянием церкви. Средние века – период доминирования церковной власти над светской, поэтому готические художники работали с библейскими сюжетами. Отличительными особенностями стиля являются: яркость, вычурность, динамичность, эмоциональность, помпезность, невнимание к перспективе. Картина не выглядит монолитной – она смотрится, словно мозаика из нескольких действий, изображенных на холсте.
Ренессанс или Возрождение
Пришел из Италии в XIV века. Около 200 лет это направление было доминирующий и стало основой для развития рококо и Северного Возрождения. Характерные художественные черты картин: возвращение к традициям античности, культ человеческого тела, интерес к деталям, гуманистические идеи. Это направление было сконцентрировано не на религии, а на светской стороне жизни. Отличалось Северное Возрождение Голландии и Германии – здесь Возрождение воспринималось, как обновление духовности и христианской веры, предшествовавшее Реформации. Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти.
Маньеризм
Направление в развитии живописи XVI века. Идейно противоположное Возрождению. Художники отходили от идеи совершенства человека и гуманизма в сторону субъективизации искусства, ориентации на внутренний смысл явлений и объектов. Название стиля происходит от итальянского слова «манера», что полностью отображает суть маньеризма. Представители: Я.Понтормо, Дж.Вазари, Брозино, Ж.Дюве.
Барокко
Пышный, динамичный, роскошный стиль живописи и культуры, зародившийся в Италии в XVI веке. На протяжении 200 лет направление развивалось во Франции, Германии, Испании. Барочная живопись полна яркими красками, особое внимание уделяется деталям, украшениям. Изображение не статично, эмоционально, поэтому барокко считают наиболее напряженным и выразительным этапом развития живописи.
Классицизм
Возник в западноевропейских странах в XVII веке, через 100 лет он добрался до стран Восточной Европы. Главная идея – возврат к традиции античности. Портреты, пейзажи, натюрморты легко узнать, благодаря догматическому воспроизведению, выполнению четких правил стиля. Классицизм переродился в академизм – стиль, которые впитал наиболее яркие черты античности и Ренессанса. В этом стиле работали Н.Пуссен, Ж.-Л.Давид, российские передвижники.
Романтизм
Сменил классицизм во второй четверти XIX века. Художественные черты: стремление к передаче индивидуальности, даже если она несовершенна, эмоциональность, выразительность чувств, фантастичность образов. Искусство художников-романтистов отрицает нормы и правила классического этапа развития живописи. Возрождается интерес к народным традициям, легендам, национальной истории. Представители: Ф.Гойя, Т.Жерико, К.Брюллов, Э.Делакруа.
Символизм
Культурное направление конца XIX – XX века, идеологическую базу почерпнул у романтизма. На первом месте в творчестве был символ, а художник был посредником между реальностью и фантастическим миром творчества.
Реализм
Художественные изыскания, которые на первый план ставят точность передачи форм, параметров, оттенков. Характерны натуральность, точность воплощения внутренней сути и внешней оболочки. Этот стиль наиболее масштабный, популярный и многогранный. Его ответвлениями являются современные направления – фото и гиперреализм. Представители: Г.Курбе, Т.Руссо, художники-передвижники, Ж.Бретон.
Импрессионизм
Зародился в конце XIX – начале XX века. Родина – Франция. Суть стиля – воплощение в картине магии первого впечатления. Этот короткий миг художники передавали при помощи коротких мазков краской по полотну. Такие картины лучше воспринимать не с близкого расстояния. Работы художников наполнены красками и светом. Постимпрессионизм стал фазой развития стиля – для него характерно большее внимание к форме и контурам. Художники: О.Ренуар, К.Писсарро, К.Моне, П.Сезанн.
Модерн
Самобытный, яркий стиль, который стал основой для формирования многих живописных направлений XX века. Направление собрало черты искусства всех эпох – эмоциональность, интерес к орнаментам, пластичность, преобладание плавных, криволинейных очертаний. Основой для развития стал символизм. Модерн неоднозначен – развивался в странах Европы по-разному и под разными наименованиями.
Авангардизм
Художественные стили, для которых характерен отказ от реалистичности, символизм передачи информации, яркость красок, индивидуализация и свобода творческого замысла. К категории авангардных относят: сюрреализм, кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Представители: В.Кандинский, П.Пикассо, С.Дали.
Примитивизм или наивный стиль
Направление, для которого характерно упрощенное изображение реальности.
Перечисленные стили стали главными вехами в развитии живописи – они продолжают перевоплощаться в новые формы творческого самовыражения художников.
Один из основных способов нашего мышления. Его результат — образование наиболее общих понятий и суждений (абстракций). В декоративном искусстве абстрагирование — это процесс стилизации природных форм.
В художественной деятельности абстрагирование присутствует постоянно; в своем крайнем выражении в изобразительном творчестве оно ведет к абстракционизму, особому направлению в изобразительном искусстве XX в., для которого характерны отказ от изображения реальных объектов, предельное обобщение или полный отказ от формы, беспредметные композиции (из линий, точек, пятен, плоскостей и др.), эксперименты с цветом, спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, неорганизованных абстрактных формах (абстрактный экспрессионизм). К этому направлению можно отнести живопись русского художника В. Кандинского.
Представители некоторых течений в абстрактном искусстве создавали логически упорядоченные конструкции, перекликаясь с поисками рациональной организации форм в архитектуре и дизайне (супрематизм русского живописца К. Малевича, конструктивизм и др.) В скульптуре абстракционизм выразился меньше, чем в живописи.
Абстракционизм был откликом на общую дисгармонию современного мира и имел успех потому, что провозглашал отказ от сознательного в искусстве и призывал «уступить инициативу формам, краскам, цвету».
Реализм
От фр. realisme, от лат. realis — вещественный. В искусстве в широком смысле правдивое, объективное, всестороннее отражение действительности специфическими средствами, присущими видам художественного творчества.
Общими признаками метода реализма является достоверность в воспроизведении действительности. Вместе с тем реалистическое искусство обладает огромным разнообразием способов познания, обобщения, художественного отражения действительности (Г.М. Коржев, М. Б. Греков, А.А. Пластов, А. М. Герасимов, Т. Н. Яблонская, П. Д. Корин и др.)
Реалистическое искусство XX в. приобретает яркие национальные черты и многообразие форм. Реализм — явление противоположное модернизму.
Авангардизм
От фр. avant — передовой, garde — отряд — понятие, определяющее экспериментальные, модернистские начинания в искусстве. В каждую эпоху возникали новаторские явления в изобразительном искусстве, но термин «авангардизм» утвердился только в начале XX в. В это время появились такие направления, как фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Затем в 20-е и 30-е годы авангардистские позиции занимает сюрреализм. В период 60-70-х годов добавляются новые разновидности абстракционизма — различные формы акционизма, работа с предметами (поп-арт), концептуальное искусство, фотореализм, кинетизм и др. Художники-авангардисты выражают своим творчеством своеобразный протест против традиционной культуры.
Во всех авангардистских направлениях, несмотря на их большое разнообразие, можно выделить общие черты: отказ от норм классического изображения, формальная новизна, деформация форм, экспрессия и различные игровые преобразования. Все это приводит к размыванию границ между искусством и реальностью (реди-мейд, инсталляция, энвайромент), созданию идеала открытого произведения искусства, непосредственно вторгающегося в окружающую среду. Искусство авангардизма рассчитано на диалог художника и зрителя, активное взаимодействие человека с художественным произведением, соучастие в творчестве (например, кинетическое искусство, хэппенинг и др.).
Произведения авангардистских направлений порой теряют изобразительное начало и приравниваются к объектам окружающей действительности. Современные направления авангардизма тесно переплетаются, образуя новые формы синтетического искусства.
Андерграунд
Англ. underground — подполье, подземелье. Понятие, означающее «подпольную» культуру, противопоставившую себя условностям и ограничениям традиционной культуры. Выставки художников рассматриваемого направления часто проходили не в салонах и галереях, а прямо на земле, а также в подземных переходах или метро, которое в ряде стран называют андеграундом (подземкой). Вероятно, данное обстоятельство также повлияло на то, что за данным направлением в искусстве XX в. утвердилось это название.
В России понятие андеграунд стало обозначением сообщества художников, представлявших неофициальное искусство.
Сюрреализм
Фр. surrealisme — сверхреализм. Направление в литературе и искусстве XX в. сложившееся в 1920-х годах. Возникнув во Франции по инициативе писателя А. Бретона, сюрреализм скоро стал международным направлением. Сюрреалисты считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза, болезненного бреда, внезапных озарений, автоматических действий (случайное блуждание карандаша по бумаге и др.)
Художники-сюрреалисты в отличие от абстракционистов не отказываются от изображения реально существующих предметов, но представляют их в хаосе, нарочито лишенными логических взаимосвязей. Отсутствие смысла, отказ от разумного отражения действительности — основной принцип искусства сюрреализма. Об оторванности от реальной жизни говорит и само название направления: «сюр» по-французски «над»; художники не претендовали на отражение действительности, а мысленно помещали свои творения «над» реализмом, выдавая за произведения искусства бредовые фантазии. Так, в число сюрреалистических картин вошли аналогичные, не поддающиеся объяснению работы М. Эрнста, Дж. Миро, И. Танги, а также предметы, обработанные сюрреалистами до неузнаваемости (М. Оппенгейм).
Сюрреалистическое направление, которое возглавлял С. Дали, основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего в подсознании. Его картины отличаются тщательной манерой письма, точной передачей светотени, перспективы, что характерно для академической живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, несовместимые объекты скручиваются и выворачиваются, массивные объемы приобретают невесомость, и все это создает образ невозможный в реальности.
Известен такой факт. Однажды на выставке перед произведением С. Дали долго стоял зритель, внимательно вглядываясь и пытаясь понять смысл. Наконец в полном отчаянии он громко сказал: «Я не понимаю, что это значит!» Возглас зрителя услышал находившийся на выставке С. Дали. «Как вы можете понять, что это значит, если я сам не понимаю», — заявил художник, выразив таким образом основной принцип сюрреалистического искусства: писать картины не думая, не размышляя, отказавшись от разума и логики.
Выставки произведений сюрреалистов сопровождались, как правило, скандалами: зрители возмущались, глядя на нелепые, непонятные картины, считали, что их обманывают, мистифицируют. Сюрреалисты обвиняли зрителей, заявляли, что те отстали, не доросли до творчества «передовых» художников.
Общие особенности искусства сюрреализма фантастика абсурда, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов. Художники обращались к имитации первобытного искусства, творчества детей и душевнобольных.
Художники этого направления хотели создать на своих полотнах реальность, не отражающую действительность, подсказанную подсознанием, но на практике это выливалось в создание патологически отталкивающих образов, эклектику и китч (нем. — kitsch; дешевка, безвкусная массовая продукция рассчитанная на внешний эффект).
Отдельные находки сюрреалистов использовались в коммерческих областях декоративного искусства, например оптические иллюзии, позволяющие видеть на одной картине два различных изображения или сюжета в зависимости от направления взгляда.
Произведения сюрреалистов вызывают самые сложные ассоциации, могут отождествляться в нашем восприятии со злом. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство, отчаяние — эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях сюрреалистов, активно воздействуя на зрителя, абсурдность произведений сюрреализма действует на ассоциативное воображение и психику.
Сюрреализм представляет собой противоречивое художественное явление. Многие действительно передовые деятели культуры, сознавая, что это направление разрушает искусство, впоследствии отказались от сюрреалистических взглядов (художники П. Пикассо, П. Клее и др., поэты Ф. Лорка, П. Неруда, испанский режиссер Л. Бунюэль, снявший сюрреалистические фильмы). К середине 1960-х годов сюрреализм сменился новыми, еще более броскими направлениями модернизма, но причудливые, большей частью уродливые, бессмысленные произведения сюрреалистов до сих пор заполняют залы музеев.
Модернизм
Фр. modernisme, от лат. modernus — новый, современный. Собирательное обозначение всех новейших течений, направлений, школ и деятельности отдельных мастеров искусства XX в., порывающих с традицией, peaлизмом и считающих эксперимент основой творческого метода (фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт, оп-арт, кинетическое искусство, гиперреализм и др.). Модернизм близок по значению авангардизму и противоположен академизму. Модернизм негативно оценивался советскими искусствоведами как кризисное явление буржуазной культуры. Искусство обладает свободой выбора своих исторических путей. Противоречия модернизма, как такового, необходимо рассматривать не статично, а в исторической динамике.
Поп-арт
Англ. pop art, от popular art — популярное искусство. Направление в искусстве Западной Европы и США с конца 1950-х годов. Расцвет поп-арта пришелся на бурные 60-е годы, когда во многих странах Европы и Америки вспыхнули бунты молодежи. Молодежное движение не имело единой цели — его объединял пафос отрицания.
Молодые люди готовы были выбросить за борт всю прошлую культуру. Все это нашло отражение в искусстве.
Отличительная черта поп-арта сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково безобразно, одинаково достойно или не достойно. Пожалуй, только рекламный бизнес основан на таком же бесстрастно-деловитом отношении ко всему на свете. Не случайно именно реклама оказала огромное влияние на поп-арт, а многие его представители работали и работают в рекламных центрах. Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на кусочки и соединить в нужной им комбинации стиральный порошок и известный шедевр искусства, зубную пасту и фугу Баха. Точно также поступает и поп-арт.
Мотивы массовой культуры эксплуатируются поп-артом по-разному. В картину вводятся посредством коллажа или фотоснимков реальные объекты, как правило, в неожиданных или совершенно абсурдных сочетаниях (Р. Раушенберг, Э. Уор Хол, Р. Хэмилтон). Живопись может имитировать композиционные приемы и технику рекламных щитов, картинка комикса может быть увеличена до размеров большого полотна (Р. Лихтенстейн). Скульптура может сочетаться с муляжами. Например, художник К. Олденбург создавал подобия витринных муляжей пищевых продуктов огромных размеров из необычных материалов.
Между скульптурой и живописью часто нет границы. Художественное произведение поп-арта нередко не только имеет три измерения, но и заполняет собой целиком выставочное помещение. В силу таких преобразований исходный образ объекта массовой культуры преобразуется и воспринимается совсем иначе, чем в реальном бытовом окружении.
Основной категорией поп-арта является не художественный образ, а его «обозначение», избавляющее автора от рукотворного процесса его создания, изображения чего-либо (М. Дюшан). Этот процесс был введен с целью расширения понятия искусства и включения в него нехудожественной деятель-ности, «выхода» искусства в область массовой культуры. Художники поп-арта были инициаторами таких форм, как хэппенинг, предметная инсталляция, энвайромент и других форм концептуального искусства. Аналогичные течения: андеграунд, гиперреализм, оп-арт, реди-мейд и др.
Оп-арт
Англ. ор art, сокращ. от optical art — оптическое искусство. Направление в искусстве XX в., получившее широкое распространение в 1960-х годах. Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Эффекты пространственного перемещения, слияния, парения форм достигались введением ритмических повторов, резких цветовых и тональных контрастов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. В оп-арте часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции (рассмотрены далее в разделе кинетическое искусство). Иллюзии струящегося движения, последовательной смены образов, неустойчивой, непрерывно перестраивающейся формы возникают в оп-арте только в ощущении зрителя. Направление продолжает техническую линию модернизма.
Кинетическое искусство
От гр. kinetikos — приводящий в движение. Направление в современном искусстве, связанное с широким применением движущихся конструкций и других элементов динамики. Кинетизм как самостоятельное направление оформился во второй половине 1950-х годов, однако ему предшествовали опыты создания динамической пластики в русском конструктивизме (В. Татлин, К. Мельников, А. Родченко), дадаизме.
Раньше народное искусство также демонстрировало нам образцы движущихся объектов и игрушек, например деревянные птицы счастья из Архангельской области, механические игрушки, имитирующие трудовые процессы, из села Богородское и др.
В кинетическом искусстве движение вводится по-разному некоторые произведения динамически преобразуются самим зрителем, другие — колебаниями воздушной среды, а третьи приводятся в движение мотором или электромагнитными силами. Бесконечно разнообразие используемых материалов — от традиционных до сверхсовременных технических средств, вплоть до компьютеров и лазеров. Часто в кинетических композициях применяют зеркала.
Во многих случаях иллюзия движения создается меняющимся освещением — здесь кинетизм смыкается с оп-артом. Приемы кинетизма широко используются при организации выставок, ярмарок, дискотек, в оформлении площадей, парков, общественных интерьеров.
Кинетизм стремится к синтезу искусств: движение объекта в пространстве может дополняться эффектами освещения, звуком, светомузыкой, кинофильмом и др.
Приемы современного (авангардистского) искусства
Гиперреализм
Англ. hyperrealism. Направление в живописи и скульптуре, возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве 70-х годов XX в.
Другое название гиперреализма — фотореализм.
Художники этого направления имитировали фото живописными средствами на холсте. Они изображали мир современного города: витрины магазинов и ресторанов, станции метро и светофоры, жилые здания и прохожих на улицах. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств.
Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило, распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить проявление индивидуального почерка художника.
Кроме этого, посетители выставок этого направления могли встретить в залах человеческие фигуры, выполненные из современных полимерных материалов в натуральную величину, одетые в готовое платье и раскрашенные таким образом, что они совершенно не отличались от зрителей. Это вызывало много путаницы и шокировало людей.
Фотореализм поставил своей задачей обострить наше восприятие обыденности, символизировать современную среду, отразить наше время в формах «технических искусств», широко распространившихся именно в нашу эпоху технического прогресса. Фиксируя и обнажая современность, скрывая авторские эмоции, фотореализм в своих программных работах оказался на границе изобразительного искусства и чуть ее не переступил, потому что стремился соперничать с самой жизнью.
Реди-мейд
Англ. ready made — готовый. Один из распространенных приемов современного (авангардистского) искусства, состоящий в том, что предмет промышленного производства вырывается из привычной бытовой обстановки и экспонируется в выставочном зале.
Смысл реди-мейда заключается в следующем: при смене окружения изменяется и восприятие объекта. Зритель видит в предмете, выставленном на подиуме, не утилитарную вещь, а художественный объект, выразительность формы и цвета. Название реди-мейд впервые в 1913 — 1917 годы применил М. Дюшан по отношению к своим «готовым объектам» (расческе, велосипедному колесу, сушилке для бутылок). В 60-х годах реди-мейд получил широкое распространение в различных направлениях авангардистского искусства, особенно в дадаизме.
Инсталляция
От англ. installation — установка. Пространственная композиция, созданная художником из различных элементов — бытовых предметов, промышленных изделий и материалов, природных объектов, текстовой или визуальной информации. Основоположниками инсталляции были дадаист М. Дюшан и сюрреалисты. Создавая необычные сочетания обычных вещей, художник придает им новый символический смысл. Эстетическое содержание инсталляции в игре смысловых значений, которые изменяются в зависимости от того, где находится предмет — в привычном бытовом окружении или в выставочном зале. Инсталляцию создавали многие художники авангарда Р. Раушенберг, Д. Дайн, Г. Юккер, И. Кабаков.
Инсталляция — форма искусства, широко распространенная в XX в.
Энвайронмент
Англ. environment — окружение, среда. Обширная пространственная композиция, охватывающая зрителя наподобие реального окружения, одна из форм, характерная для авангардистского искусства 60-70-х годов. Энвайронмент натуралистического типа, имитирующий интерьер с фигурами людей, создавали скульптуры Д. Сегал, Э. Кинхольц, К. Олденбург, Д. Хэнсон. Подобные повторения реальности могли включать элементы бредовой фантастики. Другой тип энвайронмента представляет собой игровое пространство, предполагающее определенные действия зрителей.
Хэппенинг
Англ. happening — случающееся, происходящее. Разновидность акционизма, наиболее распространенного в авангардистском искусстве 60-70-х годов. Хэппенинг развивается как событие, скорее спровоцированное, чем организованное, однако инициаторы действия обязательно вовлекают в него и зрителей. Хэппенинг возник в конце 50-х годов как форма театра. В дальнейшем организацией хэппенинга чаще всего непосредственно в городской среде или на природе занимаются художники.
Они рассматривают эту форму как род движущегося произведения, в котором окружающая среда, предметы играют не меньшую роль, чем живые участники акции.
Действие хэппенинга провоцирует свободу каждого участника и манипуляцию предметами. Все действия развиваются по предварительно намеченной программе, в которой, однако, большое значение отводится импровизации, дающей выход различным бессознательным побуждениям. Хеппенинг может включать элементы юмора и фольклора. В хэппенинге ярко выразилось стремление авангардизма к слиянию искусства с течением самой жизни.
И наконец самый передовой вид современного искусства — Суперплоскость
Суперплоскость
Superflat — термин, придуманный современным японским художником Такаси Мураками (Takashi Murakami).
Термин Superflat создан для того, чтобы объяснить новый визуальный язык, активно применяемый поколением молодых японских художников, таких как Такаси Мураками: «Я думал о реалиях японского рисунка и живописи и о том, как они отличаются от западного искусства. Для Японии важно ощущение плоскости. Наша культура не обладает 3D-формами. 2D-формы, утвержденные в исторической японской живописи, сродни простому, плоскому визуальному языку современной анимации, комиксов и графического дизайна».
8 различных стилей рисования, которые вы захотите поэкспериментировать с
стоковых фотографий от thanasus / Shutterstock
Рисование — это основа многих творческих практик, от архитекторов до модельеров, аниматоров и художников. Используя лист бумаги и ручку или карандаш, возможности для самовыражения безграничны. И, используя разные техники рисования, невероятно видеть, сколько разных способов рисовать.
Существует бесчисленное количество стилей рисования , которые необходимо изучить и изучить, каждый из которых передает свой конечный продукт.Естественно, разные типы иллюстраций требуют от художника разных навыков. Некоторые из них довольно подробны и дотошны, требуя большого терпения, в то время как другие работают хорошо, когда художник может быть свободным и свободным в своих мазках.
Самые опытные иллюстраторы не придерживаются только одного типа рисунка, а свободно экспериментируют, чтобы расширить свои навыки. Конечно, они могут специализироваться на одном конкретном способе рисования, но, проявляя гибкость в своей работе, они могут тестировать разные стили рисования и возвращать эти уроки в свою основную работу.Например, Леонардо да Винчи может быть известен своей моделью Mona Lisa , но он также был известен тем, что заполнял сотни записных книжек изысканными законченными набросками и спонтанными каракулями.
Если вы хотите создать свой собственный стиль, попробуйте поиграть с этими разными типами рисунков, чтобы понять, какое положительное влияние они окажут на ваш творческий рост.
Различные типы стилей рисования
Рисование линииСтоковые фотографии из DODOMO / Shutterstock
В то время как линии составляют основу всех стилей рисования, линейные рисунки используют контуры без штриховки для создания запоминающихся эскизов.Если вы действительно хотите тренировать свои навыки рисования, попробуйте рисовать непрерывными линиями. В этом упражнении ручка или карандаш никогда не отрывается от листа бумаги, поэтому конечный результат формируется из одной единственной линии.
ДудлингПОДРОБНЕЕ: Художник превращает случайные тени повседневных предметов в игривые каракули причудливых фигур
Хотя мы можем думать о рисовании как о бессмысленном прошлом, этот тип рисования — прекрасный способ дать волю своему подсознанию.Великие художники, такие как Леонардо да Винчи, известны своими каракулями, которые заполняют поля его блокнотов. Иллюстратор Винсент Бал играет с тенями и формами, которые он находит в повседневной жизни, и превращает их в причудливые произведения искусства с помощью своих каракулей. Дудлы, предназначенные для выполнения быстро и с простыми, четкими линиями, — это прекрасные мгновенные впечатления от мира, который находится перед нами.
МультфильмСтоковые фотографии от Gil C / Shutterstock
Мультфильмы имеют долгую историю, восходящую к печатным журналам 19 века, когда они использовались в качестве сатирических и комических иллюстраций.Карикатура — это большая категория, развивающаяся с течением времени. Некоторые разные стили мультфильмов включают карикатуру, аниме или мангу и классический Дисней. Играть с мультяшными рисунками означает освободиться от гиперреалистичных представлений, но при этом попытаться передать суть фигуры в полуреалистичной манере.
ПуантилизмПОДРОБНЕЕ: Художник часами воссоздает красоту природы с миллионами нарисованных от руки точек
Хотя мы часто ассоциируем пуантилизм с постимпрессионистскими картинами Жоржа Сёра, эта техника и стиль также хорошо подходят для рисования.Расставляя сотни или даже тысячи крошечных точек, художники могут создавать свет и тень. Результаты часто могут быть шокирующе реалистичными: зрители понимают, что точки, а не линии, использовались только при внимательном рассмотрении готового произведения искусства.
Фотореализм / гиперреализмДля художников, работающих в фотореалистичном или гиперреалистичном стиле рисования, ключевым моментом является терпение. Сотни часов можно провести перед любым произведением искусства, чтобы довести его до уровня, похожего на фотографию.Хотя портретная живопись является популярным предметом для гиперреалистичных рисунков, вам не нужно ограничивать себя. Например, художник Си Джей Хендри использует цветной карандаш, чтобы нарисовать на краске разноцветные капли, которые выглядят настолько реалистично, что вам захочется окунуть в них кисть.
АрхитектурныйПОДРОБНЕЕ: Эти крошечные рисунки самых красивых церквей Европы содержат множество деталей
Этот тип рисунка может быть чрезвычайно техническим, но не менее художественным. Хотя архитектурный рисунок — это навык, который часто оттачивают в мире дизайна, не архитекторы все еще могут создавать потрясающие произведения искусства.Независимо от того, рисуете ли вы точную копию исторического здания, такого как Нотр-Дам, или создаете свой собственный фантастический образец архитектуры, точность и внимание к деталям необходимы.
АнаморфныйДругой технический стиль — трехмерные рисунки, требующие мастерства в перспективе для создания глубины и иллюзий. Хотя для того, чтобы освоиться, может потребоваться определенная практика, в результате получаются ошеломляющие и удивительные произведения искусства, которые порадуют зрителей. Иногда это называется анаморфным рисунком. На YouTube есть множество отличных руководств по рисованию, которые могут помочь новичкам освоить этот стиль.
МодаФотографии от доктора Блэка / Shutterstock
Используемая дизайнерами для воплощения своих идей на бумаге, модная иллюстрация часто требует быстрых жестов, которые передают суть предмета одежды. На этих рисунках обычно изображены длинные удлиненные фигуры, имитирующие рост моделей, и, поскольку акцент делается на одежде, а не на лице, черты лица часто отсутствуют или минимальны. В самой модной иллюстрации есть много разных стилей, некоторые грубее, а другие более изысканные.
Готовы начать рисовать? Ознакомьтесь с нашей серией уроков по рисованию.
Научитесь рисовать перьев с помощью этого пошагового руководства
Научитесь рисовать человеческих рук с помощью этого «удобного» пошагового руководства
Научитесь идеально рисовать любимую кошку Feline двумя разными способами
Научитесь рисовать тысячи цветов Используя ту же простую технику
Статьи по теме:
Научитесь рисовать что угодно с помощью этих удобных онлайн-ресурсов и книг
Талантливые художники делятся своими любимыми советами по развитию навыков рисования
7 забавных игр для рисования, которые заставят вас напрячь свои творческие мышцы
Лучшие карандаши для рисования для профессионалов и начинающих, которые любят рисовать
Объяснениестилей искусства — исследуйте популярные стили искусства! — Art is Fun
Художественные стили описывают внешний вид произведения искусства.Стиль — это, по сути, манера , , в которой художник изображает свой предмет, и , как художник выражает свое видение. Стиль определяется характеристиками, описывающими произведение искусства, такими как способ, которым художник использует форму, цвет и композицию, и это лишь некоторые из них. Еще одним важным фактором при определении стиля произведения искусства является изучение того, как художник обращается со средой, принимая во внимание метод или технику, которую использует художник. Дополнительным аспектом художественных стилей является философия или движущая сила произведения искусства.Все эти стилистические элементы определяются выбором художников при создании своих произведений.
Работы, которые имеют определенные общие черты, считаются выполненными в одном стиле. Иногда это означает, что они являются частью одного механизма , но не всегда. Понятие «движения» в искусстве обычно связано с определенным временем (а иногда и местом) в истории. Например, сегодня есть художники, которые все еще рисуют в импрессионистской манере, принимая концепции, которые впервые определили импрессионизм в 19 веке.Однако, поскольку они являются современными художниками, вдохновленными импрессионистами , они на самом деле не являются частью первоначального «импрессионистского движения», как оно существует с исторической точки зрения. Хотя художественные стили можно воскресить из прошлого, само движение по-прежнему закреплено на своей исходной позиции на временной шкале истории искусства.
Во всем этом у каждого художника есть свой личный художественный стиль, который вырабатывается на протяжении всей его жизни. Стиль художника может меняться и адаптироваться по мере роста художника как художника, так и как личности.Начинающие художники часто подражают (копируют) стили художников, которыми они восхищаются. Поначалу это может быть полезно для того, чтобы намочить ноги и помочь развить понимание того, как создавать разные виды искусства. Однако очень важно, чтобы начинающие художники сосредоточились на развитии своего собственного стиля и нашли свой собственный уникальный способ самовыражения. Личный стиль художника обычно прогрессирует по мере того, как художник приобретает больше уверенности благодаря опыту, расширяет свою базу знаний и приобретает больше навыков с материалами.
Художники могут работать в разных стилях. В прошлом от художников обычно ожидалось, что они будут создавать искусство в той моде, которая преобладала в то время. Теперь художники имеют гораздо больше свободы работать по своему усмотрению. Хотя работать в разных стилях — это нормально, лучше всего сосредоточиться на тех, которые вам больше всего нравятся, чтобы полностью раскрыть свой художественный потенциал в этом стиле. Использование разных стилей — отличный способ поэкспериментировать, но чтобы по-настоящему процветать как художник, вам нужно сосредоточиться на одном или двух стилях, которые, по вашему мнению, действительно позволяют вам выразить свое внутреннее видение.
На этом веб-сайте мы рассмотрим четыре основных стиля, в которых я работаю: фотореализм , абстрактный , причудливый и композитный (комбинированные стили). Со временем я добавлю больше информации о других художественных стилях, а пока мы сосредоточимся на четырех стилях, с которыми я наиболее знаком как в теории, так и на практике.
Нажмите на одно из изображений ниже, чтобы узнать больше!
Сколько существует стилей рисования? Полный список и изображения — Улучшить рисунок
Как начинающему художнику-рисовальщику, пытающемуся найти его стиль, мне нужно было вдохновение.Поэтому я задался вопросом, сколько стилей рисования существует сегодня? И после нескольких часов исследований и перечисления каждого стиля рисования я обнаружил:
Существует 22 основных стиля рисования, от реализма и поп-арта до технического рисования и кубизма, из которых возникло множество других подстилей рисования. Поскольку все художники-рисовальщики разные, а инструментов для рисования много, подстилей рисования бесчисленное множество. Каждый день рождаются новые стили рисования.
Теперь вы знаете номер, но не стили рисования.Если вы хотите увидеть список всех основных стилей рисования, вы можете найти его ниже!
Список всех основных стилей чертежейВот список основных стилей рисования, включая век, в котором они начали появляться, и страну, в которой они родились.
Если вы хотите увидеть фотографии каждого стиля, вы можете найти их под списком!
Каждое столетие содержит ссылку, которая приведет вас туда, откуда я взял информацию. Они также содержат дополнительные знания о стиле.1. Академический рисунок
Сотворение Адама — МикеланджелоАкадемический стиль рисования довольно легко определить, когда вы видите пример. Художники 15 века и не только использовали этот стиль рисования. Но этот стиль рисования стал более распространенным, когда художественные университеты внедрили этот стиль для обучения новых художников в начале 16 века во время Возрождения. Это очень реалистичный стиль рисования.
2. Мультяшный стиль
Street Wall CartoonsМультфильмы.Все знают мультики. Этот великолепный стиль рисования был впервые представлен в Соединенном Королевстве с использованием очень реалистичных изображений, но затем со временем изменился на то, что мы знаем сейчас. Карикатуристы объясняют, что при создании персонажей мультфильмов вы начинаете с личности и эмоций персонажа, а затем рисуете их наглядно. В этом стиле рисования не так много строгих правил, поэтому почти каждый мультфильм, который вы видите, полностью отличается и уникален, но вы все равно понимаете, что это мультфильм.
3. Стиль аниме / манги Фан-артом Исаака и Мирии я занимался 6 лет назад.Волшебный мир стиля рисования манги зародился в Японии, и среди других причин его популярность выросла во всем мире. Этот стиль рисования используется для рассказа историй любого типа, и если история станет популярной, анимационная студия создаст ее аниме. Аниме для Японии — то же самое, что мультфильм для Соединенных Штатов.
Манга — мой любимый стиль рисования!
4.Комический стиль Найдено в Unsplash — Бретт ДжорданФантастическая вселенная комиксов началась в Швейцарии и быстро стала очень популярной во всем мире. Как и в манге, для рассказа историй используется стиль рисования комиксов. Охват комиксов огромен, и мы видим, насколько эти старые истории все еще актуальны на больших экранах. Комиксы обычно рисуются по разделам, сопровождаемые текстами.
5. Создание эскиза
Зарисовка — это обычно то, с чего каждый художник-рисовальщик начинает рисовать.Он фокусируется на рисовании форм и руководств без добавления деталей. Когда эскиз готов, художник определяет каждую линию и добавляет в рисунок все необходимые элементы. Хотя это скорее процесс рисования, чем стиль, многие художники предпочитают оставлять свои творения в виде эскизов.
6. Дудлинг
Дудлинг — это стиль, отражающий бессознательное творчество художника. В отличие от набросков, рисунки обычно представляют собой законченный рисунок. Для создания каракуля требуется задача, занимающая ваш ум.Если ваше внимание переключается на процесс рисования, значит, вы не рисуете. Отличный способ попрактиковаться в рисовании — послушать подкаст, выступление или аудиокнигу и начать рисовать, пока вы все еще сосредоточены на том, что слушаете, а не на том, что делаете.
7. Жесткий рисунок
Стиль рисования жестов состоит из позы человека или фигуры. Художники-рисовальщики используют этот стиль, чтобы улучшить свое понимание человеческого тела или любого другого объекта исследования, который они хотят изучить.Обычно художники заканчивают рисование жестами от 10 секунд до 5 минут.
8. Технический чертеж
Технический рисунок — один из самых точных и точных стилей, который значительно помогает в архитектурной и инженерной отраслях. Этот стиль рисования — отличный способ узнать о перспективе.
9. РеализмЕще один стиль — рисовать в реальном мире. Здесь мы хотим сосредоточиться именно на том, что находится перед нами, и сделать рисунок, представляющий человека, животное или объект как можно точнее.
10.Гиперреализм
Вы бы не поверили, что это рисунок, если бы я показал вам готовую работу без процесса. Один из художников, которым я восхищаюсь больше всего: Sensazioni Диего Кои.Вы думали, что художникам достаточно реализма? Ну, это не так. После реализма идет гиперреализм. Этот стиль фокусируется на рисовании почти как на принтере или фотоаппарате и на прорисовке мельчайших деталей. Здесь художники изучают, как наши глаза воспринимают реальность.
11. Рисование линии
Стиль штрихового рисунка говорит сам за себя.Это относится только к рисункам, выполненным с использованием линий. Здесь основное внимание уделяется использованию линии той же длины и тона и формированию из нее фигуры. Большинство линейных рисунков обычно монохромны, но вы также можете использовать линии разных цветов.
12. Пуантилизм
Олень (мое любимое животное), которого мне подарила необычная женщина. Спасибо, Диана Пардо!Пуантилизм — это техника рисования / рисования, при которой художники формируют изображения, используя только точки. Эти точки могут быть любого цвета или рисунка, но в идеале должны напоминать реальную фигуру.
Интересный факт в названии этой техники заключается в том, что когда она была впервые представлена, искусствоведы того времени назвали ее пуантилизмом, чтобы высмеять метод. Тем не менее, это стало исключительно уважаемым движением в искусстве.
13. Анаморфный рисунок
Анаморфный рисунок с трех разных точек зрения.Иллюстрации анаморфоза — это рисунки, которые можно хорошо рассмотреть только под определенным углом. Если вы посмотрите на них под неправильным углом, вы увидите только непропорциональный рисунок.Леонардо да Винчи нарисовал анаморфный глаз с помощью этой техники; Вы можете увидеть это на 8-секундном видео ниже!
14. Модный рисунок
До того, как у всех появился фотоаппарат, людям нужен был способ представить, как на них будет выглядеть одежда, так родился стиль модного рисования. Основной акцент здесь делается на одежду, а тела обычно имеют удлиненную форму.
15. Абстрактный рисунок
Абстрактное искусство представляет собой нечто, что может существовать, но не является полностью реальным — логика, лежащая в основе этого, заключается в попытке создать визуальную иллюзию реальности.
Конечно, искусство само по себе представляет собой представление о том, как человек видит мир, поэтому абстрактное искусство не имеет границ и может полностью отличаться от художника к художнику.
16. Модерн
Зодиакальный календарь Альфонса МухиАр-нуво — это художественное направление, сосредоточенное на формах и движении. Чтобы рисовать в этой технике, художник собирает формы природных объектов, таких как растения и цветы, и применяет их на протяжении всего рисунка. В этом стиле рисования обычна асимметрия.
17. Импрессионизм
Клод Моне, Impression, soleil levantХотя это скорее стиль живописи, чем стиль рисования, импрессионизм невозможно исключить из этого списка. Его основная цель заключалась в том, чтобы сосредоточиться на свете и его изменяющихся качествах, чтобы создать ощущение движения.
18. Сюрреализм
Макс Эрнст, Слон-знаменитость, 1921 год.Сюрреализм — это форма искусства, которая объединяет различные объекты из реального мира для создания чего-то, что невозможно вообразить.Сюрреалистический рисунок призван пробудить воображение и заставить вас отправиться в другую реальность, которую Андре Бретон назвал «сверхреальностью».
19. Модернизм Анри Матисс, Танец, 1910Модернизм действительно был почти комбинацией всего, реакцией на реализм и его учения. Модернизм был сосредоточен на создании чего-то нового все время, поэтому почти все, что представляло что-то новое в то время, можно было считать модернизмом. Большинство картин и рисунков этого движения были абстрактными.
20. Поп-арт
Таким образом, поп-арт стал реакцией на модернизм и постмодернизм. Он был направлен на использование популярных изображений и их массовое производство в виде маркетинговых книг или комиксов. Он хотел полностью уйти от элитарного искусства, которым наслаждались немногие, и создать искусство, которое нравится массам.
21. Кубизм
Пабло Пикассо, 1910, Девушка с мандолинойКубизм очень интересен, и как создать рисунок в стиле кубизма, отчасти легко понять.Суть кубизма заключается в том, чтобы взять объект, проанализировать, а затем разбить его на части. Как только вы это сделаете, абстрактно соберите все заново. Зачем видеть объект с одной точки зрения, если вы можете видеть во всех сразу? Это был кубизм.
22.
Арт-декоВы когда-нибудь смотрели последнюю версию «Великого Гэтсби»? Этот фильм — полное представление ар-деко. Этот стиль рисования представляет собой сочетание современных стилей и богатых материалов. Его главная цель — продемонстрировать гламур, роскошь, изобилие и веру в технический и социальный прогресс.
Вы нашли какой-нибудь стиль рисования, который вам понравился?
Поделитесь в комментариях, я хотел бы это услышать. Кроме того, если вы хотите, чтобы я добавил информацию или изображения других стилей рисунков, дайте мне знать!
Вызов 20 художественных стилей — BrushWarriors
Еще один арт-мем захватывает Интернет! 20 художественных стилей испытание — проверьте свои навыки рисования и нарисуйте своего собственного персонажа в 20 различных художественных стилях!
Вы когда-нибудь пробовали подражать стилю другого художника? Или — вам было интересно, есть ли у вас свой узнаваемый стиль рисования?
Я сделал.И я не считал себя человеком, имеющим свой уникальный стиль рисования — мне нравится рисовать рисунки в стиле манга, а также гиперреалистичные портреты.
Пока я не опубликовал скетч в Instagram, и моя подруга не заметила, что она узнает мой старый стиль в скетче.
Готов поспорить, вы знаете такую ситуацию, когда вы смотрите на определенное произведение искусства и думаете: «О, это определенно * имя художника * рисунка. Это ее стиль ». И, может быть, вы, как и я, думаете, что ваш художественный стиль не уникален? Тогда у меня для вас есть подходящее художественное задание
Итак, вы хотите увидеть, чем ваш художественный стиль отличается от стиля других художников? Присоединяйтесь к испытанию 20 художественных стилей!
Что представляет собой вызов «20 художественных стилей»?
20 художественных стилей вызов — это художественный вызов, в котором ваша задача — нарисовать одного и того же персонажа / себя в 20 различных художественных стилях.
Это популярное художественное задание, размещенное в Instagram и других социальных сетях с хэштегами: # 20stylechallenge # 20styles и хэштегами художественных стилей, которые они использовали в этом задании.
Пс. Если вы заинтересованы в участии в других художественных испытаниях, вам обязательно нужно ознакомиться с этим Списком художественных испытаний !
Шаблон вызова 20 художественных стилей
Я создал шаблон для конкурса «20 художественных стилей». Это файл в формате PSD, который вы можете скачать бесплатно и при необходимости изменить.
Щелкните ссылку выше, чтобы загрузить шаблон PSD. Каждый логотип находится на отдельном слое, вы можете удалить их и добавить нужный логотип. В этом случае я собрал несколько наиболее часто используемых художественных стилей в этой задаче и поискал логотипы.
* Информация: если у вас нет Photoshop, вы можете открыть файл с помощью Photopea.com
По сути, это простая онлайн-версия PS. Вы можете увидеть краткое объяснение того, как использовать аналогичный шаблон и Photopea в этой статье: Art vs Artist
Список вызовов 20 художественных стилей:
Я собрал наиболее часто используемые художественные стили в этом испытании.Ниже вы найдете список и логотипы. Я также включил изображения под каждым логотипом, чтобы вы могли посмотреть на художественный стиль без необходимости искать его в Google.
Если есть какой-то художественный стиль, который я не упомянул, дайте мне знать в комментариях!
Studio Ghibli style
Стиль Вселенной Стивена
Стиль «Время приключений»
Стиль Гравити Фолз
Звезда против сил зла стиль
Стиль Тима Бертона
Card Captor в стиле сакуры
Стиль Дисней
Dragon Ball Z стиль
Стиль One Punch Man
Гориллаз стиль
Стиль My Little Pony
Стиль Sweet Sins
Стиль Осомацу
Стиль крутых девчонок
Крутые девчонки в стиле Z
Стиль покемонов
Стиль Сейлор Мун
Стиль Пожирателя душ
Моб психо 100 стиль
Над садовой стеной
Стиль Юных Титанов
Гамбол стиль
В стиле Наруто
Стиль Boku no hero academia (Моя геройская академия)
Цельный
Скотт Пилигрим стиль
10 типов стилей аниме-арта в популярных сериалах
Вы не заметите этого, если не обратите внимания, но в тоннах аниме есть свой набор из отличительных стилей искусства.
Почти каждое шоу попадает хотя бы в одну из этих категорий. Умышленно или непреднамеренно.
Возьмем, к примеру, аниме «Ковбой Бибоп».
Какой стиль аниме представляет Ковбой Бибоп? Какая первая мысль приходит вам в голову?
А как насчет аниме типа Date A Live?
Как бы вы описали художественный стиль, использованный в этой серии Ecchi / harem?
Пока вы пытаетесь понять это, вот 10 типов стилей аниме-арта, которые мы склонны видеть снова и снова.
Я разбил каждую на свой собственный набор «фраз», чтобы облегчить понимание.
Общие стили аниме-арта: 1. Художественные стили «каваи»Художественные стили кавайи в аниме — одни из самых «новейших» за последнее десятилетие. До этого (1990-е или раньше) не существовало художественных стилей Kawaii .
Одно из лучших аниме-шоу, описывающих художественные стили кавайи: New Game!
New Game — это отрывок из жизни / комедийного сериала об игровой компании Eagle Jump и сотрудниках, которые в ней работают.
Первое, что вы заметите в «Новой игре», — это яркие цвета, а еще лучше: рисунков в стиле каваи и художественный стиль каждого персонажа.
Несмотря на «кавайный» арт, создателям все же удается реалистично представить возраст каждого персонажа. Или, по крайней мере, до некоторой степени. это впечатляющий пример аниме в стиле Kawaii последних лет.
2. Реалистичные художественные стилиТогда есть стиль, который я называю «реалистичным».
Не так много аниме-шоу, которые попадают в категорию реалистичных художественных стилей . Но те, что есть, — одни из лучших шоу на земле, если говорить статистически (и объективно).
Помните, как я упоминал ранее «Ковбой Бибоп»? Это вписывается в категорию реалистичного стиля искусства .
Наряду с выставками вроде:
Черная лагуна Psycho PassJormungand
МонстрВсе 4 из этих шоу по определению являются «Сейненами».Которая нацелена на поклонников аниме постарше (20-30+). И каждый из них кажется на реалистичным, выглядит на реалистичным и представляет темные темы, применимые к реальному миру.
Например, сделки с оружием, которые продают оружие и зарабатывают кучу денег, или как неправильные обстоятельства могут превратить доброго человека в монстра.
Реалистичные стили аниме-арта — одни из моих любимых.
3. Стили искусства чибиЕсть еще художественные стили «чиби».Это более очевидно, чем последние 2, о которых я говорил.
Чиби по определению является детским во всех смыслах, формах и формах. И в любом аниме с художественным стилем чиби есть персонажи, которые выглядят на намного моложе , чем они есть на самом деле.
Хотя не все эти аниме такие.
Идеальных примеров:
Счастливая звезда Кинмоза Кролика заказывают?На всех этих выставках есть детских, выглядящих рисунков и персонажей.Особенно Lucky Star, в котором представлены персонажи 17-18-19 лет, которые выглядят намного моложе.
В отличие от этого: у Кинмозы есть главный герой, которому 16 лет, но вы не поверите, исходя из художественного стиля.
4. Стили искусства Моэ«Мо» по понятным причинам путают с Kawaii . Они оба настолько похожи, что их трудно различить.
Лучший способ описать стили искусства «моэ» — это аниме-шоу, созданные Kyoto Animation .Можно даже сказать, что они на 100% ответственны за фразу «моэ».
Аниме нравится:
К-Он Рынок ТамакоЭти шоу лучше всего описывают художественный стиль Moe , чем любая другая серия. Я определяю это как смесь:
- Персонажи, которые «выглядят» по-детски, но все же правдоподобны для своего возраста.
- Персонажи (и искусство), которые не должны быть чрезмерными.
Красивое искусство — непростая задача в аниме-индустрии.
В некотором смысле это близко и сравнимо с реалистичным аниме . Но в остальном это далеко не все. Из-за невероятного качества.
Лучшими шоу, описывающими этот художественный стиль, являются:
Вайолет Эвергарден Сад слов Ваше имя Тихий голос Невеста древнего магаНа всех этих 5 выставках есть реалистичные рисунки и искусство, но на каждом есть нечто большее. Анимация, качество, фоны и персонажи поразят вас.
Это «конфетка для глаз» в лучшем виде.
6. Странные художественные стилиА еще у вас есть странных стилей аниме. То, что нельзя отнести к категории, потому что оно слишком необычно по сравнению с «нормальными» стилями искусства.
Лучший способ описать этот художественный стиль — это изображения из аниме, например:
Kemonozume RWBY Интеллектуальная игра Рыцари СидонииКак видите — стили аниме в этих 4 шоу очень странные. По крайней мере, по сравнению с вашим повседневным стилем.
Но я уважаю создателей еще больше за то, что они «пытаются» выйти на новую территорию и попробовать что-то новое.
Ничего хорошего, если создатель все-таки почивает на лаврах.
7. «Стандартные» художественные стилиЭто именно то, что звучит. Стандартный — типичный вид искусства, который мы видим в обычном аниме, которое выходит в эфир.
Я бы классифицировал аниме, как «Date A Live», «Katana Maidens» и подобные шоу, как «стандартные».Наряду с серией вроде:
Квест СакурыКланнад
Не поймите меня неправильно: стандартные стили неплохие, на самом деле они потрясающие (Sakura Quest, Clannad). Но эти типы трудно разделить на категории, поэтому используется термин «стандартный».
8. Стили искусства EcchiХудожественные стили Ecchi легко заметить.
Почему? Потому что персонажи либо полуголые, либо имеют БОЛЬШИЕ сиськи, либо что-то еще, чтобы их отличить.
Вы знаете, о каком аниме-сериале я говорю.
Примеры:
Средняя школа мертвых Средняя школа DxD Любить Ру Тюремная школаПодобные шоу — классика в жанре гарем / эччи. И то же самое с их «чрезмерным» искусством.
Особенно для женских персонажей.
9. Стили мультяшного искусства«Cartoon» — лучший способ описать этот стиль, потому что он напоминает визуальные эффекты, сделанные в американских мультфильмах.
Это связано с используемыми цветами (и их количеством).
А также то, сколько внимания художники уделяют каждому персонажу (и фону в целом).
Примеры:
Килл Ла Килл Little Witch Academia Гуррен ЛаганнПервые две из этих серий были произведены Studio Trigger.
Мне нравится их способ анимации и дизайна. Он всегда свежий и выделяется на фоне других студий.
10. Художественные стили CGICGI — последний, о котором стоит упомянуть.
CGI — это как минимум общих художественных стилей из ЛЮБОГО аниме вместе взятого. Потому что это набор инновационных техник, используемых для создания большего «реализма».
Кроме того, аниме-сообщество пока что это не любит.
Это не идеально, но некоторые шоу показывают это лучше, чем другие.
Хорошими примерами являются:
Виноват! Фильм Бэтмен Ниндзя Пожиратель боговЯ не зря поставил God Eater последним. В нем лучших CGI из всех аниме, которые я когда-либо видел.
Анимация (и искусство) не из этого мира. Трудно сказать, может ли сравниваться даже такой сериал, как Violet Evergarden.
Можете ли вы добавить еще стили аниме в этот список?
Рекомендовано:
7 Визуально приятное аниме в реалистичном художественном стиле
Самые крутые обои Мастера меча онлайн, которые поразят вас
Стиль рисования вручную в веб-дизайне — Smashing Magazine
Об авторе
Свен — соучредитель и бывший генеральный директор Smashing Magazine.Он пишет в своем блоге Conterest, где сосредоточивается на блогах, контент-стратегии, написании и публикации … Больше о Свен ↬
Когда дело доходит до веб-дизайна, слишком часто идеальный, красочный и квадратный дизайн имеет решающее значение; Однако реальность иная, поскольку в повседневной жизни трудно найти предметы идеальной формы и идеального цвета. Чтобы достичь уникального и коммуникативного дизайна, нам необходимо рассмотреть более творческие подходы. Например, мы можем сами рисовать сайты — или хотя бы некоторые их части.
Когда дело доходит до веб-дизайна, зачастую идеальный, красочный и квадратный дизайн имеет решающее значение; Однако реальность иная, поскольку в повседневной жизни трудно найти предметы идеальной формы и идеального цвета. Чтобы достичь уникального и коммуникативного дизайна, нам необходимо рассмотреть более творческие подходы. Например, мы можем сами рисовать сайты — или хотя бы некоторые их части.
Основная цель нарисованных от руки элементов заключается в их способности передать индивидуальность и индивидуальную нотку в те времена, когда идеальные, квадратные и округлые элементы можно найти почти повсюду.Они выглядят по-разному, и они могут изменить внешний вид веб-сайта. И это то, что мы обычно и ищем в первую очередь. В этом посте представлены свежих примеров стиля рисования от руки в современном веб-дизайне . На все снимки экрана можно щелкнуть и перейти на сайты, с которых они были сделаны.
Что нового?
Несколько месяцев назад мы заявили, что, по нашему скромному мнению, блестящие и глянцевые элементы дизайна официально устарели. Мы также предположили, что веб-дизайн станет более утонченным, , более ориентированным на пользователя, более ориентированным на контент и менее громким.Действительно, это именно то, что мы наблюдаем в настоящий момент. Почерк, который раньше часто доводился до крайности, теперь кажется утонченным, поддерживающим и менее доминирующим. Ниже вы найдете несколько примеров, которые должны это доказать.
Элементы, нарисованные от руки, используются умеренно
В частности, поскольку дизайнеры стараются предоставить посетителям удобные, удобные для пользователя презентации, они, как правило, умеренно используют элементы, нарисованные от руки и рукописные. Иногда только несколько элементов дизайна разрабатываются соответствующим образом, в то время как остальная часть дизайна фокусируется на чистом представлении контента и вообще не прорисовывается.Например, часто от руки написаны только заголовки категорий, окна поиска или навигация.
Однако важно понимать, что все еще существует множество примеров чрезмерного использования рукописного текста и рисованных элементов (см. Примеры ниже). Тем не менее, мы наблюдаем рост числа дизайнов, в которых такие элементы используются редко и точно.
Jeff Sarmiento сочетает рукописные и нарисованные от руки элементы с классическим ретро-стилем. Хотя есть всего несколько элементов, которые на самом деле нарисованы вручную, они придают дизайну аутентичный стиль, который идеально сочетается с его внешним видом.Точнее, рисование от руки используется только для заголовков категорий,
Скриптовые шрифты набирают популярность
Поскольку рисованные элементы становятся более тонкими, дизайнеры часто стремятся имитировать рукописный текст вместо того, чтобы использовать его. Например, это достигается за счет использования чистых и четких скриптовых шрифтов вместо буквально рукописных или нарисованных эскизов. Такой подход помогает дизайнерам сделать макет чище и легче сканировать.
Пол Валлас использует скриптовые шрифты в заголовках и заголовках категорий.Однако шрифт скрипта легко читается и идеально вписывается в неформальный стиль сайта.
Осторожно: проблемы с удобством использования!
С точки зрения юзабилити нам удалось найти несколько отрицательных примеров. Пытаясь создать отличительный дизайн, дизайнеры часто пренебрегают проблемами удобства использования . Независимо от того, нарисован ли какой-либо элемент дизайна от руки или нет, важно, чтобы он успешно передавал свою функцию, и посетители могли а) найти его и б) сразу же знать, как его использовать.
Рукописные возможности навигации. Это может быть слишком много рукописного текста сразу.
Mind Never (снимок экрана выше) использует рукописный ввод для 6 элементов дизайна — логотипа, слогана, навигации, заголовков, иллюстраций и всех интерактивных элементов. Основная проблема с дизайном заключается в том, что сложно сканировать .
Кроме того, ссылки имеют другой стиль — иногда они синие, иногда черные, иногда с эффектом наведения курсора, иногда нет.Это неэффективно и неудобно. Здесь следует уменьшить количество рисованных элементов и использовать вместо них стандартные элементы дизайна.
Рассмотрим другой пример выше. Omnia.ae использует нарисованные от руки элементы дизайна почти для каждого возможного элемента в макете. Изображение отображает селектор страны, который представляет собой переключатель . Хотя это определенно интересное решение, этот выбор легко упустить из виду, поскольку он скорее является частью фонового изображения, чем отдельным элементом дизайна.
Хотя кнопка RSS и иллюстрация для подписки могут восприниматься как интерактивные элементы дизайна, при выборе языка выше это не так. Имейте в виду: если ваше решение использовать художественный элемент вместо стандартного решения вызывает некоторые проблемы с удобством использования, вам следует предпочесть стандартное решение.
Давайте теперь рассмотрим несколько примеров того, как рукописный ввод и рисование от руки используются на практике.
Самые ценные и новаторские идеи были написаны от руки сначала.Это не новость, поскольку дизайнеры в любом случае склонны создавать первые эскизы в виде бумажных прототипов; тем не менее, это важно, потому что веб-дизайн отличается от «обычного» дизайна. Конечно, на нем также есть личная заметка, и он сделан вручную, однако пользователи этого не видят. Поскольку CSS «квадратный, но хороший», дизайны имеют довольно ограниченный вид — они слишком квадратные и слишком прямоугольные.
Если дизайнеры хотят добиться другого дизайна, они должны сами рисовать свои сайты или, по крайней мере, некоторые его части.И на самом деле это делается довольно часто: будь то блог, магазин, реклама, частная страница или какой-то совместный проект — не имеет значения, с помощью Flash или (X) HTML. Основная цель нарисованных от руки элементов заключается в их способности передать индивидуальность и индивидуальную заметку в те времена, когда красочные, четкие и округлые элементы Web 2.0 можно найти почти повсюду.
Иногда дизайнеры создают целые страницы с помощью бумаги, карандаша и / или планшета. Чаще отдельные элементы макета разрабатываются особым образом — изогнутые ссылки, сделанные вручную значки, фоны, заметки, стикеры и нечеткие линии должны придавать сайту «человечность».Эти элементы выделяют веб-страницу, которая внешне ничем не отличается от десятков похожих страниц, и вызывает у пользователей любопытство. Внимание: быстро установленный рукописный шрифт может больше навредить, чем помочь (подсказка: Comic Sans — определенно не выход).
Насколько впечатляющими могут быть результаты? А когда можно использовать стиль рисования от руки? Давайте взглянем на отличных примеров стиля рисования от руки в современном веб-дизайне . На все снимки экрана можно щелкнуть и перейти на сайты, с которых они были сделаны.
Рисование от руки как художественный минимализм
Поскольку рисование от руки является типичной чертой художников-графиков, дизайнеров и иллюстраторов и часто ассоциируется с творчеством и вдохновением, оно часто используется в портфолио и витринах.
Интересно, что стиль , нарисованный от руки, часто является единственным элементом , который используют дизайнеры для презентации своих работ на своих сайтах. Ниже приведены некоторые примеры художественного минимализма в лучшем виде.
Мел Кадел рисует все — даже сама.
И стартовая страница (вверху), и внутренняя страница (внизу) на этом бразильском сайте имеет нарисованные вручную элементы. Все внутренние страницы имеют свой неповторимый стиль.
Хизер Слоун иллюстрирует с помощью Flash.
Рисованные элементы завершают классический дизайн портфолио. Этот дизайн не такой уж минималистичный, но и не предлагает так много.
Стиль поддерживает контент
В некоторых случаях дизайнеры экспериментируют с рисованными каракулями для поддержки основного контента сайта, а не используют рукописный ввод для основных элементов дизайна.Например, эскизов иногда размещают на фоне сайта. Иногда получается неплохо.
В приведенном ниже дизайне использована аналогичная идея. Однако только 20-30% страницы фактически обслуживает представление контента. Это не то, чего ожидают большинство пользователей, и именно это отличает этот сайт от других. Якоба Нильсена не впечатлило бы представление содержания на этом сайте.
Также можно использовать отдельные элементы дизайна в рукописном стиле.В приведенном ниже примере от руки нарисована только кнопка RSS справа.
В этом примере используются рукописные элементы по всему сайту. Имеет рукописный логотип, подсказки, линии и даже карты. Нарисованная от руки карта на стартовой странице содержит ссылки на отдельные разделы сайта.
Хотя это определенно интересный и креативный дизайн, пользователи могут столкнуться с проблемами при поиске нужной информации. Фактически, посетителям нужно поиграться с сайтом, чтобы узнать, какая информация на самом деле представлена.
Дизайн также включает рисованные элементы по всему сайту, например для показа видео используется эскиз телевизора , и даже таблицы следуют этому стилю.
Контент также включает стиль HomeworkHouse (восковые мелки).
Интернет-магазин с рядом нарисованных от руки элементов.
Просто, но впечатляюще. Осторожно, вспышка.
Рисование от руки в сочетании с иллюстрацией
Поскольку нарисованные от руки фигуры могут иногда не привлекать визуальной привлекательности, этот недостаток часто устраняется с помощью ярких визуальных элементов .В результате иногда получается дикий, яркий, красочный, но всегда новаторский подход к дизайну.
Важно отметить, что такие дизайнерские решения следует продумывать очень точно. Очень легко сделать дизайн более привлекательным, в то же время сделав его менее интуитивным . Дизайн другой — не обязательно упрощенный или сложный для понимания. На самом деле, насколько хорошо решены вопросы удобства использования и доступности, в основном зависит только от навыков разработчика.
То, что вы видите, похоже на прототип: сайт Джо Гришема выглядит аутентичным, сделанным вручную и использует иллюстрации.
Этот дизайн сочетает в себе стиль рисования от руки и яркие иллюстрации (комиксы). Это не должно быть дизайном Web 2.0.
Это типичный дизайн Web 2.0 — с глянцевыми кнопками, отражениями и (угадайте что!) Стилем рисования от руки, используемым для навигации, содержимого и нижнего колонтитула.
Hand-made стиль в рекламе продукта Casio. Используется вспышка.
Некоторые дизайнеры переплетают стиль рисования от руки с иллюстрациями , объединяя их в единый элемент дизайна.Это создает художественный, неожиданный и интригующий дизайн и мотивирует посетителей исследовать сайт. На самом деле не все посетители захотят это сделать.
Стиль рисования от руки, скрытый в деталях: Spinvox использует изогнутые линии для эффекта наведения.
Классический сайт с отдельными рукописными элементами. Фактически, это сайт университета. На сайте можно найти больше нарисованных от руки элементов.
Рисование от руки доставляет сообщение
Этот аспект становится более очевидным в Web 2.0-дизайны. Элементы, нарисованные от руки, используются для облегчения пользователям понимания предлагаемых продуктов и услуг. Это хорошо работает как в веб-дизайне, так и в полиграфическом дизайне, поскольку придает объяснению более личный, эмоциональный и неформальный характер . Взгляните на приведенные ниже примеры.
Вот как может выглядеть типичный сайт Web 2.0, если он снабжен некоторыми дополнительными визуальными подсказками.
Videoegg использует художественные элементы в меню навигации.
Рисование от руки до крайности
Иногда цель дизайнера — произвести впечатление, шокировать или побудить читателя быть замеченным и произвести неизгладимое впечатление. Хотя есть несколько способов добиться этого, необычный стиль дизайна определенно является одним из них; Кроме того, это единственный стиль, который очень хорошо передает художественную сторону дизайна . Конечно, это не всегда приводит к появлению полезных веб-сайтов.
«Отрывочный» блог. На что вы смотрите, когда заходите на сайт в первый раз?
Рисуемое меню навигации в верхней части сайта также имеет несколько симпатичных эффектов наведения.
Ретро живет на этом участке.
Эксперименты и художественные подходы
Дизайнеры — художники, или, по крайней мере, они должны пытаться ими быть. И поэтому дизайнеры склонны принимать радикальных дизайнерских решений , исследуя свое воображение и бросая вызов творчеству посетителей. Это не всегда работает, но иногда бывает.
Этот сайт на основе Flash буквально позволяет вам играть с его содержимым.
Портфолио с рукописным вводом: еще раз.
Идеальное решение: Куба Домбровски маркирует все вручную.
Стиль уличной живописи. Да, выглядит довольно хреново. Но это сделано специально.
Кев Адамсон: вы не найдете ни одного похожего WordPress-шаблона.
Мария Гроссманн. На снимке экрана показана только часть страницы (Flash)
Веб-журнал со свиньей, изогнутыми линиями, нарисованными от руки элементами и уникальным меню навигации.И, конечно же, сайт тоже меняет ваш курсор.
Портфолио, разработанное в стиле «старой бумаги».
Рисование логотипов и заголовков от руки
Когда рукописные элементы размещаются в логотипе или в заголовке, дизайнер следит за тем, чтобы посетители заметили эти элементы. Поскольку на эти области нажимают чаще, чем на другие элементы макета, передается ощущение «нарисованного от руки». Это то, чего пытаются достичь некоторые дизайнеры. Кроме того, если дизайнер хочет, чтобы его дизайн передавал личную заметку , а некоторые элементы дизайна уже написаны от руки, имеет смысл рассмотреть возможность добавления некоторых рукописных заметок в заголовок.
Логотипы
Отдельные элементы дизайна, нарисованные от руки
Для придания макету «рукописного» стиля элементы дизайна необходимо оформить соответствующим образом. Фактически, вы можете применить стиль к любой части вашего макета. Обычно дизайнеры используют рукописный ввод для тизеров, RSS-кнопок, навигации, полей ввода, заголовков и фоновых изображений.
Тизер, слоган
Поля ввода
Информационный бюллетень
Классический веб-сайт с отдельными рукописными элементами.Фактически, это сайт университета. На сайте можно найти больше нарисованных от руки элементов.
Рисование от руки доставляет сообщение
Этот аспект становится более очевидным в Web 2.0-проектах. Элементы, нарисованные от руки, используются для облегчения пользователям понимания предлагаемых продуктов и услуг. Это хорошо работает как в веб-дизайне, так и в полиграфическом дизайне, поскольку придает объяснению более личный, эмоциональный и неформальный характер . Взгляните на приведенные ниже примеры.
Вот как может выглядеть типичный сайт Web 2.0, если он снабжен некоторыми дополнительными визуальными подсказками.
Videoegg использует художественные элементы в меню навигации.
Рисование от руки до крайности
Иногда цель дизайнера — произвести впечатление, шокировать или побудить читателя быть замеченным и произвести неизгладимое впечатление. Хотя есть несколько способов добиться этого, необычный стиль дизайна определенно является одним из них; Кроме того, это единственный стиль, который очень хорошо передает художественную сторону дизайна .Конечно, это не всегда приводит к появлению полезных веб-сайтов.
«Отрывочный» блог. На что вы смотрите, когда заходите на сайт в первый раз?
Рисуемое меню навигации в верхней части сайта также имеет несколько симпатичных эффектов наведения.
Ретро живет на этом участке.
Эксперименты и художественные подходы
Дизайнеры — художники, или, по крайней мере, они должны пытаться ими быть. И поэтому дизайнеры склонны принимать радикальных дизайнерских решений , исследуя свое воображение и бросая вызов творчеству посетителей.Это не всегда работает, но иногда бывает.
Этот сайт на основе Flash буквально позволяет вам играть с его содержимым.
Портфолио с рукописным вводом: еще раз.
Идеальное решение: Куба Домбровски маркирует все вручную.
Стиль уличной живописи. Да, выглядит довольно хреново. Но это сделано специально.
Кев Адамсон: вы не найдете ни одного похожего WordPress-шаблона.
Мария Гроссманн. На снимке экрана показана только часть страницы (Flash)
Веб-журнал со свиньей, изогнутыми линиями, нарисованными от руки элементами и уникальным меню навигации. И, конечно же, сайт тоже меняет ваш курсор.
Портфолио, разработанное в стиле «старой бумаги».
Рисование логотипов и заголовков от руки
Когда рукописные элементы размещаются в логотипе или в заголовке, дизайнер следит за тем, чтобы посетители заметили эти элементы.Поскольку на эти области нажимают чаще, чем на другие элементы макета, передается ощущение «нарисованного от руки». Это то, чего пытаются достичь некоторые дизайнеры. Кроме того, если дизайнер хочет, чтобы его дизайн передавал личную заметку , а некоторые элементы дизайна уже написаны от руки, имеет смысл рассмотреть возможность добавления некоторых рукописных заметок в заголовок.
Логотипы
Отдельные элементы дизайна, нарисованные от руки
Для придания макету «рукописного» стиля элементы дизайна необходимо оформить соответствующим образом.Фактически, вы можете применить стиль к любой части вашего макета. Обычно дизайнеры используют рукописный ввод для тизеров, RSS-кнопок, навигации, полей ввода, заголовков и фоновых изображений.
Тизер, слоган
Поля ввода
Поле для новостей
Поле поиска
Иллюстрация
Загрузчики
Фоновое изображение
Рисование от руки в навигации
Навигация является основным элементом дизайна любого сайта. Дизайнеры знают это и добавляют уникальные художественные элементы, чтобы сделать дизайн более уникальным и неповторимым.Однако не стоит слишком много экспериментировать с навигацией. Убедитесь, что это работает. Функция важнее, чем дизайн . Ниже вы найдете несколько примеров того, как можно эффективно сочетать стиль рисования от руки с четкой и интуитивно понятной навигацией.
Нарисованные от руки прямоугольники для параметров навигации
Рисование от руки в сочетании с написанием от руки
Нарисованные от руки значки появляются при наведении курсора на параметр навигации
Нарисованные от руки значки используются для обозначения параметров навигации
Рисованные от руки значки появляются при наведении курсора на раздел
Используемый скриптовый шрифт
Тонкий рукописный ввод, используемый для вкладок
Крошечный рукописный ввод для заголовков разделов и скриптовый шрифт, используемый для отображения параметров навигации
Рука -чертеж используется умеренно.
Как мы уже писали выше, дизайнеры стараются сделать так, чтобы дизайн выглядел индивидуально, без ущерба для удобства использования и удобства использования. На самом деле это не так сложно, как может показаться. Рассмотрим примеры ниже.
Вот как нам это нравится: огромная типографика, яркие цвета, запоминающийся значок и милый робот, готовый помочь. Ну, конечно, робот говорит от руки.
Дизайн становится более интересным, когда стандартные элементы смешиваются с некоторыми элементами рукописного текста.В таких случаях посетителям предлагается дизайн, который выглядит необычно и по-другому. Это хороший способ поразить посетителей необычным дизайнерским подходом. Это то, что делает Ли Чин. В меню навигации также есть эффекты наведения.
Иконки, навигация и товары в интернет-магазине
Coldplay предлагает несколько бесплатных загрузок
На основе Flash
Осторожно: музыкальный проигрыватель на основе Flash запускается автоматически
Это симпатичная боковая панель, нарисованная вручную !
У художников-графиков и иллюстраторов нет проблем с рисованием сайта с нуля.Вот как это сделала Сара Рэйс.
Грегори Дурд с таким же подходом.
Сильно используется рисование от руки
Есть еще много примеров чрезмерного использования рукописного ввода и рисованных элементов, однако они, похоже, проигрывают по популярности . Трудно сказать, тренд это или нет — простое объяснение, которое мы можем придумать, заключается в том, что переполненный, «слишком артистичный» дизайн, вероятно, привлечет ограниченную целевую группу, в то время как дизайн с умеренным использованием ручного рисования может быть целевым. у всех.
Используемая вспышкаВероятно, самый крупный дизайн, нарисованный вручную Рисованный макет сайта
Творческий хаос в лучшем виде
типов стилей эскиза
Учимся рисовать вьющиеся волосы. В целом этот художественный стиль также имеет тенденцию фокусироваться на более женственных телах с очень угловатыми подбородками и тонкими телами. как SketchBook Pro и Corel Painter Sketch Pad, чтобы помочь в создании. Таким образом, само искусство выглядит очень детализированным, и даже текстуры создаются с помощью некоторых удивительно тщательных техник штриховки.См. Больше идей об учебнике рисования, альбоме для рисования, рисовании эскизов. со временем, когда произошел всплеск натурализма в планировании крупномасштабных пейзажных картин. Затем он более подробно расскажет, как справиться с художественным разочарованием и покончить с этим. Анри Матисс — Блюда и фрукты [1901]. Увлекательный художественный стиль, ставший популярным в современную эпоху. Ар-нуво: художники, работающие в стиле ар-нуво, создают иллюзионистские, но в основном плоские рисунки, которые сильно ориентированы на узор и обычно включают плавные изогнутые линии.См. Также: Venetian Air Screw, 1493), раннюю версию современного вертолета, которую да Винчи. Конечно, очень важным фактором является практика, но помимо этого вам понадобится вдохновение от других художников и изучение новых навыков. Эскизы существуют уже давно и рассматриваются как ранняя форма исследования, и они не так подробны, как живопись. Было 3 основных типа эскизов: 1. эскизы для отображения мелких деталей. Как если бы вы складывали их в очень маленький контейнер. Постимпрессионизм: художники, которые практиковали стиль, называемый постимпрессионизмом, делали рисунки, основанные на свете (озабоченность импрессионистов), но с большим вниманием к геометрическим формам.считаться реалистом, основываясь на его академическом образовании. В этой статье мы рассмотрим различные формы набросков… утерянных. Часто этот стиль рисования мультфильмов выполняется с использованием векторной графики. Он заставлял объекты сохранять свой реалистичный вид, но при этом иметь яркость, уникальную для этого стиля. Этот стиль рисования мультфильмов настолько популярен, что есть даже несколько веб-сайтов, которые можно использовать для создания собственной версии Симпсона. художником было «обнаружено» в пренебрежении и забыто в коробке. Многие из этих инноваций возникли под влиянием технологических достижений, таких как изобретение металлической трубки для краски и эволюция фотографии, а также изменения в социальных традициях, политике и т. д. и философия, наряду с мировыми событиями.Жак-Луи Давид. Это происходит из-за того, что он падает ближе к концу шкалы «H» или шкалы твердости и, следовательно, дает жесткое прикосновение. (Всего 133) — это были письма, которые он написал друзьям (включая его. Трудно поверить, что, когда импрессионисты впервые показывали свои работы, большинство критиков ненавидели и высмеивали это. Большинство дизайнеров используют компьютерные программы, чтобы Creative Bloq научил вас рисовать вьющиеся, текстурированные волосы, начиная с… • What Is Sketching?… (1853-1890) Это один из самых распространенных художественных стилей, который вы можете увидеть на таких каналах, как Cartoon Network.запечатлеть мимолетный момент. Этот тип карандаша помогает создавать самые темные и самые тонкие линии, учитывая его уровень жесткости. Они изображают: Узнав об этих стилях и увидев, что создали художники, работающие в них, а затем самостоятельно экспериментируя с различными подходами, вы можете начать развивать и развивать свой собственный стиль. включают: — Эскиз летающей машины (спиральная абстракция — это прорисовка сущности объекта в интерпретации художника, а не видимых деталей.Несмотря на это, наброски в традиционном стиле. Следует отметить, что некоторым недавним видеоиграм удалось вернуть этот художественный стиль в современную область. Чисто абстрактные работы, как и большая часть движения абстрактного экспрессионизма 1950-х годов, активно избегают реализма, упиваясь объятиями субъективного. Живописец, скульптор, архитектор и ученый Леонардо — Кафедра (1890, Музей Ван Гога). было изобретено. То же самое можно сказать и о набросках мелом и пером «Спальня в Арле» Хай Винсент (1888 г.) был одним из ведущих представителей импрессионизма, «Как ценить искусство», а в 1850 г. он зарисовал многие из их картин и фресок в своих блокнотах.Вот несколько примеров художественного стиля Cuphead. различные металлические сплавы для создания других сухих материалов, таких как металлическое острие и прачки в Париже, а также тысячи его рисунков (карандашом, и некоторые художники копируют фотографии, проецируя их на холст, чтобы точно передать точные детали. Манга: художники, практикующие стиль манги, делают рисунки, основанные на стиле японских комиксов, разработанном в Японии 19 века. уголь или акрил — обычно имели динамический ритмический поток, который заставлял других делать это от руки или использовать систему сетки для увеличения отпечатка или фотографии.- Конструкции лодки (ок. 1485-7). кладовая Национального музея дизайна Нью-Йорка. должен быть одним из самых одаренных людей всех времен. Вспомните резвящихся танцоров Анри Матисса или пасторальные сцены Джорджа Брака. — Сцена или лицо DrawPlus до его изменения. Стиль в рисунке — это набор атрибутов, которые делают рисунки уникальными. Исторически сложилось так, что художники придавали значение только готовой продукции. Например, в видеоигре Cuphead на художественный стиль ОЧЕНЬ сильно повлияли такие мультфильмы, как Бетти Буп.чернила. картин, которые он планировал. Сегодня модельеры используют термин croquis для обозначения многих стилей и типов рисования мультфильмов, на которых вы можете поучиться и вдохновиться! Этот стиль рисования характеризуется тонкими линиями, человеческими пропорциями и очень круглыми глазами в стиле аниме. Он также в основном геометрический, с чистыми цветами, без множества деталей. Для этой цели он обычно исполняется. Он также создал персонажей для видеоигры Chrono Trigger, в которой также есть этот точный стиль рисования мультфильмов.По мере того, как первые десятилетия 20-го века разворачивались в Европе и Америке, живопись становилась менее реалистичной. Pochade Dragon Ball / Chrono Trigger (Акира Торияма), Художественный стиль Хаяо Миядзаки (Унесенные призраками, Принцесса Мононоке…), Что такое рисунок и живопись натюрморта (с примерами!). Начнем с очень старых стилей рисования мультфильмов, появившихся много лет назад. — Real-Draw Pro, особенно когда делегирует значительную часть картины своим помощникам. мерцание в глазах или кислая улыбка.Начнем с очень старых стилей рисования мультфильмов, появившихся много лет назад. эскиз маслом для отправки заказчику на согласование или комментарий. Вот несколько примеров манги в этом художественном стиле: А вот несколько изображений для этого классического художественного стиля манги. Как видите, головы, например, не имеют тех пропорций и форм, которые были бы у человека. Реализм, в котором предмет картины больше похож на реальную вещь, а не стилизован или абстрагирован, — это стиль, который многие люди считают «истинным искусством».»Ассоциация американских редакционных карикатуристов, Сеть прав карикатуристов, Международная, https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Outline_of_drawing_and_drawings&oldid=971025666, Лицензия Creative Commons Attribution-ShareAlike, рисование жестами — свободное рисование или рисование с запястья движутся, чтобы создать ощущение натурализма линии или формы, в отличие от геометрического или механического рисунка. Последний раз эта страница редактировалась 3 августа 2020 года в 19:08. и эскизы. цели и программы дизайна обычно создаются в первую очередь для MAC (хотя
Полевой справочник по монтажу трубопровода Pdf, Жареные куриные полоски на плите, Погода в Хайдарабаде на 3 дня, Lenovo Yoga A940 Плюсы и минусы, Оборудование Evapo-rust Ace, Мешки из мешковины оптом, Смещение с креста итальянского художника-маньериста, Металлический потолочный пролетный стол, Государственный турнир по софтболу Оссаа 2020, Калории в супе из краба и кукурузы,
.