7 известных художников — дизайнеров / Все о дизайне / Pollskill
Успешные коллаборации последних лет отмечены не только союзом разнокалиберных марок, но и привлечением именитых художников. Мода на интеллект вернула интерес крупных компаний к искусству. LOUIS VUITTON совместно с Джеффом Кунсом выпускает коллекцию сумок с принтами знаменитых картин, а Dr Martens переносит работы Уильяма Блейка, Уильяма Хогарта и Иеронима Босха на свои классические модели. Марина Абрамович разрабатывает дизайн фарфора для Bernardaud, и шарфы для Pineda Covalin. KAWS работает над футболками для Uniqlo и кроссовками для Nike, Vans, DC, BAPE.
LOUIS VUITTON с Джеффом Кунсом
Dr Martens, Босх
Марина Абрамович для Bernardaud
KAWS для Uniqlo
Кроссовки KAWS
Однако это не первые попытки коммерции заигрывать с вечным.
Анри де Тулуз-Лотрек
Родившись в состоятельной семье, Тулуз-Лотрек не побоялся пойти против воли своих родителей и стать художником. Однако его привлекали не абстрактные философские идеи или природа, а земные женщины из плоти и крови. Воспев красоту танцовщиц Мулен-Ружа в своих работах, Тулуз-Лотрек стал всемирно известным, несмотря на то, что оплатой за гениальные афиши были еда, ночлег и пропуск на шоу.
Тулуз-Лотрек. Афиша
Тулуз-Лотрек. Афиша для Джейн Авриль
Альфонс Муха
Чешскому художнику уже посвящалась отдельная статья. Стоит напомнить, что путь к признанию лежал через меню, визитные карточки, афиши и рекламные плакаты. Даже в таких скучных и рутинных проектах, Альфонс Муха воплощал свои смелые идеи. Заработав имя и получив финансовую независимость, художник мог выбирать проекты по своему вкусу: серия огромных живописных полотен о славянах или дизайн банкнот.
А. Муха. Этикетка печенья. 1897 г.
А. Муха. Реклама велосипедов «Perfecta» . 1897
Эрте
Выходец из России, Роман Петрович Тыртов, был представителем старинного дворянского рода. После 18-летия юноша отправился в Париж с твердой целью стать художником. Родители затею не поддержали и финансовую помощь не оказывали. Роман Петрович вместо возвращения домой решил найти работу иллюстратором и взять псевдоним. Так он начал работать у Поля Пуаре, создавая эффектные эскизы нарядов для новых коллекций. Всего через 2 года Эрте вышел из тени своего наставника и получил интересные предложения. Его приглашают работать в Голливуд и создавать обложки для Harper’s Bazaar и VOGUE. Перфекционист Эрте тщательно работал над каждым проектом, в результате чего выполненные им обложки журналов стали рассматривать как отдельный вид искусства. В 1970-х Эрте был награжден французским Орденом Искусств и литературы, а в 2016 году прошла крупная выставка его работ в Эрмитаже.
Эрте «Harper_s Bazaar» 1934
Эрте «Vogue» 1911
Сальвадор Дали
Гений сюрреализма любил не только искусство, но и материальный достаток. Поэтому в списке его работ можно встретить этикетку Chupa-Chups (используемую до сих пор), логотип для Евровидения 1969 года и этикетку вина Chateau Mouton Rothschild. Кроме этого, по эскизам Сальвадора Дали создавались ювелирные украшения, аксессуары и мебель для дома.
Сальвадор Дали, логотип Chupa-Chups
Сальвадор Дали, логотип для Евровидения 1969
Нико Пиросмани
Подробно о примитивисте Пиросмани мы писали отдельно. Нико Пиросмани выполнял вывески и картины для духанов в родной Грузии. Несмотря на наивный стиль в живописи и частые грамматические ошибки, вывески Пиросмани сегодня рассматриваются как шедевры искусства и выставляются в лучших музеях мира.
К сожалению, при жизни Пиросмани не удалось получить признания, и художник умер в нищете от простуды и голода.
Нико Пиросмани «Холодный пиво» (вывеска)
Александр Михайлович Родченко
Родченко был не просто другом Маяковского, а настоящим новатором в искусстве. Созданные в тандеме рекламные плакаты для молодой страны советов до сих пор являются объектами вожделения коллекционеров по всему миру. Творческая пара Родченко — Маяковский скромно называла себя «реклам-конструкторами». Маяковский отвечал за слоганы, а Родченко за визуальную часть. Кроме рекламных плакатов Родченко успевал заниматься живописью, оформительством, театром и кино. Удивительно, что даже реклама сосок в исполнении Александра Родченко — яркое воплощение советского авангарда.
Александр Родченко (на плакате Лиля Брик)
Родченко «Соски»
Родченко «Добролет»
Энди Уорхол
Уорхол перевернул подход к искусству и коммерции.
Созданная художником творческая студия была названа фабрикой и производила шедевры, вдохновленные миром массовых и утилитарных вещей: бутылками кока-колы, банками с супом и прочим… Логово художника перестало быть похожим на аскетичную келью философа, студия Энди Уорхола была полна гостей и грохотала от непрекращающейся тусовки богемы. При этом производство, как и в настоящей фабрике, было поставлено на поток. Уорхол много размышлял о связи коммерции с искусством и несмотря на критику его работ и череду скандалов, связанных с фабрикой, стал популярным художником еще при жизни. Несмотря на предположения скептически настроенных критиков, картины Уорхола по-прежнему обсуждаются и хорошо продаются.
Уорхол на Фабрике
Уорхол на Фабрике
Энди Уорхол, Банки с супом «Кэмпбелл». 1962
Энди Уорхол «Зелёные бутылки кока-колы» 1962
Назло А.С. Пушкину, писавшему: «В одну телегу впрячь не можно/ Коня и трепетную лань.
10 дизайнеров, которые любят искусство больше, чем моду
Жан-Мишель Баския. Untitled (Devil’s head). 1987. Работа из собрания Томми Хилфигера, которая была продана на осенних торгах Phillips в Нью-Йорке.
Карл Лагерфельд
Легендарный дизайнер с 1972 года собирает антикварную мебель и предметы декоративно-прикладного искусства, но периодически приобретает живопись и фотографии. В парижской резиденции Лагерфельда есть работы Хельмута Ньютона, одна римская квартира меблирована объектами Wiener Werkstatte (венские мастерские, художественное объединение начала XX века), а дизайн второй, по признанию Лагерфельда изданию The New York Times, вдохновлен «студиями скандинавских художников XIX века».
Хельмут Ньютон. Карл Лагерфельд. 1973
Рик Оуэнс
Авангардная одежда, сделавшая имя американскому дизайнеру Рику Оуэнсу, перекликается с идиосинкратическими работами из его коллекции искусства. Среди деревянной перфорированной мебели собственного дизайна и алебастровых стен в квартире дизайнера располагаются фрески художницы Скарлетт Руж (дочери супруги Оуэнса, Мишель Лами), скульптура-урна эпохи ар-нуво авторства Георга Хоенштеля, мраморные скульптуры от художественного дуэта Barry X Ball и огромная скульптура Хорста Эгона Калиновски.
Barry X Ball. Envy/Purity. 2008 — 2011.
Вирджил Абло
35-летний создатель бренда Off-White и арт-директор Канье Уэста считает, что все виды искусства должны работать вместе. Отсюда в его одежде ассиметричного кроя столько референсов в мир искусства – от принтов Караваджо до элементов современной граффити-культуры. Абло – завсегдатай Арт-Базеля и страстный собиратель стрит-арта: в его коллекции числятся работы Бэнкси, Отелло Гервачио, Джима Джо, Кали Торнхилл Левитта (последний участвовал в модной коллаборации с Канье Уэстом).
Но в собрании Вирджила есть и другие современные художники: Такаши Мураками, Трейси Эмин, Рейчел Фейнштейн. «Быть коллекционером – настоящее проклятие. Поиски конкретной вещи могут тебя полностью поглотить. Зато потом наступает эйфория. Я считаю, что главное не видеть искусство вокруг себя, а знать, что оно у тебя есть», – с иронией прокомментировал он в одном из последних интервью переезд в новую квартиру и пустые стены в своей новой миланской мастерской. ДНК коллекции дизайнера пока не сформулировано до конца, в отличие от ДНК его бренда, который любят Джиджи Хадид, Бейонсе и Карли Клосс: «Представьте себе парня, который носит Supreme, и девушку, которая носит Celine. Они вместе. И они оба могут надеть Off-White».
Кали Торнхилл Девитт. Large Wall. 2015
Дизайнеры
Джакобо (Хакобо) Вентура
Руководитель дизайнерского направления фабрики Coleccion Alexandra.
Джакобо Вентура – один из всемирно известных испанских дизайнеров в сфере интерьерного бизнеса.
Системное восприятие идеи во всех мелочах и нюансах нашли свое отображение в различных коллекциях фабрики. От создания образа, первоначальной мысли возникшей на уровне восприятия окружающего мира, постоянных поисков и наблюдений, ассоциаций и естественного чутья до кропотливого процесса производства. Каждая деталь имеет свою ценность и несет особый смысл. Совершенное смешение классических и современных тенденций и мотивов вылилось в эклектическое направление, которое сам дизайнер определяет, как «новая классика».
На пороге своего становления в качестве дизайнера интерьеров нестандартные сочетания, используемые автором, первоначально вызывали недоумение в обществе: высокая оценка и признание творчества пришло позже.Развернуть
Кристина Гаттеи
Основатель компании Creazioni
Продолжая и укрепляя семейные традиции компании Silic Кристина воплощает в жизнь смелые и неординарные проекты. Привлечение молодых и креативных дизайнеров, художников и архитекторов с новым видением и ощущением стиля открывает новые горизонты восприятия и возможностей моделирования пространства. Происходит постоянный поиск новых решений для реализации творческих идей. Классические формы мебели: каркасы стульев, фасады традиционных комодов оживлены забавными рисунками и принтами. Стиль Гаттеи специалисты «Эльпасо » характеризуют как «юмор и детское озорство в мебельной классике». Она привнесла яркие краски и новое настроение в привычные нам «напыщенные» предметы, и они стали креативней и роднее для нас.Главные акценты руководителя Creazioni расставлены в трех приоритетных направлениях: создание аутентичных коллекций, способствующих узнаваемости дизайна бренда; использование высококачественных натуральных материалов по классическим и современным технологиям производства; соответствие актуальным сезонным и модным тенденциям в колористике, стилистической визуализации, и перспективным трендам в представляемых моделях.
Развернуть
Эгле Мие
Дизайнер,художник.
Руководитель фабрики Eglidesign
Эгле Мие — чрезвычайно талантливый и проникновенный художник, дизайнер и профессионал интерьерного бизнеса. Магистр в области изобразительных искусств, обладатель весомых профильных европейских наград в сфере архитектуры и дизайна. Эгле Мие владелец одноименной фабрики «Eglidesign», где разрабатываются и воплощаются в жизнь идеи для дизайна частных и общественных проектов. Решения, предлагаемые перспективной молодой командой привлекли и вдохновили множество клиентов со всего мира.
Eglidesign — это больше, чем производитель мебели. Это бренд, который отдает дань моде и привносит в современную художественную культуру наследие классической традиции. Цель -создавать произведения, которые дарят эмоции, волнение и чувство ностальгии.
Необычность, нестандартность, эксклюзивность и уникальность – главные фундаментальные основы творчества мастерской. Характерная особенность многих коллекций Эгли – диффузия антропоморфных элементов в геометрию линий предметов интерьера. В результате чего, происходит «оживление» моделей. Человеческие конечности вместо классических оснований мебели, крылья ангелов украшающих фасады и выполняющие роль дверей, бары в виде яйца или лица мифического персонажа, фактически весь модельный ряд представляет собой арт галерею готовую тотчас стать экспозицией музея современного искусства или выставки.
Коллекции производятся лимитированным тиражом. Имеются в представленной брендом модельной линейке и уникальные в своем роде предметы интерьера. Каждая деталь обрабатывается вручную, с применением как современных технологий, так и классического подхода к ремеслу.
«Наша мебель — это скульптуры, которые отражают мир, окружающий нас, как и все искусство. Они ищут хранителей, в виде клиентов со всего мира!»
Vicente Sangerman
Дизайнер фабрики Mariner
На сегодняшний момент Mariner – ведущий итальянский производитель мебели, светильников и других предметов интерьера.
Опыт и мудрость четырех поколений семьи Гурреа (основателей фабрики) подсказывают точные дизайнерские решения: сочетание традиций и современности.
Дизайнер Висенте Сангерман как знаток и ценитель истории искусств в каждой новой коллекции Mariner находит воплощение лучших идей прошлого. Обращаясь к богатому наследию, художник органично сочетает проверенные временем идеи с веяниями сегодняшнего дня. Это и обеспечивает успех у самого широкого круга клиентов. Несмотря на всю весомость традиций и их влияния на стиль коллекций, Винсенте соблюдает актуальные тенденции, тренды и фактор моды.
Стиль мебели компании можно определить, как близкий к традиционной классике. Также продукция компании содержит в себе элементы неоклассического стиля, за счёт чего данную мебель можно использовать в оформлении практически любых интерьеров.
В декоре мебели Mariner применяют резьбу, инкрустацию, а также технологию патинирования для того, чтобы получить максимальное сходство с антикварными и витражными предметами интерьера.
Среди мебели этой компании вы обязательно найдёте гарнитуры для столовых и гостиных, спальни и кабинеты, а также разнообразные модели мягкой мебели, которые поразят вас своим великолепием и роскошью. Если в том или ином интерьере появляется мебель Mariner, это становится правдивым свидетельством элитности данного жилья и безупречного вкуса его владельца. Ведь такая мебель ценна не только своими эстетическими качествами, но и надёжностью, практичностью и функциональностью.
Елена Потемкина
Дизайнер интерьера,архитектор и декоратор
. Окончила МГХПУ им. С.Г.Строганова.
С 2005 года основным направлением деятельности является разработка проектов интерьера для частных и корпоративных заказчиков. С 2009 года является членом Московского Творческого Союза Художников в связи с чем, в интерьерах возможно использование авторских произведений живописи.
Многократный обладатель профессиональных наград в сфере дизайна и архитектуры.
В процессе проектирования пространства активно применяется архитектурный подход.
Основные акценты ставятся на современные актуальные тенденции в дизайне, а также компиляции различных стилей и направлений.
«Для меня стиль – это рафинированность каждой детали и логика.Я ценю пространство и воздух в интерьере. Очень важно, чтобы интерьер был актуален не только сегодня, и его функциональность не вызывала вопросов».
Компания «ЭЛЬПАСО» сотрудничает с Еленой Потёмкиной с 2005 года. По нашим заказам выполнены проекты для ГУП Глава АПУ ЮВАО- кабинет руководителя по индивидуальному эскизу, ОАО «Мосэнерго»- проект ведомственной экспозиции мебели и товаров для сотрудников корпорации; оформлялись выставочные экспозиции для нашей компании с целью реализации мебели и предметов интерьера.
Зорина Мария Викторовна
Дизайнер в архитектурной мастерской «на Смоленке»
Зорина Мария Викторовна, родилась в Москве 5 ноября 1990 года.
В 2008 году окончила Краснопресненскую художественную школу и поступила в Московский государственный строительный университет (НИУ МГСУ) на инженерно-архитектурный факультет, который окончила в 2014 году. В 2015 году окончила курсы дополнительного образования по 3д-визуализации в EMOTION SCHOOL.
Занимается разработкой дизайн-проектов интерьеров с 2012 года. С 2015 года работает в Архитектурной Мастерской «на Смоленке», где занимается разработкой интерьерных проектов и проектов по архитектуре и благоустройству.
Павел Сергеевич Арцыбашев
Архитектор, дизайнер
Учился в отделении Уральского архитектурно-художественного университета кафедры Архитектура в г. Магнитогорске по специальности АРХИТЕКТУРА
Разрабатывал архитектурные концепции и дизайн для крупных инфраструктурных объектов: Горнолыжный центр, городские парки, многофункциональные общественные центры.
Проектировал рестораны, частные резиденции и виллы, уникальные архитектурные объекты, храмы. Член союза архитекторов России. Эксперт в области архитектуры фасадов и дизайна общественных и жилых интерьеров. Профессиональная миссия — «Берись за самое сложное и доводи дело до конца» Хобби и увлечения: архитектура и дизайн, бег, горный велосипед, живопись, йога, музыка
Дали, Пикассо, Климт и другие мэтры искусства в дизайнерской индустрии
Уорхол — графический дизайнер по образованию. Он родился и вырос, как раз когда эта профессия вполне официально появилась, а индустрия печатной рекламы расцвела.
Поп-арт Уорхола — это переосмысление эпохи потребления. В некоторых работах он перерисовывал от руки образы, тиражируемые в массовой культуре. Например, это холсты с супом Campbell.
Начинал карьеру Уорхол не как деятель современного искусства, а как коммерческий иллюстратор — он создавал рекламную графику и обложки для журналов.
Особенно известны его изображения туфель: он долго сотрудничал с обувным брендом I.Miller, а потом делал рекламу для Dior.
Став известным деятелем поп-арта, Уорхол работал в разных техниках: рисовал, фотографировал, делал инсталляции, снимал кино, а также продолжал принимать заказы на рекламу и дизайн для журналов.
Отдельное направление работы Уорхола — дизайн обложек музыкальных пластинок.
Например, он создал известную обложку с бананом для дебютного альбома The Velvet Underground. Оригинальная обложка была интерактивной. Она выходила с наклейкой в виде жёлтого банана в кожуре, которую можно было снять — и увидеть розовый очищенный банан.
Также ему принадлежит одна из самых необычных музыкальных обложек — для The Rolling Stones. На ней изображены брюки с настоящей молнией, расстегнув которую, можно увидеть эмблему группы. За эту работу Уорхол был номинирован на «Грэмми».
Обложка альбома The Velvet Underground & Nico группы The Velvet Underground, 1966 год. Изображение: Энди Уорхол / Wikimedia CommonsОбложка альбома Sticky Fingers группы The Rolling Stones, 1971 год. Изображение: Энди Уорхол / Wikimedia Commons40 художников и дизайнеров — Look At Me
Look At Me уже писал о том, как дизайнеры и марки показывают себя через Instagram — самое популярное фотоприложение в мире и самый частый источник пожелтевших фото и пастельных тонов.
На этот раз мы расскажем о художниках и дизайнерах, которые тоже пользуются Instagram, чтобы вести дневник своей жизни, показывать своей рабочий процесс и снимать детали, которые больше всего запоминаются им в окружающей среде.
Ай Вэйвэй
@aiww
Один из важнейших художников современности фотографирует себя в путешествии, отдыхе и работе, а еще снимает детей и внуков, обнаженные тела или, например, весы, сообщающие, что художник весит 97кг.
Йоко Оно
@yokoonoofficial
Йоко завела себе аккаунт, когда задумала создать проект #smilesfilm – она хочет собрать фотографии улыбающихся людей со всего мир. Под этим тэгом в Instagram любой человек может разместить свой автопортрет и тем самым помочь художнице с ее новым проектом. Сама Йоко выкладывает автопортреты, фотографии сына Шона или монтаж персональной выставки в Serpentine Gallery.
Питер Сазерланд
@petersutherland
Нью-йоркский фотограф и художник Питер Сазерленд очень много путешествует по Америке и снимает мотели, фастфуды, жизнь вокруг дороги, ландшафты и детали на них, за которые не цепляется глаз в первую же минуту.
Энтони Листер
@anthonylister
Австралийский художник Энтони Листер живет в Нью-Йорке, рисует картины и делает инсталляции, вдохновленные стрит-артом и уличной рекламой: в его поле зрения чаще всего попадают расписанные стены по всему миру, собственные и чужие скетчи стрит-арт-проектов.
Алексис Макензи
@alexis_anne
Алексис Макензи живет в Сан-Франциско, делает изящные коллажи из ботанических справочников и иллюстраций и публикуется в Juxtapoz и New York Times Magazine. В Instagram выкладывает все свое обыденное вдохновение: в основном, пейзажи, текстуры и интерьеры.
Джеймс Джин
@jamesjeanart
Американец Джеймс Джин — художник, который пишет маслом, делает картины с тиснением и вообще питает слабость к традиционным техникам и искусствам народов мира. На камеру в телефоне он снимает собственную графику и холсты, а также галереи, в которых вставляются его произведения.
Хлоя Эрли
@chloeearly
Лондонская художница Chloe Early завела instagram в первую очередь, чтобы показывать первой собственные картины — задолго до того, как их можно будет увидеть в галерее. Ее холсты — коллажи из нескольких слоев повествования: девушка, облокотившаяся на ванну, выступает из архитектурных зданий и стай диких птиц, например.
Одри Кавасаки
@audkawa
Одри Кавасаки стала знаменита из-за эксплуатации образа невинно-эротичных нарисованных девушек в окружении водорослей, скелетов или цветов, сделанных под влиянием манги. На фотографиях в Instagram – сама Одри, ее работы, друзья-художники и, конечно, кошки и какой-нибудь азиатский салат с кунжутом и кисло-сладкой заправкой.
Даниэль Аршем
@danielarsham
Аршем не только рисует и делает скульптуры (вроде застывших в невесомости шаров или складок на стене), но и помогает придумывать воплощение для спектаклей известного американского хореографа Мерса Каннингема.
Для Instagram он снимает фрагменты скульптур, процесс монтажа и то, что он встречает в музее.
Бретт Амори
@brettamory
Художник Бретт Амори, рисующий пастельную простую живопись с подтеками фотографирует свои меланхоличные полотна, бытовые сцены вокруг себя и работу в арт-студии.
Конор Харрингтон
@conorsaysboom
Художник Конор Харрингтон занимается тем, что расписывает стены неочевидными граффити с аллюзиями на поп-арт и классические живописные сюжеты. Фехтовальщики и тореодоры с его полотен потом оказываются на стенах главных городов мира, по поводу чего художник, «шокоголик и кофейный сноб» не скрывает радости.
PARRA
@pietparra
Голландский художник Parra рисует граффити, картины, комиксы и делает скульптуры и выкладывает их фотографии в Instagram, но помимо них в его камере оказывается и весь сопутствующий процесс.
Музеи
Babes At The Museum
@babesatthemuseum
Аккаунт сайта Babes at the museum про красивых девушек в музее — попытка сделать сразу два хороших дела: показать лучшие экспонаты и лучших посетителей американских и европейских музеев. Снимки молодых посетительниц на фоне экспонатов крупнейших музеев — Metropolitan Museum, New Museum или, например, биеннале Whitney.
MoMa
@themuseumofmodernart
Один из важнейших музеев мира MoMA не жалеет времени на социальные сети и активнее прочих выкладывает в Instagram фотографии выставляемых работ, тизеры будущих выставок и снэпшоты с вечеринок по случаю открытия: на их фото помимо искусства можно застать выступающих Santigold и Патти Смит или Джеффа Кунса и Синди Шерман на банкете.
San Francisco MoMa
@sfmoma
У Музея современного искусства в Сан-Франциско по-калифорнийски солнечные фотографии.
На них чаще всего изображены улыбающиеся сотрудники, веселящиеся на параде в честь музея, смешные произведения искусства или фотографии посетителей.
Brooklyn Museum
@brooklynmuseum
Жизнь современного музея изнутри: нью-йоркский Brooklyn Museum делает в своей работе ставку на нестандартный взгляд на жизнь мегаполиса в разных сообществах и культурах. А в своем Instagram рвботники музея показывают, как все работает на деле: как приезжают с выставками художники, кто приходит на лекции, как выглядит типичный рабочий день в современном музее — и прочие инсайдерские приятные мелочи.
New Museum
@newmuseum
Еще один важный музей в современном масштабе – нью-йоркский New Museum – грамотно использует возможности Instagram и выкладывает живые фотографии музейных событий.
Графический дизайн и иллюстрация
Адам Гарсия
@adamrgarcia
Дизайнер и основатель студии The Pressure работал с Nike, GOOD magazine, New York Magazine и оформлял обложки пластинок.
В своем фотодневнике он ожидаемо фотографирует типографику, красиво оформленные повседневные предметы, простые и емкие дизайнерские идеи и вывески.
Брент Джентайл
@dcvii
Графический дизайнер и основатель студии 607visual, которая выпускает фэнзины, упаковку и занимается айдентикой, жадно фотографирует всю жизнь вокруг и вещи, интересные ему по профилю — обложки журналов и газеты, который придумал сам или купил в журнальном магазине.
Оскар Рока
@oscarroca
Дизайнер компании La Fabrica De Rocas, главный источник вдохновения для которого – минералы и камни, фотографирует природу, простую геометрию в коммуникативном дизайне и фрагменты своих работ.
Аманда Джейн Джонс
@amandajanejones
Графический дизайнер фотографирует себя, бойфренда, природу, архитектуру и творческие пары, которые она снимает для своего проекта «My better half», дополняя фотографии влюбленных на фоне стены фирменной белой надписью.
Фаджар Доминго
@ohfajar
Индонезийский дизайнер посвятил свой Instagram картинам, которые делает только с помощью приложений для iPhone — в основном он использует ArtStudio. Помимо прочего, он снимает простые по композиции геометричные фотографии с ландшафтами и паттернами.
Анджелика Джексон
@astrodub
Нью-Йоркская художница и дизайнер делает сложные коллажи, которые выкладывает в свой Instagram. Кроме того, она собирает городские пейзажи и неочевидный стрит-арта.
Конрад Росет
@conradroset
Барселонский иллюстратор, который сотрудничал Zara, Oysho, Adidas, Coca Cola или, например, с журналом «Москвич», показывает в своем Istagram скетчбуки, наброски своих иллюстраций на больших листах и то, что появляется в результате.
Джемма Коррелл
@gemmacorrell
Иллюстратор — специалист по простым черно-белым картинкам с черными контурами и простыми деталями — постоянно выкладывает свои простые трогательные скетчи, а еще рисует и снимает своего мопса, ведет иллюстрированный дневник во время путешествий и изображает бытовые ситуации, в которые попадают люди в поездках и в городе.
Анке Векман
@ankeweckmann
Лондонский иллюстратор рисует для многих изданий, оформляет детские книги и открытки и ведет довольно девичий Istagram с фотографиями цветов, аксессуаров, мудбордов, набросков, едой и деталями одежды.
Пинг Жу
@pingszoo
Иллюстратор из Лос-Анджелеса Пинг Жу рисует для New Yorker, New York Times, Time Out Chicago и многих других изданий и любит снимать свои работы в стадии подготовки и обычные предметы с интересной композицией и ракурсами — во время кулинарных курсов, на прогулке или в день, который она проводит наедине с собой дома.
Крис Тёрнам
@turnhamator
Иллюстратор Крис Тёрнам фотографирует городские и морские пейзажи с большими объемами и перспективой. Именно они, по-видимому, вдохновляют его создавать простые и светлые работы с красивыми контрастами и простыми формами.
Оуэн Джильдэслив
@owengildersleeve
Лондонский иллюстратор Оуэн Джильдэслив с длинным послужным списком из I-D, Conde Nast, The Guardian, Harrods и Cadbury.
Его фотографии показывают, как он работает над новыми проектами, проводит свободное время и ищет вдохновение в повседневных вещах — помимо ежедневных наблюдений в кадр попадают листки из блокнота с небольшими скетчами, стейджинг съемки или другая волнительная часть журнального продакшна.
Майкл Хсиунг
@michaelchsiung
Будни иллюстратора из Лос-Анджелеса Майкла Хсиунга: рисование мужчин-русалок и других странных персонажей, вдохновленных мифологией, фэнзины, работа в качестве арт-блоггера в Vans и встречи с друзьями и коллегами за большим стаканом кофе или милкшейка.
Стрит-арт
JR
@jr_artist
Французский фотограф и уличный художник JR , обладатель TED Prize 2011, разрисовывающий дома в неблагополучных районах по всему миру и участвующий во многих социальных проектах, выкладывает в Instagram фотографии своих работ в парижских гетто, Нью-Йорке, Бирме, фавелах Рио-де-Жанейро, галереях в Швейцарии.
Кроме того, здесь можно увидеть пейзажи и портреты его колоритных новых знакомых из бедных окраин городов.
Отавио и Густаво Пандольфо
@osgemeos
Известные художники-близнецы из Сан-Паулу Отавио и Густаво Пандольфо, работающие под псевдонимом выкладывают Os Gemeos, начинали в 1980-х и с тех пор стали знамениты на весь мир благодаря своим граффити на грани бразильской уличной культуры и местного фольклора.
Аарон Мартин
@woes
Один из художников арт-группы «Army of snipers», родившийся на Гавайах Аарон Мартин, фотографирует свои работы (он и его друзья делают необычные граффити и скульптуры в виде злых панд), еду и красивые гаджеты.
Rone
@r_o_n_e
Очень известный мельбурнский художник Rone фотографирует для своего аккаунта в Instagram не только свои бесчисленные работы, но и процесс их создания: эскизы, разработку шрифтов, работу в студии, а уголком глаза и то, что происходит вокруг него на самом далеком континенте.
Рафаэль Финок
@finok
Успешный граффитист из Сан-Паулу, который работает по всему миру (например, он нарисовал мурал на Art Basel 2011), фотографирует красивые виды, загорелых бразильянок, своих друзей и, конечно, яркие граффити.
Аарон Де Ла Крус
@aarondelacruz
Стрит-арт художник Аарон Де Ла Крус рисует огромные лабиринты на стенах домов и в галереях и фотографирует свои работы.
IzNoGoodGood
@iznogoodgood
Любопытный аноним из дня в день бродит по Парижу, фотографирует красивый стрит-арт на улицах Парижа и, что важно и случается редко, почти всегда указывает адрес найденных работ.
Тим Дэвидсон
@londonstreetart
Энтузиаст Тим Дэвидсон фотографирует граффити на улицах Лондона, для удобства указывая адрес и имя художника. В его фокус попадаются не только самые известные работы на Брик-лейн или в Кингс-Кросс, но гораздо менее очевидные удаленные районы Южного и Северного Лондона, куда туристы не заезжают без лишней причины.
Художники дизайнеры, заказать услуги художника оформителя в Калининграде
На сайте Kdoma.ru собраны предложения лучших дизайнеров, готовых оказать помощь в работах любой сложности. Богатый опыт и различная специализация – у нас вы найдёте именно те услуги дизайнера, которые вам нужны. Заявленные мастера работают с различными материалами и стилями, используют классические и современные элементы декора, учитывают в своих работах все требования и пожелания клиентов. Благодаря накопленному опыту дизайн-услуги могут предоставляться в режиме онлайн и с выездом на место. Интерьер создаётся на основе описаний клиента или осмотра помещения. Услуги дизайнера – Калининград Каждый из представленных у нас дизайнеров отвечает за безупречное качество работы. При выполнении заказа специалист учитывает несколько критериев, по которым оценивается конечный результат работы. Это:- Красота и изысканность.
- Комфорт и удобство.
- Надёжность и долговечность
- Эргономичность и экологичность.
Декор должен мастерски исправлять изъяны и улучшать окружающую обстановку. Если пространство слишком ограничено, дизайнер сделает его больше, если в помещении низкие потолки – визуально увеличит высоту, если в комнате мало света – сделает светлее, и т. д. Чем сложнее будет задача, тем интереснее может оказаться решение – не пытайтесь решить проблему самостоятельно, доверьте это профессионалам и воспользуйтесь услугами дизайнера. Особенности оформления интерьера Мы предлагаем самые разные услуги и товары для оформления интерьера. Работы наших дизайнеров свидетельствуют о профессионализме и умении работать с разными стилями, начиная с классики и заканчивая минимализмом. Не чужды и другие, более редкие направления – ар-деко, модерн, хай-тек и др. Последовательность выполнения заказа устанавливает мастер, но чаще всего работа дизайнера делится на несколько этапов:
- Разработка интерьера.
- Создание эскиза.
- Проектирование.
- Выбор элементов интерьера и мебели.
- Авторское сопровождение работ.
Мы убеждены, что залог успешной работы – это профессионализм дизайнера, индивидуальный подход к клиенту и его доверие. Мы всегда настроены на взаимопонимание, поиск идеальных решений и наилучший результат. Дизайн – услуга, которая предполагает создание удобного, стильного и функционального интерьера с характерным почерком мастера. Дизайнер стремится, чтобы каждый проект был комфортным и оправдывал ожидания клиента. Поэтому главной задачей мастера является создание интерьера, соответствующего внутреннему миру заказчика. На своём сайте мы объединили услуги дизайнеров, знания архитекторов, опыт флористов, идеи мебельщиков и советы декораторов. Благодаря этому стала возможна реализация самых сложных проектов. Kdoma.ru – это объединение настоящих профессионалов. Обратившись к нам, вы получите возможность заказать уникальный дизайнерский проект, выполненный на высоком профессиональном уровне, соответствующий нормам и правилам, учитывающий последние тенденции в сфере дизайна и архитектуры.
Ведущие дизайнеры и художники представят свои NFT-работы на маркетплейсе Binance | Новости
Криптовалютная биржа Binance в сотрудничестве с агентствами FMT.JETLAG и NFT.ARKA анонсировала масштабный проект по выпуску NFT от ведущих российских дизайнеров и художников на NFT-маркетплейсе Binance, запуск которого запланирован на июнь. Работы будут представлены за неделю до официального запуска платформы.
В рамках проекта будет выпущено 15 работ, которые будут выставлены на аукционе за неделю до официального запуска NFT-маркетплейса Binance. В аукционе сможет принять участие любой желающий. NFT-маркетплейс Binance будет использовать ту же систему аккаунтов, что и Binance.com. Существующие пользователи Binance получат доступ к NFT-маркетплейсу через свои аккаунты на Binance. Новым пользователям необходимо зарегистрироваться на сайте биржи.
В коллаборации примут участие VFX-motion дизайнер Эдуард Михайлов, 3D-художник Никита Реплянский, графический дизайнер Евгений Зубков, digital-художник Степан Христофоров (Brickspacer), #FollowMeTo — travel-проект Мурада и Натальи Османн, творческое объединение 111HATA, СG-художник Елена Шейдлина, граффити-команда «ЗАЧЕМ», арт-проект NEURORENAISSAINCE, граффити- и стрит-арт художник Shozy, Daltonizm — Дима Масейкин, иллюстратор и цифровой художник.
Директор Binance в России Глеб Костарев говорит:
«Мы рады представить столь масштабный проект в области цифрового искусства для российской аудитории. Художники, которые стали частью нашего проекта, уже достаточно известны в области NFT, и мы будем рады увидеть их новые работы на NFT-маркетплейсе Binance. Мы надеемся, что за счет использования самых быстрых и доступных решений на основе блокчейн-инфраструктуры Binance, а также при поддержке комьюнити Binance и коллекционеров NFT, работы, представленные в рамках нашего проекта, будут позитивно оценены поклонниками криптоискусства».
Binance, FMT.JETLAG и NFT.ARKA также проведут конкурс для сторонних художников «Будущее От Людей Будущего». Участникам конкурса необходимо изобразить свое видение будущего, к которому придет человечество через 50, 100, 500 а может даже 1000 лет. Победитель конкурса получит возможность выставить свою работу на маркетплейсе Binance за неделю до официального запуска платформы в рамках коллаборации.
Это будет пятнадцатая работа в рамках совместного проекта. Арсений Зяббаров, продюсер FMT JETLAG и NFT ARKA, говорит:
«NFT — неотъемлемая часть развития криптоарта и технологий в целом. Уже сейчас можно точно сказать: рынок искусства не будет прежним. Мы рады внести свой вклад в открытие нового поколения самобытных, живых и сильных имен. И, конечно, поддержать уже состоявшихся отечественных художников».
Digital-художник Степан Христофоров, более известный как Степа Brickspacer, добавил:
«Для меня NFT — это в первую очередь новая фундаментальная технология, которая уже меняет жизни художников и отношение к цифровому искусству в обществе. Я крайне рад сотрудничеству с Binance, нас ждет много интересного».
Мурад Османн, основатель проекта #FollowMeTo, говорит:
«NFT — это новый виток развития, который так давно нужен был современному миру искусства. На мой взгляд, это явление дало большой толчок арт-сфере, и не только в диджитал-мире.
Ощущение, словно мы снова оказались на заре Instagram и заново создаем свой стиль. Я очень рад, что на этом быстрорастущем рынке у нас есть надежный партнер. Binance сегодня — один из главных игроков крипторынка. Это дает уверенность в том, что направление крипто-арта будет надежно защищено многолетним опытом экспертов со стороны компании».10 выдающихся художников и дизайнеров, покоривших наши сердца
На прошлой неделе мы с Юджином выступили на двух конференциях: Altitude Summit, конференции по блоггерам, посвященной дизайну и образу жизни, проходившей в Солт-Лейк-Сити, штат Юта, и Dwell on Design, крупнейшем дизайнерском мероприятии Америки, которое проходило в конференц-центре Лос-Анджелеса. Поскольку это был наш первый раз перед публикой, можно сказать, что это было довольно сложно. (Кто не боится публичных выступлений?) На Dwell мы представили Искусство и дизайн в цифровую эпоху .Для тех из вас, кто не смог приехать, мы хотели предоставить стенограмму этой речи, на случай, если вы захотите ее прочитать.
Dwell попросили нас поделиться со своей аудиторией десятью новаторами в области искусства и дизайна, которые покорили сердца и умы людей со всего мира. Вы можете узнать, кого мы выбрали, ниже.
ЖИЛЬЕ НА ДИЗАЙН-ПРЕЗЕНТАЦИИ (полная стенограмма)
Привет, я Элис Ю, основатель и главный редактор My Modern Metropolis, а это Юджин Ким, партнер и главный операционный директор.My Modern Met — блог о художественной культуре, посвященный творческим идеям изобразительного искусства, таких как живопись, скульптура, дизайн, фотография и архитектура. Однако больше всего мы гордимся тем, что являемся визуальными рассказчиками.
Мы всегда в поисках передового искусства и потрясающих фотографий, однако наши 4 миллиона посетителей в месяц не просто приходят на наш сайт, чтобы увидеть потрясающие визуальные эффекты, они там, чтобы вдохновиться. Большинство наших постов основаны на реальных историях, рассказах, которые расскажут вам о сложных деталях, стоящих за произведением, или о том, что заставило художника или дизайнера активно работать над проектом.
Мы надеемся не только вдохновить новое поколение творческих людей, мы стремимся показать миру, как искусство может улучшить чью-то жизнь, либо давая нам более высокую оценку того, на что мы, люди, способны, либо показывая вам, как некоторые из них посвятили свою жизнь. к созданию большего и светлого будущего для этого мира.
Сейчас самое подходящее время, чтобы стать художником или дизайнером. В наши дни Интернет позволяет всему миру мгновенно обмениваться информацией. Когда эта информация распространяется вирусным образом, художники и дизайнеры могут отправлять свои работы в одну минуту, а в следующую — делиться ими с миллионами людей по всему миру.Этого не могло быть даже десять лет назад.
Сегодня мы здесь, чтобы представить 10 художников и дизайнеров, которые покорили сердца и умы людей во всем мире своим удивительным искусством и новаторским дизайном. Эти новаторы не только открывают новые горизонты в своей области, но и вдохновляют целое новое поколение креативщиков на развитие своей существующей работы и создание чего-то еще большего.
1. Джи Янг Ли
Джи Ён Ли — 30-летняя южнокорейская художница-инсталлятор, которая неделями, а иногда и месяцами создавала потрясающе сюрреалистические сцены в своей крошечной студии размером 12 на 14 футов в Сеуле.
Используя повседневные материалы, такие как фанера, бумажные стаканчики и соломинки, она создает эти замысловатые сцены, которые кажутся потусторонними. Самое интересное, что это автопортреты, которые помещают художника прямо в середину работы. Она берет на себя несколько ролей — она не только художник-постановщик и художник-постановщик, но также исполнитель и фотограф. Примечательно, что здесь не задействован Photoshop.
Сцены Ли вдохновлены ее личным опытом, ее мечтами и старыми корейскими баснями.В этой работе под названием Treasure Hunt Ли потребовалось три месяца, чтобы создать этот волшебный ночной пейзаж. Трава сделана из проволоки, и каждый ее кусочек соединен с сеткой. Художница была вдохновлена детскими воспоминаниями о праздниках, проведенных на ферме ее бабушки и дедушки, где после наступления темноты она видела, как загораются светлячки: для нее светлячки выглядели так, как будто они были на охоте за сокровищами, и она использовала это как метафору, чтобы показать, что «находка Ваш идеал так же труден, как поиск иголки в траве.
«Действие происходит ночью, чтобы подчеркнуть сложность задачи.
Помимо презентации передового искусства, My Modern Met стремится делиться умным, креативным и инновационным дизайном. Несмотря на то, что мы действительно смеемся над глупыми творениями, такими как этот стол для кошек, мы считаем, что дизайн может иметь огромное влияние, улучшая жизнь людей дома или на работе или, в более широком масштабе, изменяя мир и наше коллективное будущее.
2. Масуд Хассани
Датский студент-конструктор Масуд Хассани, сбежавший из раздираемого войной Афганистана, когда ему было всего 14 лет, придумал способ подорвать мины в своем старом родном городе, где тысячи старых советских наземных мин все еще скрываются в пересеченной местности.
Его изобретение, получившее название Mine Kafon Ball , перемещается по шахтам с гораздо меньшими затратами, чем традиционные методы. Мяч состоит из трех частей: сферического ядра, 70 бамбуковых ножек, которые выступают из него, и белых круглых поверхностей, которые действуют как ступни.
Устройство достаточно легкое, и легкий ветерок может заставить его катиться, как гигантский перекати-поле. Установленный чип GPS может использоваться для отслеживания и записи местоположения мин.
Хотя мяч взрывается, когда он катится по мине, это гораздо меньшая жертва, чем человеческая жизнь.ООН оценивает количество мин в Афганистане в 10 миллионов, хотя Хассани настаивает, что их «намного, намного больше».
После запуска успешной кампании на Kickstarter Хассани превзошел свою цель и собрал более 200 000 долларов на финансирование этого проекта.
3. Габриэль Доу
Габриэль Доу — мексиканский художник, создающий огромные скульптуры цвета радуги, используя мили нити. Его наследие влияет на его работу. Для него текстиль и вышивка — это занятия, традиционно связанные с мексиканской культурой.
Его серия под названием Plexus требует большого терпения. Вооружившись гигантской иглой, прикрепленной к длинному шесту, Доу зацепляет каждую прядь нити к определенной точке крепления.
Концептуально эти работы посвящены потребности человека в убежище. У моды и архитектуры много функций, но их объединяет то, что они защищают нас от непогоды. Здесь он берет основной материал, из которого шьется одежда — нить — для создания ярких и красивых архитектурных сооружений.
4. Йонас Дальберг
22 июля 2011 года, в печальный день, который многие из вас могут еще вспомнить, остров в Норвегии попал в заголовки газет, когда правый экстремист Андерс Беринг Брейвик открыл огонь по молодежному лагерю, убив 69 человек. В сочетании с его первым нападением, взрывом заминированного автомобиля в Осло, в результате которого погибли восемь человек, в общей сложности 77 человек погибло в результате самого смертоносного нападения в Норвегии со времен Второй мировой войны. Этот террористический акт вызвал потрясение во всем мире.
В память о погибших был проведен международный конкурс на создание официальных мемориальных мест. Комитет получил 300 заявок от творческих людей, в том числе архитекторов и художников из 46 стран.
Победителем стал проект шведского художника Йонаса Дальберга, изображающий символическую рану или порез в натуре, который был единогласно выбран как «художественно очень оригинальный и интересный». Она называется Memory Wound . Как написало жюри: «Предложение радикальное и смелое, оно напрямую и физически напоминает о трагических событиях.”
Вырез представляет собой выемку шириной три с половиной метра на полуострове, обращенном к острову. Промежуток сделает невозможным добраться до конца мыса. Имена жертв будут выгравированы на стене, но посетители не смогут к ним прикоснуться. Это призвано вызвать «чувство внезапной потери в сочетании с долгим отсутствием и воспоминаниями о погибших».
Земля, вырезанная из скалистого ландшафта, будет перенесена на другое мемориальное место в Осло, где она будет использована для создания временной мемориальной дороги.Предложение также требует, чтобы деревья были вывезены с острова и перевезены в Осло, чтобы поддерживать отношения между двумя участками.
5. Мэтт Моллой
Канадский фотограф Мэтт Моллой недавно создал великолепную серию изображений неба, объединив сотни фотографий в одну. Он называет их своей серией Time Stack . Его работы часто называют вдохновленными импрессионистами.
Все началось, когда однажды ночью Мэтт делал изображение звездного следа, когда он задавался вопросом, почему он никогда не видел, чтобы эта техника использовалась при съемке в дневное время.Наблюдая за своим собственным таймлапс-видео, он вскоре начал выбирать самые интересные для него разделы. Большинство стеков заката составляют от 100 до 200 фотографий, но они могут занимать до 1000. Все фотографии в его серии были взяты из таймлапсов, которые он лично снял, что он делал последние 3 года.
6. Кунле Адейеми
100000 человек живут в старой рыбацкой деревне в Макоко, Нигерия, в домах, построенных на сваях. Деревня постоянно подвергается наводнениям из-за проливных дождей и открытого моря.
Район стал настолько опасным, что правительство насильственно очистило его части. Как и многие дома, начальная школа уязвима для постоянных наводнений.
Кунле Адейеми, нигерийскому архитектору, пришла идея. Это будет амбициозный проект — создать школу, которая могла бы адаптироваться к постоянно меняющейся среде. Его решением была школа, которая плавает на воде.
Плавучая школа Макоко , предназначенная для обслуживания 100 учеников начальной школы, в настоящее время строится.Уникальное трехэтажное архитектурное сооружение, построенное в виде треугольной призмы, предназначено для плавания по воде с основанием из 256 пластиковых бочек. Он построен из древесины местного производства, а электричеством будут пользоваться солнечные батареи.
Хотя это первое поколение плавучих зданий было спроектировано исключительно как образовательный центр, проект открывает новую главу в архитектурном дизайне, который может быть применен к различным объектам для бедных сообществ, таких как Макоко.
7.Яёи Касума
85-летний японский художник Яёи Кусама работает в самых разных средах, включая живопись, коллаж и скульптуру. Касума известна как предшественник движения поп-арт, и говорят, что она даже оказала влияние на таких современных художников, как Энди Уорхол. В настоящее время в Японии она признана одним из самых важных ныне живущих художников, приехавших из этой страны.
Интересное примечание: с 1977 года она живет в психиатрической больнице, куда добровольно попала.По собственному желанию она решила провести там остаток своей жизни. В 2008 году Christies New York продала ее работу за 5,1 миллиона долларов, что на тот момент стало рекордом для живой художницы.
В ноябре прошлого года в галерее Дэвида Цвирнера в Нью-Йорке была представлена ее зеркальная комната «Бесконечность» «Души миллионов световых лет вдали ». Каждому посетителю было дано 45 секунд, чтобы погрузиться в комнату с зеркалами, на полу которой был неглубокий бассейн с водой, а сотни разноцветных светодиодных фонарей были подвешены на разной высоте.
Огни вспыхивали и гасли, как стробоскопы, создавая интенсивное освещение пространства и повторяющийся узор отражений, предполагающий бесконечность.
8. Детская больница Morgan Stanley в Нью-Йорке — пресвитерианская + GE
Пресвитерианская детская больница Морган Стэнли в Нью-Йорке недавно установила новый компьютерный томограф в своей комнате для радиологических испытаний, но что отличает этот аппарат от других подобных аппаратов, так это то, что он спроектирован по подобию пиратского корабля.
Детская больница работала с GE как над разработкой, так и над установкой сканера. Оживленный, красочный центр, вдохновленный открытым морем, идеально подходит для детей с богатым воображением, которые больше хотят играть, чем идти в больницу для получения медицинских изображений. Дизайн уже зарекомендовал себя среди детей, и, что интересно, пациенты старшего возраста в возрасте от 17 до 21 года также просят пиратский сканер.
Конструкция сканера успокаивает нервы пациентов, уменьшая беспокойство, связанное с посещением больницы и проведением медицинского обследования.
В дополнение к своей юношеской и беззаботной привлекательности новый сканер более безопасен, так как обеспечивает меньшую дозу радиации, чем предыдущая модель.
9. Саймон Бек
Последние пять лет 55-летний британский художник Саймон Бек создает впечатляющие узоры на снегу… пешком. Используя компас и рулетку, чтобы проложить свой курс, он работает до 10 часов за раз, пробираясь по снегу в своих снегоступах. Каждая финальная деталь обычно размером с три футбольных поля.
Зимой, высоко во французских Альпах, где-то между горами, домиками и горнолыжными курортами, Саймон Бек создает эти прекрасные узоры на снегу. Они часто напоминают геометрические формы, а иногда могут казаться трехмерными. Эти огромные конструкции лучше всего видны с больших высот. Бек делает все фотографии своих работ сам, садясь в самолет, поднимаясь на вершину или катаясь на горнолыжном подъемнике. К сожалению, каждая его невероятная работа длится только до следующего снегопада.
10. Ник Олсон и Лайла Хорвиц
Расположенный в горах Западной Вирджинии фотограф Ник Олсон и дизайнер Лайла Хорвиц построили собственное очаровательное убежище из выброшенных окон. Возвышающийся дом вдали от дома может похвастаться креативным фасадом с окнами разных размеров, что придает ему художественный вид, одновременно деревенский и современный.
Тем не менее, это больше, чем что-либо другое, это отражение прилежных и скупых усилий пары.Собрав большую часть материалов из соседнего заброшенного сарая, творческий дуэт смог построить невероятную стеклянную кабину, потратив примерно 500 долларов и потратив несколько месяцев на смазку для локтей.
Олсон говорит: «Мы смогли воплотить это в жизнь, потому что мы первые художники и творцы. Чтобы сделать это дешево, нам пришлось проявить изобретательность ». Для пары это означало жить за счет риса и бобов, посвящая свое время и энергию строительству своего единственного в своем роде дома.
Олсон и Хорвиц, по общему признанию, не проводят время в хижине круглый год, однако время от времени им нравится побег на природе.Хотя в кабине нет электричества или водопровода, она предлагает освежающее «единство» с окружающей средой, подчеркивая некоторые аспекты красоты природы. Хорвица переполняет радость от чудесного светового шоу, создаваемого через их окна, когда солнце садится. «Вот тогда все внутри горит», — говорит она.
Заключение
Подобные умные и креативные конструкции определяют то, как мир будет выглядеть в будущем.На My Modern Met мы демонстрируем эти блестящие умы с надеждой, что мир полюбит их творения. Мы считаем, что отличная идея, которой поделились в Интернете, может дать толчок движению к позитивным изменениям в течение нескольких дней, если не часов.
Благодаря вирусному эффекту новаторское искусство и инновационный дизайн могут переходить с одного веб-сайта на другой, не только от блога к блогу, но и на новостные онлайн-сайты и даже на телевидение, что дает художникам и дизайнерам возможность быстро охватить миллионы. На глобальном уровне, как создатель, вы теперь можете влиять на людей со всего мира своей работой.А на более личном уровне вы можете не только общаться со своей аудиторией, но и вдохновлять людей и, надеюсь, изменить чью-то жизнь.
Спасибо.
Искусство против дизайна — вечный спор
Потратьте какое-то время на работу с профессиональными дизайнерами, и вы поймете, что приравнивание искусства к дизайну — верный способ встряхнуть горшок и услышать смелые заявления вроде:
- «Дизайн , а не арт. Дизайн должен функционировать ».
- «Искусство призвано вызывать мысли и эмоции, но не решает проблем.”
- «Художники в первую очередь работают с инстинктами, тогда как дизайнеры используют методичный процесс, основанный на данных».
К сожалению, дискуссия между дизайнером и художником часто превращается в разглагольствования и бреда. Строятся линии, поднимаются боевые флаги, и продуктивный диалог становится невозможным.
Что на самом деле здесь происходит? Почему искусство и дизайн противопоставлены друг другу и почему дизайнеры так непреклонны, что дизайн не может быть искусством? Эти вопросы — отправная точка вдумчивого разговора между дизайнерами Toptal Микой Бауэрс и Миклосом Филипсом.
Bowers — бренд-дизайнер и иллюстратор, который считает, что искусство включает в себя множество творческих дисциплин, дизайн является одной из них, и поэтому дизайн — это искусство.
Philips, UX-дизайнер и ведущий редактор блога Toptal Design, придерживается позиции, что искусство и дизайн могут пересекаться, но это совершенно разные области.
С нашими участниками на ринге пора начинать дебаты. Господа, дотрагивайтесь до перчаток и идите по своим углам.
Дизайн — искусство?
Михей: Дизайн — это искусство.Искусство — это дизайн. Без исключений.
Давайте проясним: я знаю, насколько непопулярна моя позиция, особенно среди моих коллег-дизайнеров. Я был на беседах, читал книги, разговаривал с коллегами и посещал занятия, решив установить непримиримые различия между искусством и дизайном. Всякий раз, когда я делюсь своими взглядами, реакция возникает быстро и яростно, но контраргументы меня не трогают (удачи, Миклос).
Настойчивое стремление к различию между искусством и дизайном было похоже на постоянную низкую лихорадку, которая беспокоила меня последние 15 лет — сначала во время обучения промышленному дизайну, затем во время учебы в магистратуре изящных искусств, а затем в моей карьере в сфере искусства. брендинг и иллюстрация.
Моя позиция такова: хороший дизайн — это прежде всего искусство. В чем коренится это убеждение? Философское понимание искусства.
Философы, такие как Платон, веками обсуждали значение искусства и определение дизайна.
(«Платон» от lentina_x — под лицензией CC BY-NC-SA 2.0)
Поиски определения искусства уходят корнями в многовековые дискуссии. Греческий философ Платон считал, что искусство по сути является отражением реального. Но его взгляды широко оспариваются, и, поскольку мы должны с чего-то начинать, мы должны стремиться к пониманию, которое признает историю и разнообразие мировой мысли и культуры.
Перефразируя Стэнфордскую энциклопедию философии, мы здесь:
Искусство существует и существовало во всех известных человеческих культурах и состоит из предметов, представлений и переживаний, которые их создатели намеренно наделяют высокой степенью эстетического интереса.
В соответствии с этим определением дизайн, несомненно, является искусством. Его можно найти в любой человеческой культуре. Он используется для создания объектов, представлений и впечатлений. А дизайнеры намеренно привносят в свою работу значительный эстетический интерес.
Здесь слышен неизбежный крик: «Подожди! Вы погубили себя одним словом. Эстетично! »
Дизайнеры любят делать радикальные предположения в отношении эстетики, поэтому позвольте мне создать защиту.
Как и искусство, понятие эстетики — это сложная область философской мысли, которую нельзя свести к стереотипу дизайнера, что оно означает «делать вещи красивыми».
На самом деле, эстетика охватывает множество вопросов, которые важны для «искусства vs.дизайн »дебаты:
- «Можно ли определить эстетическое суждение из практического?»
- «На каком основании мы судим о полезности и красоте?»
- И: «Как основополагающие убеждения, с помощью которых мы делаем эстетические суждения, подвержены влиянию времени, культуры и жизненного опыта?»
Вот моя точка зрения: в мире современного дизайна искусство имеет узкое определение и несправедливо превращается в жалкую акварельную карикатуру.Дизайнеры легкомысленно преувеличивали значение своих собственных дисциплин (которые различаются по содержанию до комической степени) на протяжении веков художественной практики, философских исследований и культурного понимания. Дизайн — это искусство. Искусство — это дизайн. Без исключений.
Миклош: Дизайн должен выполнять функцию. Не искусство.
Прежде всего, мы должны выделить, о каком дизайне типа идет речь. Я вижу, что в случае графического дизайна, иллюстраций и брендинга, может быть, дизайн в некотором роде «искусство», , но если мы говорим о более функциональном дизайне, таком как дизайн цифровых продуктов или промышленный дизайн, нам нужно много глубже, и становится ясно: Дизайн — это не «искусство.”
Великолепный дизайн — это отчасти наука, отчасти процесс, а отчасти — практический набор решений с примесью эстетики. Выйдя за пределы поверхности, дизайнер неизбежно обнаруживает, что отличный дизайн — это скорее решение проблем.
Дизайн — это процесс, а не искусство.
Как UX-дизайнер, мне всегда нужно копать глубже, за пределами фасада, который можно было бы назвать потенциальным «дизайном», и смотреть на более широкую картину целостно: целевая аудитория, сценарии использования, контекст и устройство дизайн Предназначен для: ТВ на мобильные устройства, настольные компьютеры на планшеты, банкоматы и т. д.Что касается дизайна продукта, давайте не будем забывать о проверке и тестировании удобства использования. Если бы дизайн был , всего лишь арт, как бы вы могли его проверить?
Если бы дизайн был исключительно искусством, как насчет эвристики юзабилити? Являются ли такие концепции удобства использования UX, как обратная связь, согласованность и стандарты, предотвращение ошибок, пользовательский контроль, гибкость и предсказуемость, за окном? Разве дизайн не для того, чтобы служить людям? Если хочешь быть художником, будь этим, но не называй себя дизайнером. Будьте художником или скульптором.
«Есть красота, когда что-то работает и работает интуитивно», — говорит Джонатан Айв.
«Работа интуитивно» сама по себе не может быть достигнута «искусством»; он основан на исследованиях и тестировании пользователей. Хороший дизайн также основан на данных. Более того, в ближайшем будущем ИИ изменит способ разработки дизайна. Это будет супер-персонализированный и упреждающий. Сможет ли это сделать дизайн как «искусство»? Я так не думаю.
Нельзя сказать, что проектирование пользовательского интерфейса автомата по продаже билетов — это «искусство.Конечно, эстетика и эмоциональный дизайн вступают в игру — как уже упоминалось ранее в других статьях в блоге Toptal Design, — потому что эстетика играет роль в дизайне в той мере, в какой дизайн с лучшей эстетикой заставляет продукт «работать лучше». Но все же необходимо учитывать функцию дизайна и контекст использования.
Например, в основополагающей книге Дона Нормана «Дизайн повседневных вещей» он говорит о дизайне и концепции аффордансов. (Концепция аффорданса была изобретена перцептивным психологом Джеймсом Дж.Гибсон в своей новаторской книге Экологический подход к визуальному восприятию ). Норман пишет:
Возможности дают убедительные подсказки о работе вещей. Плиты толкаемые. Ручки поворотные. Слоты предназначены для вставки вещей. Ручки для подъема. Мячи предназначены для метания или отскока. Когда используются преимущества, пользователь знает, что делать, просто взглянув: изображение, этикетка или инструкция не нужны.
Итак, аффордансы — это «воспринимаемые свойства» функции в дизайне, и о них нужно сигнализировать пользователю с помощью «указателей», которые дают подсказки пользователю о существовании возможного взаимодействия.Я не знаю, как можно объединить концепции аффордансов и означающих с «искусством». Это важные концепции дизайна взаимодействия в сфере HCI (взаимодействия человека и компьютера). Они не имеют отношения к искусству.
Как UX дизайнер, я отвергаю это понятие. Я имею в виду, вы можете представить себе автомат по продаже билетов, созданный Пикассо в кубистском стиле? Я не говорю, что это было бы неинтересно, но это было бы не очень эффективно или функционально.
Что такое хороший дизайн?
Михей: Искусство решает проблемы.«Хороший дизайн» — это просто один из путей к решению.
Автомат по продаже билетов в кубизме Пикассо? Теперь , что было бы хорошим дизайном! Я могу представить себе руки способного художника, использующего стилистический диссонанс кубизма в четко определенной визуальной иерархии, которая радует пользователей однозначными точками взаимодействия. Наконец, мы могли попрощаться с мягкими и запутанными святилищами, к которым мы все привыкли.
Интересно, что такая идея не беспрецедентна.В городах по всему миру инсталляции паблик-арта использовались для улучшения впечатлений, ранее упускаемых из виду или запутанных в дизайне. «Путь Ван Гога», созданный голландским художником Дааном Русегаарде, является прекрасным примером.
Технология экспериментальной инсталляции оказывает существенное влияние на мир дизайна.
Вдохновленный «Звездной ночью» Ван Гога, тропа проходит через Нуэнен, Нидерланды (город, где художник жил в 1880-х годах), и состоит из тысяч маленьких раскрашенных камней, которые улавливают энергию солнца днем и светятся ночью. .
Если бы все это было охвачено проектом, это было бы не более чем красивый световой эффект, но рамки художественного видения Русегаарде намного шире. Путь Ван Гога является подтверждением концепции в рамках более крупного проекта под названием SMART HIGHWAY, амбициозного проекта, направленного на переосмысление голландского ландшафта путем внедрения устойчивой системы светящихся интерактивных дорог.
Вывод? Искусство и художники способны решать существенные проблемы.
Решение проблем требует знаний, опыта, навыков, исследований, риска и понимания человеческого поведения, но, к сожалению, многие дизайнеры не осознают, что художники используют методологию решения проблем в своей работе, даже несмотря на то, что художники систематически ищут творческие решения для веков, задолго до того, как звание «дизайнер» стало модным.
Нужны доказательства?
И снова мы обращаемся к голландскому художнику, мастеру света и живописцу «Девушка с жемчужной сережкой » Йоханнесу Вермееру. Вермеер жил в середине XVII века, добился скромных успехов как художник и умер под гору долгов. Однако почти через два столетия после его смерти работы Вермеера были заново открыты, и его статус одного из величайших художников всех времен был закреплен в анналах истории искусства.
Но случилось странное.Чем больше людей изучали Вермеера и его работы, тем больше они понимали, что его картины и процесс действительно не похожи на работы других художников. Как так?
- Вермеер не имел формального художественного образования и, по всей видимости, не учился на художника.
- Его работы довольно малы, всего менее 50 картин.
- У него никогда не было своих учеников или учеников.
- Почти все картины Вермеера были поставлены в одной из двух комнат его дома.
- Нет сохранившихся подготовительных рисунков или эскизов, приписываемых Вермееру.
- Рентгеновские снимки картин Вермеера не обнаруживают прорисовок или композиционных исправлений.
- Его картины содержат искажения освещения и перспективы, которые можно увидеть только через искусственные линзы.
- И, наконец, Вермеер был близким другом Антони ван Левенгука, голландского ученого, известного своими новаторскими работами в области изготовления линз и микроскопии.
Некоторые ученые утверждают, что человеческий глаз не может естественным образом воспринимать аберрации освещения и перспективы, обнаруженные на картинах Вермеера.
Что все это значит? Вермеер, вероятно, использовал продвинутую и до сих пор неизвестную форму камеры-обскуры для создания своих шедевров. Это спорная теория, но есть достаточно доказательств из множества источников, подтверждающих такое утверждение.
Какое отношение это имеет к нашим дебатам? Вермеер изобрел устройство и процесс, которые оставались незамеченными и не дублировались более 350 лет, и позволил ему создать одни из самых знаковых и технически изысканных картин в мире без какого-либо формального обучения.Это вершина решения проблем.
Дизайн — это форма искусства, метод человеческого выражения, который следует системе высокоразвитых процедур для придания значимости объектам, представлениям и опыту. Как и все виды искусства, дизайн может решать проблемы, но нет никакой гарантии, что это так.
Больше всего я хочу, чтобы дизайнеры осознали, что искусство — это не глупая субкультура дизайна, которая отвергает озабоченные рисованием пальцами свои чувства.Фактически, низкий взгляд на искусство — это также низкий взгляд на дизайн, науку, историю и культуру, что серьезно ограничивает творческий потенциал и междисциплинарный прогресс.
В конце концов, искусство решает проблемы. «Хороший дизайн» — это просто один из путей к решению.
Миклош: Хороший дизайн беспристрастен и удовлетворяет потребности людей.
Обратите внимание, я не сказал «чего хотят люди», как в песне Rolling Stones: «Вы не всегда можете получить то, что хотите… вы получаете то, что вам нужно.«Люди не всегда знают, чего хотят, дизайнеры должны выяснить, что именно им нужно.
Кстати, а как картины решают проблемы? Я этого не вижу.
Хороший дизайн до некоторой степени субъективен, но, на мой взгляд, «хороший дизайн» определяется в процессе итеративного проектирования с большим количеством проверок / тестов. Это «дизайнерское мышление». Он существует уже несколько десятилетий. Это то, что просто работает, когда все складывается правильным образом, в нужное время, в нужный момент.
Хороший дизайн — это определенно , а не только об искусстве или эстетике. Это только поверхность. О хорошем дизайне следует судить по нескольким факторам, таким как предполагаемая база пользователей, среда, контекст использования, среда и устройство, на котором он будет отображаться. Например, в случае с автоматом по продаже билетов эстетика может не иметь такого большого значения — людям нужно делать что-то, а вещи просто должны работать на них. Он должен быть суперфункциональным, быстрым и эффективным.
На мой взгляд, хороший дизайн — это дизайн, в котором гармонично сочетаются эстетика и дизайн взаимодействия. Продолжая использовать пример с автоматом по продаже билетов, в этом сценарии «внешний вид» менее важен и должен занимать соответствующую часть с точки зрения важности на шкале баланса, а удобство использования и дизайн взаимодействия (функциональный дизайн) должны занимать большую часть. пропорция.
Мы также можем противопоставить «хороший дизайн» и «плохой дизайн». Плохой дизайн — это столпотворение.Это беспорядок. Это может расстраивать или раздражать. Это замедляет людей и истощает их эмоционально. На самом деле он может быть уродливым или просто непримечательным и, следовательно, не заслуживающим чьего-либо внимания. Для вашей аудитории плохой дизайн — это препятствие, а не расширение возможностей.
Выглядит круто, но хороший ли дизайн?
Является ли дизайн субъективным или объективным?
Миклош: Это сочетание того и другого в разных пропорциях.
Искусство и дизайн неразрывно связаны.Я считаю дизайн целостным делом, в которое входит «искусство». Дизайн является как субъективным , так и объективным, но должен быть в первую очередь объективным . Надлежащая объективность дизайна достигается путем исследования пользователей (определение целевой пользовательской базы, знакомство с пользователями продукта, наблюдение за контекстом использования), проработки основных этапов процесса проектирования, ориентированного на пользователя (UCD), и пользовательского тестирования.
Дизайн может возникнуть в голове блестящего дизайнера, но его практическое применение еще требует подтверждения.Если бы дизайн был только субъективным, не было бы необходимости в юзабилити-тестировании (что, скорее всего, расстроило бы дизайнера, потому что он / она обнаружил бы, что дизайн не работает). Дизайн должен был исходить от одного человека, что, на мой взгляд, является нелепой, отсталой идеей. Дизайнеры, которые на 100% субъективны, высокомерны.
Однако небольшой процент субъективности действительно играет роль — эстетика играет роль, и, возможно, именно здесь происходит эмоциональный дизайн. Это шаг, на котором на первый план выходят чувствительность, «искусство» и субъективность дизайнера.Великие дизайнеры «наряжают» или «прикрывают» лежащий в основе функциональный дизайн, чтобы создать что-то, что работает на всех эмоциональных уровнях — интуитивном, поведенческом и рефлексивном — для создания продукта с потрясающим UX.
Некоторые дизайнеры считают, что хороший дизайн должен быть объективным. Я в это не верю. В дизайне Старка или Джонатана Айва есть доля гениальности. Они привносят в свой дизайн нотку субъективизма, что связано со вкусом. Одним из величайших оскорблений Стива Джобса было обвинение кого-то в отсутствии вкуса.
Стул дизайн бельгийского дизайнера Маартена Ван Северен
Михей: Искусство и все его дисциплины (включая дизайн) сочетают в себе объективность и субъективность.
Я не знаю, как это произошло, Миклош, но похоже, что мы нашли общий язык, и я приятно удивлен.
Искусство и все его дисциплины, включая дизайн, требуют сочетания объективности и субъективности. Конечно, найдутся дизайнеры, которые закатят глаза и заявят: «Искусство чисто субъективно.Для разных людей это может означать разные вещи ». Очевидный контрапункт? «То же самое и с дизайном!»
Но давайте присмотримся.
Когда дизайнеры утверждают, что искусство должно быть субъективным, они обычно имеют в виду то, как люди оценивают результат усилий художника. Такое мышление об искусстве делает упор на результат. Другими словами, искусство равно объектам, представлениям и опыту. Искусство — это живопись. Искусство — это танец. Искусство — это световое шоу.
С этой точки зрения арт является субъективным.Я думаю, что американская готика жуткая, но вы находите это вдохновляющим. Я думаю, что кресло Имса — это классно, но вы чувствуете, что это вульгарно. Я думаю, что интерфейс WhatsApp сбивает с толку, но ничего более элегантного вы еще не видели. Искусство — это результат, результаты открыты для интерпретации, и все правы!
Справедливо ли судить об искусстве исключительно по результатам усилий художника?
К счастью, определение искусства, которое я предложил в начале этой дискуссии, более тонкое, поэтому давайте освежим наши воспоминания:
Искусство существует и существовало во всех известных человеческих культурах и состоит из предметов, представлений и переживаний, которые их создатели намеренно наделяют высокой степенью эстетического интереса.
Обратите внимание на слова, выделенные жирным шрифтом. Художники «намеренно наделяют» свои работы в высокой степени смыслом. Другими словами, они сознательно усиливают или целенаправленно обогащают. Есть намерение жениться на действии.
Понимаю более полно, искусство — это не результат. Искусство — это процесс, а процесс искусства переполнен объективностью.
Не согласны? Рассмотрим столетия повторяемых практик, стандартизированных инструментов, химических реакций и научных открытий, сделанных искусством.В той мере, в которой могут существовать реальности, независимые от разума (определение объективности), искусство объективно, потому что оно зависит от процесса.
Если художник по керамике зажжет блюдо, не дав ему предварительно высохнуть, оно взорвется.
Если пианист положит пальцы на правильные клавиши, она сыграет нужный аккорд.
Если веб-дизайнер выберет дингбаты в качестве основного текста, большие части сайта его клиента будут неразборчивыми.
Главный вывод, Миклош, в том, что я в основном с тобой согласен.Искусство и, следовательно, дизайн — это смешанный мешок объективности и субъективности, приправленный достаточно двусмысленностью, чтобы дискуссия «Искусство против дизайна» продолжалась долгие годы.
Заключение
Совершенно непонятно, что эти слова — «Что такое искусство?» — выражают что-то вроде единственного вопроса, на который даются конкурирующие ответы, или же вовлечены ли философы, предлагающие ответы, в одни и те же дебаты… Абсолютное разнообразие предлагаемых определения должны заставить нас задуматься. — Кендалл Уолтон,
На самом фундаментальном уровне и искусство, и дизайн стремятся что-то сообщить, и, несмотря на различия, будь то изящное, коммерческое или прикладное искусство, в лучшем случае обе формы вызывают эмоциональный отклик.
Утверждалось, что разница между изобразительным и прикладным искусством контекст и больше связана с оценочными суждениями о самой работе, чем с любым неоспоримым различием между двумя дисциплинами. Более того, сравнение «искусства» и «дизайна», хотя и возвышенное, возможно, донкихотское занятие, поскольку ни одно из них не может быть определено абсолютно, потому что они постоянно меняются — границы постоянно раздвигаются и, надеюсь, будут таковыми и в будущем. В конце концов, эти дебаты: — это вне времени.
Как мы решаем, что такое искусство, а что дизайн, и почему отношения между ними настолько разорваны? Разногласия вызывает ли разница между функциональным (дизайн) и нефункциональным (искусство)? Журнальный столик Noguchi или стул Rennie Mackintosh — это просто функциональный объект, или же у искусства есть функция?
Глазский архитектор, художник и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош был одним из первых сторонников интегрированной арт-архитектуры.Он верил в чистую интеграцию формы и функции и на протяжении всей своей карьеры стремился выдвинуть теорию «комнаты как произведения искусства».
Ренни Макинтош спроектировал мебель и другие приспособления в своих зданиях, где каждая деталь вносила вклад в общее целое.
Фрэнк Ллойд Райт настолько твердо верил в единство формы и функции, что изменил часто неправильно понимаемую аксиому «форма следует за функцией», которую его наставник Луис Салливан придумал следующим образом: «форма и функция едины.Его план относительно Guggenheim «… заключался в том, чтобы сделать здание и картины прекрасной симфонией, которой никогда раньше не было в мире искусства».
В заключение скажу, что не искусство против дизайна , а их единство лежит в основе любого превосходного дизайна. Другими словами, хороший дизайн включает искусство.
• • •
Дополнительная литература в блоге Toptal Design:
Гильдия черных художников и дизайнеров объединилась с Херстом в новом концептуальном доме
Как и многие из нас, когда пандемия привела к закрытию всего мира в апреле, художница и дизайнер Мален Барнетт , основательница Гильдии черных художников и дизайнеров, обратилась к Zoom, чтобы поддерживать связь с сообществом.Она организовывала еженедельные видеочаты для участников, где все они могли обсуждать такие темы, как подача заявки на Программу защиты зарплаты или ссуды для малого бизнеса. Эти чаты быстро перешли к тому, как оставаться креативным в трудное время, что привело к идее виртуального концептуального дома, который мог бы служить как творческим инкубатором, так и демонстрацией талантов участников BADG.
«Мы решили, что хотим расширить идею выставочного дома, которая обычно больше основана на фантазиях, чем на реальности», — говорит Барнетт.«Мы хотели иметь что-то реальное и позиционировать это как способ жить, а не просто демонстрировать отличный дизайн».
Мален Барнетт, Аларик Кэмпбелл
Этот проект, получивший название Obsidian Virtual Concept House, представляет собой дом площадью 11 000 квадратных футов в Окленде, штат Калифорния, предназначенный для семьи чернокожих, состоящей из нескольких поколений. «Мы используем исследования, а также наш опыт, чтобы подойти к этому с более продуманной точки зрения дизайна», — говорит Барнетт. «Он думает об устойчивом развитии, инновационных технологиях и культуре чернокожих и исследует, как мы можем объединить все это в одном пространстве.”
Дом, который будет представлен онлайн с использованием высокотехнологичных визуализаций и виртуальной реальности, будет спроектирован 22 создателями BADG, которые объединят свой опыт в архитектуре, дизайне интерьеров и искусстве. Барнетт хочет снизить внимание к индивидуальной собственности, которая часто возникает в выставочных залах, где комната создается одним дизайнером. «Я хочу деколонизировать то, как мы думаем о дизайне», — говорит она. «Мы все равноправные создатели этого пространства».
Проект дебютирует в начале 2021 года и станет партнерством BADG и Hearst’s Luxury & Design Collection, которое включает Elle Decor, House Beautiful, Veranda, и Town & Country .«После нашего сотрудничества с BADG в рамках благотворительной инициативы« Design Unites »в начале этого года мы рады отметить и расширить этот виртуальный концептуальный дом, представляющий семьи чернокожих во всех наших брендах», — говорит Дженнифер Левен Бруно , вице-президент и издательский директор группы Luxury & Design Collection.
«Истории, подобные той, что мы рассказываем в этом проекте, не рассказывались, поэтому мы рады, что Херст видит ценность», — говорит архитектор и дизайнер Лейден Льюис , один из членов BADG, вносящих свой вклад в строительство дома.«Иметь такое количество впечатлений очень интересно. Я также думаю, что это отражает их более широкую приверженность делу разнообразия, что связано с недавним назначением Асад Сиркетт главным редактором Elle Decor . Это то, чем я, как чернокожий американец, зная, что такое положение возможно, — это заставляет меня гордиться ».
Лейден Льюис Предоставлено Лейденом Льюисом
Льюис и его коллега-архитектор и дизайнер Нина Кук Джон будет спроектировать дом и возглавить комитет проекта вместе с Барнеттом и дизайнерами интерьеров Келли Финли , Эверик Браун и Киёнда Пауэлл .Команда BADG установила дом в 2025 году, чтобы снять некоторые творческие барьеры. «Мы хотели раздвинуть границы виртуальной среды и хотели сделать что-то вроде автосалона, где у автомобильной компании может быть автомобиль, который немного футуристичен и будет выпущен через пару лет, и это просто будоражит людей. будущее автомобильного дизайна », — говорит Кук Джон. «Мы хотим дать темнокожим дизайнерам пространство для изучения концепций, которые они не могут реализовать со своими реальными клиентами, и позволить им расширить свои творческие возможности с учетом афрофутуризма.Мы спрашиваем: когда черные люди мечтают об идиллическом месте и думают об этом, как это выглядит в доме? »
После COVID Кук Джон считает, что идея дома для нескольких поколений актуальна как никогда. «В этом году мы видели так много вариантов воссоединения семей, когда замужние взрослые возвращаются домой со своими родителями или дети студенческого возраста возвращаются домой — это то, с чем сталкивается все больше и больше людей», — говорит она. «Имея это в виду, мы хотим, чтобы этот дом стал своего рода коллажем семейного опыта Блэков.«Дом будет сформирован идеей того, что дизайнеры выставочного дома называют« якорной семьей », — родственниками, которые принимают всех во время отпуска или к которым обращаются, когда члену семьи нужно место для проживания. «Это определенно часть нашего большого повествования, — говорит Льюис. «Как нам создать место, которое поддерживает семью, но также позволяет другим людям проходить через них?» Эта идея будет реализована за счет пристройки, например, квартиры-студии над гаражом.
Экологичные особенности также будут ключевыми для проекта, и дизайнеры изучают, как в доме можно использовать геотермальное отопление и охлаждение в дополнение к сбору дождевой воды.Они также будут включать участки, где семья могла бы выращивать себе еду. «Часть исторической традиции Black включает выращивание трав, консервирование и консервирование домашних продуктов», — говорит Кук Джон. «Так что это определенно то, что мы хотели бы отметить». Команда создателей также планирует отдать должное Олону, коренному племени, живущему в районе залива Сан-Франциско, в дизайне.
Нина Кук, Джон Болл и Альбанезе
Создание дома виртуально дает уникальную возможность проектировать, фактически не прибегая к каким-либо источникам — что, как надеются создатели BADG, позволит им создавать свободно и проявлять немного больше воображения с материалами, которые они могут выбрать.«Было бы замечательно, если бы кто-то, кто делает плитку и хочет быть частью этого дома, мог сказать:« У нас есть эти эскизы продукта, который не будет выпускаться в течение года, но как это может сработать для вас? «Или, если у компании есть какой-то невероятный продукт с автоматическим затемнением, который еще не был выпущен, мы можем использовать то, чего еще нет на рынке», — говорит Кук Джон. Льюис добавляет, что это также дает производителям возможность использовать непроизведенную работу, которую отраслевые бренды могли видеть, а затем развивать.
«Мы хотим, чтобы были такие возможности, вместо того, чтобы использовать, скажем, обои, созданные 30 лет назад», — говорит Льюис. «Возможность спроектировать комнату, не имеющая отношения к необходимости идти к крупным брендам и спрашивать их об их продукте, действительно важна в нашем намерении с этим проектом».
Гильдия рассматривает концептуальный дом Obsidian как свой унаследованный проект, который будет происходить ежегодно и принимать самые разные формы, а не только на дому.Барнетт хотел бы менять месторасположение каждый год, всегда сосредотачиваясь на областях с процветающей культурой чернокожих. «Может быть, это Новый Орлеан или, может быть, это Кингстон, Ямайка, но где бы ни находились сообщества чернокожих, мы хотим думать о том, как мы можем создать пространства, поддерживающие это сообщество», — говорит она. «Чернокожие люди и чернокожие создатели, мы понимаем существующие системные структуры — это не новость для нас, — но мы должны создавать пространства для жизни чернокожих, где мы можем проявлять настойчивость и процветать».
Фото с домашней страницы: Визуализация виртуального концептуального дома Obsidian | Предоставлено The Black Artists + Designers Guild
8 лучших социальных сетей для художников и дизайнеров
Социальные сети — отличное место, где можно продемонстрировать свои лучшие работы и продвигать себя как творческих людей.Ваше присутствие в Интернете может помочь вам найти новую работу, привлечь клиентов-фрилансеров или творческих сотрудников, а также укрепить вашу профессиональную репутацию.
Но с таким количеством платформ социальных сетей на выбор, как узнать, какие из них использовать? Чтобы выяснить это, мы прислушались к советам целого ряда творческих профессионалов, включая художников, фотографов, дизайнеров и режиссеров. Мы узнали, что им нравится в каждой платформе социальных сетей и почему каждая из них может оказаться полезной для отображения элементов вашего портфолио (для получения дополнительной информации о портфолио см. Нашу публикацию о графическом дизайне портфолио) или, может быть, что-то еще.
Мы использовали их ответы, чтобы составить список наиболее полезных социальных сетей для художников и дизайнеров прямо сейчас. (Обратите внимание, что мы не включили приложение для обмена видео TikTok, но вы можете прочитать все, что вам нужно о нем, в нашем руководстве по приложению TikTok. А если вы хотите узнать о Clubhouse, см. Наше руководство, что такое Clubhouse?)
01. Dayflash
Работа Грега Макмиллана над Dayflash (Изображение предоставлено Грегом Макмилланом)Никогда не слышали о Dayflash? Ты не одинок. Но прямо сейчас он быстро набирает популярность среди креативщиков.И это потому, что приложение для iOS, запущенное в прошлом году, в основном работает так же, как Instagram , с которым работал . По его собственным словам, «нет никакого алгоритма и больше нет пропущенных сообщений от ваших друзей».
Соучредитель Рупали Реньен говорит нам, что, по ее мнению, «платформы для обмена фотографиями несправедливо используют алгоритмы, чтобы диктовать, какие подписчики должны видеть сообщения пользователя. видео и покупки, все, чтобы они могли зарабатывать больше денег на рекламе и бизнес-аккаунтах, все меньше и меньше времени тратится на авторов, что снижает видимость и возможности «.
Вы можете публиковать фотографии в полном разрешении, без алгоритмов, всегда искреннее вовлечение, без ботов
Дэвид Кастильо
И креативщики действительно хорошо реагируют на новую платформу. «Мне нравится использовать Dayflash», — говорит нью-йоркский фотограф Дэвид Кастильо. «Вы можете публиковать фотографии в полном разрешении, без алгоритмов, всегда искреннее участие, без ботов. И мне нравится эстетика интерфейса».
Скотт Терри, создатель и представитель брендов из Чикаго, согласен с этим.«Это замечательно, потому что вы можете публиковать полнокадровые публикации в высоком разрешении, в отличие от Instagram, — отмечает он. И видео тоже есть.
«Лично мне нравится иметь возможность показывать свои работы такими, какими я их создал, а не быть сжатыми, как в Twitter или Instagram», — говорит режиссер Тайлер Палмер. «И даже с небольшим количеством подписчиков, мои работы все еще видны».
Фотограф из Лос-Анджелеса Торензо Перри также является его поклонником. «Мне лично нравится приложение, потому что оно больше ориентировано на контент, а не на лайки и просмотры», — говорит он.В то время как Грег Макмиллан, айфонограф и соведущий подкаста Tiny Shutter, восхищается как приложением, так и философией его создателей. «Они выяснили, какой должна быть социальная платформа и как она должна работать», — с энтузиазмом говорит он.
И фанатами являются не только фотографы. Возьмите бразильскую художницу по персонажам Даниэль Пиоли, которая использует его, чтобы делиться своими иллюстрациями и комиксами. «Мне очень нравится Dayflash», — говорит она. «С тех пор, как я начал его использовать, оно значительно улучшилось. Не только удобство использования приложения, но и качество содержимого внутри него.Я рассматриваю это приложение как новую тенденцию для визуальных художников всех мастей. Он прост в использовании, довольно прост и увлекателен.
02. ArtStation
ArtStation — необходимость для художников 2D и 3D (Изображение предоставлено Artstation)Запущенная в 2014 году, ArtStation, возможно, не сильно изменилась за эти годы. Но это остается и местом для размещения вашего профиля для профессиональных художников 2D и 3D, особенно тех, кто работает в играх, кино, СМИ и индустрии развлечений, или тех, кто стремится к этому.
Как мы сообщали в нашей статье о том, как устроиться на работу художником по видеоиграм, в настоящее время рекрутеры не просто поощряют вас размещать свои работы на ArtStation; они этого ожидают. Некоторые артисты по-прежнему воздерживаются от этого, потому что не хотят участвовать в том, что они считают конкурсом популярности. Но по большому счету рекрутеров не волнует, сколько у вас лайков или подписчиков; это просто о том, нравится ли им ваше искусство, и соответствует ли оно тому, что они ищут.
«Нас интересуют художники, которые создают работы, которые мы можем использовать; вот и все «, — говорит Кевин Макдауэлл, арт-директор серии Total War от Creative Assembly.«Так что убедитесь, что это видно нам, и не беспокойтесь о цифрах».
03. DeviantArt
Работа Кэти Л. Вуд над DeviantArt (Изображение предоставлено Кэти Л. Вуд)Запущенная в 2000 году, DeviantArt больше похожа на любителя, чем на ArtStation. получать комиссионные напрямую через него, это лучшая платформа для демонстрации своего искусства коллегам и получения обратной связи.
Люди, как правило, приходят и уходят с DeviantArt со временем, и автор и иллюстратор Кэти Л. Вуд не исключение.«DeviantArt была первой социальной сетью, к которой я присоединилась, около 13 лет назад, когда я была подростком», — вспоминает она. «Это было огромной частью моего роста как художника благодаря всем потрясающим бесплатным ресурсам, которые у него были, от учебных пособий до кистей и материалов. К тому же в то время у DeviantArt было отличное сообщество. Люди действительно разговаривали, общались и веселились. »
В конце концов, однако, она почувствовала, что сообщество начало ослабевать, и переключила свое внимание на другое. «Однако в прошлом году я снова вернулась к использованию DeviantArt, особенно с его восхитительным ребрендингом», — говорит она.«Я вернулся в первую очередь потому, что DeviantArt прост. В игре нет алгоритмов, он хорошо организован и поддерживает все виды искусства и письма, которые я делаю».
04. The Dots
Работа Джоанны Косински над The Dots (Изображение предоставлено Джоанной Косинска)Созданная в 2014 году профессиональная онлайн-сеть The Dots, которая стремится стать «LinkedIn для творческих людей». И он добился значительных успехов в этом, привлекая такие компании, как Google, Burberry, Sony Pictures, Viacom, M&C Saatchi, Warner Music, Tate, Discovery Networks и VICE, чтобы они использовали его в качестве инструмента для набора персонала.
Но есть еще много чего, что вы можете делать на платформе, кроме ожидания предложения о работе. К ним относятся связь с другими творческими людьми в вашей области, проверка сторонней суеты людей, ответы на запросы о сотрудничестве, отслеживание последних событий и многое другое.
Это в значительной степени случай того, что получается из того, что вы вкладываете. И в отличие от LinkedIn, каждая страница, с которой вы взаимодействуете, красиво оформлена.
В настоящее время большинство креативщиков, похоже, используют The Dots как часть саморекламы, а не сосредотачиваются исключительно на ней.Фрилансер из Йоркшира, например, Джоанна Косинска, говорит: «Я буду публиковать свои работы практически везде, где я могу набрать обороты, включая The Dots, Behance, Dribbble и Creativepool.
» Как графический дизайнер и фотограф, я поставить мое имя там. Так что любая платформа, которая упрощает поиск моей работы, — мой друг, и я с радостью потрачу время на создание профиля и обмен проектами ».
05. Dribbble
Работа Laundry на Dribbble (Изображение предоставлено Laundry)Запущенный в 2009 году Дэном Седерхольмом и Ричем Торнеттом, Dribbble никогда не задумывался как простой сайт-портфолио, как Behance.Его особый ракурс заключался в том, чтобы вытащить небольшие проблески того, над чем вы работали, когда вы не могли поделиться всем проектом.
С тех пор Dribbble вышла за рамки дизайна веб-приложений и мобильных приложений и занялась дизайном иконок, брендингом, анимацией, прототипами, иллюстрациями, графикой и другими дисциплинами. Но по-прежнему делается акцент на неформальном обмене небольшими снимками экрана (известные как «снимки»), а не на размещении больших и подробных изображений в организованной и тщательно аннотированной форме. Как выразился веб-дизайнер из Альбукерке Джек Харнер: «Dribbble больше похож на сообщество, чем на сайт-портфолио.»
Это не означает, что дизайнеры просто разговаривают с дизайнерами. Платформа теперь активно помогает таким компаниям, как Apple, Airbnb, Facebook, Google, Dropbox и Slack, нанимать дизайнеров, и многие клиенты используют ее, чтобы находить людей для заказа. .
«Dribbble стал для нас отличной платформой для создания нового бизнеса, особенно в технологической индустрии, — говорит П. Дж. Ричардсон, партнер лос-анджелесской дизайн-студии Laundry. — Кажется, лучше всего подходят очень графические и иллюстрированные работы, но мы» у меня также появились новые клиенты благодаря тому, что мы публикуем там.«
Для других, таких как Никола Джонс, также известного как Hello I’m Nik Design, Dribbble — это место для размещения работ, которые не помещаются в ваше основное портфолио». Здесь я помещаю свои личные иллюстрации к проекту, и это то, что я ‘ Я хотел бы сделать больше, поэтому, если я когда-нибудь получу какие-либо вопросы об иллюстрациях, я направляю их туда. Иллюстрация для меня больше второстепенная, так как я занимаюсь дизайном брендов и маркетингом прежде всего для клиентов ».
06. Behance
Работа Джорджа Кофи Праха на Behance (Изображение предоставлено: Работа Джорджа Кофи Праха на Behance )Behance — самая близкая вещь в этом списке к чистой платформе портфолио, но с включенным социальным аспектом.Основанная Матиасом Кориа и Скоттом Бельски в ноябре 2005 года, компания была приобретена Adobe в 2012 году, и с тех пор ее охват стал огромным.
В отличие, скажем, от Dribbble или Instagram, Behance предлагает способ показать больше вашей работы, чем просто одно захватывающее изображение. Как поясняет моушн-дизайнер и универсал по 3D Хесус Суарес: «Behance отлично подходит для того, чтобы делиться созданием и скрытыми аспектами. Это позволяет более полно взглянуть на проект».
Конечно, вы можете сделать все это на своем собственном веб-сайте, но социальные аспекты Behance означают, что там тоже стоит размещать материалы, даже если вы просто дублируете один и тот же контент.
Это идеальное место для нас, чтобы поделиться закулисными аспектами наших проектов и тематическими исследованиями.
П.Дж. Ричардсон
И это именно тот подход, который использует прачечная, — говорит Ричардсон. «Наш Behance в основном отражает сайт нашей компании, — объясняет он, — но поскольку им можно делиться, а другие креативщики отправляются на Behance для творческого вдохновения, это идеальное место для нас, чтобы поделиться закулисными аспектами и тематическими исследованиями. наши проекты «.
Лондонский иллюстратор, дизайнер и фотограф Тим Исли придерживается аналогичной точки зрения.«Я использую Behance для полноценных проектов вместе со своим веб-сайтом, потому что есть неплохие шансы попасть на него, что приносит много просмотров, — говорит он. А Клифф Новицки, веб-дизайнер из Мичигана, США, говорит. «Я использую Behance, потому что очень просто разместить что-нибудь в Интернете».
07. Instagram
Работа Тима Исли в Instagram (Изображение предоставлено Тимом Исли)Рост Dayflash (номер один в нашем списке) является признаком того, что любовь некоторых людей к Instagram ослабевает.Но в целом Instagram остается сегодня самой популярной платформой социальных сетей, основанной на визуальных эффектах, и для большинства креативщиков присутствие в той или иной форме на платформе обмена изображениями остается обязательным.
«Несмотря на то, что Behance отлично подходит для того, чтобы делиться своими работами и показывать их на виду у профессионалов, я предпочитаю использовать Instagram в основном», — говорит Джордж Кофи Прах, дизайнер брендового агентства loyalkaspar в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. «Это идеальный инструмент для творчества, как Spotify для музыкантов.
» Он обеспечивает доступ к гораздо более широкой аудитории, чем любая другая платформа, и позволяет мне взаимодействовать буквально с кем угодно.Использование хэштегов значительно упрощает обнаружение и поиск новых и интересных вещей «.
Простота использования также является важным фактором для многих.» Я использую Instagram, а затем The Dots, потому что эти платформы проще и доступнее с точки зрения обязательство на каждый пост, — говорит валлийский / шри-ланкийский художник Муругиа. — На Behance слишком много полей, которые нужно заполнить на каждое сообщение! Дизайнер-фрилансер и основатель блога вдохновения The Design Fix, использовать Instagram не составляет труда.«Вы должны помнить, что мы разрабатываем для целей наших клиентов, а не для других креативщиков», — отмечает она. «Поэтому нам нужно продвигать нашу работу там, где живет наша аудитория. Не поймите меня неправильно, я люблю креативные сайты — в конце концов, я веду свои собственные — но они не там, где мои клиенты!»
Прачечная следует той же логике, говорит Ричардсон. «Художники и клиенты, похоже, все ищут в Instagram вдохновения для дизайна и анимации, поэтому мы и используем его», — рассуждает он. «Мы даже получали оттуда проекты, и клиенты все чаще просят отслеживать нашу работу там.Это также самый простой способ поделиться, и он всегда был таким. Кроме того, легко планировать публикации без проблем с форматированием ».
Люк Мэннинг, креативный директор Pencil Studio, в первую очередь заинтересован в распространении работы среди творческого сообщества, и поэтому Instagram и Twitter оказались наиболее эффективными. — говорит он. — Нашими собственными публикациями стали пользоваться популярные сайты дизайнерских блогов, и мы даже напрямую контактировали с владельцами брендов, делясь нашими последними проектами, — поясняет он.«Мне нравится Behance и то, как он работает, но для нас это еще не принесло никаких результатов, кроме места для хранения проектов».
И если вам интересно, как добиться успеха в Instagram, у нас есть руководство, полное профессиональных советов о том, как повысить вовлеченность в Instagram.
08. LinkedIn
Работа Бена-иллюстратора в LinkedIn (Изображение предоставлено Беном-иллюстратором)Несмотря на полный ребрендинг, LinkedIn не сразу привлекает вас как полезную социальную платформу для творческих людей.Но искусство, дизайн и кинопроизводство — это такие же бизнесы, как и любой другой, и многие творческие профессионалы говорят, что эффективно используют LinkedIn независимо от того, как он выглядит.
Возьмите Фрэнка Суйкера, он же мистер Шугар, арт-директора из Нидерландов. «Я использую LinkedIn, чтобы получать регулярный доход от моих существующих клиентов», — объясняет он. «Размещая сообщения в своем блоге на LinkedIn, я всегда в курсе. И когда у них действительно есть работа, которую нужно выполнить, они приходят ко мне».
Прачечная также недавно перешла на LinkedIn, которую активно использовала в течение последнего года.«Facebook был отличным местом для обмена работами, но он стал забит рекламой, а не постами, ориентированными на дизайн», — говорит Ричардсон. «Напротив, очень сфокусированный на работе и курируемый характер LinkedIn сделал его форумом для обмена дизайном, анимацией и закулисным контентом, что привлекло к нам большое внимание».
Подробнее:
40 чернокожих художников, дизайнеров, поваров и предпринимателей — Дизайн * Губка
Сегодня Мартин Лютер Кинг-младший.День, и я не могу придумать лучшего способа начать этот день памяти и служения, чем словами Мартина Лютера Кинга-младшего:
Мы отказываемся верить в банкротство банка справедливости. Мы отказываемся верить, что в огромных хранилищах возможностей этой страны недостаточно средств.
Обладая этой верой, мы сможем превратить звенящие разногласия нашей нации в прекрасную симфонию братства.
Обе эти строки взяты из его речи «У меня есть мечта», произнесенной в 1963 году на марше на Вашингтон.Если у вас есть время полностью послушать это выступление сегодня, пожалуйста. Его слова сейчас кажутся такими же актуальными, как и 52 года назад, и его призывы к равенству и справедливости по-прежнему крайне нуждаются в мире, который кажется полным «звенящей разногласия».
Последние несколько лет я много думал о равенстве, наглядности и инклюзивности. К сожалению, это не были темы, о которых я много думал в начале Design * Sponge, но эти идеи сейчас в первую очередь у меня в голове.И хотя блог о дизайне может быть не первым местом, где кто-то ожидает поговорить о справедливости и равенстве, для меня эти темы являются центральными для всего, что мы делаем здесь .
«Дом» — это идея, которую я слишком долго считал само собой разумеющейся. Я считал само собой разумеющимся, что у каждого есть дом, в котором они чувствуют себя в безопасности, и что помимо этого, дом, где они чувствуют себя желанными и представленными. Слишком долго я не сосредотачивался на создании онлайн-дома здесь, в Design * Sponge, который представлял бы и прославлял всех в нашем творческом сообществе, дома, в котором все мы, читая и разговаривая, чувствовали себя желанными.И хотя я сожалею о том, что мне потребовалось столько лет, чтобы осознать, насколько важной должна была быть эта миссия, я рад, что теперь мы как команда вложились в создание онлайн-пространства, где каждый читающий может увидеть себя в домах, произведениях искусства, проекты и истории, которыми мы делимся здесь.
Итак, сегодня утром я выделяю 40 Black Makers, Artists, Designers, Chefs and Writers , но Design * Sponge продолжит уделять внимание этим талантливым художникам на ежедневной основе.Я не хочу быть онлайн-домом, где приветствуются только люди одного типа. Я хочу, чтобы мы поделились этой платформой со всеми людьми и предоставили место, где можно найти вдохновение и услышать разнообразные и важные истории из всех слоев общества. — грейс
Повара + Пекари
Художники
Жизнь и бизнес
Что в вашем ящике для инструментов
Гильдия чернокожих художников и дизайнеров стремится увеличить присутствие чернокожих в мире дизайна
По мнению Барнетта, цель гильдии — исправить это и сделать еще один шаг вперед.«Есть две цели», — говорит она. «Один из них — дать полномочия нынешним лидерам. У нас есть целая группа дизайнеров, которые делают работу, не получая видимости, а затем не получают больше работы, потому что у них нет такой видимости. Другая часть: у нас в школе есть целая группа людей, которые хотят быть профессиональными художниками и дизайнерами. На что они способны в рамках своих возможностей? Объединение этих двух составляющих является основой, чтобы следующему поколению не приходилось иметь дело с тем, с чем приходилось иметь дело, а нынешнее поколение может сделать успешную карьеру в том, чем они занимаются.
Помимо обеспечения простой связи для редакторов, брендов и производителей, Барнетт надеется также использовать гильдию — действуя как своего рода союз — для использования различных типов возможностей как для членов, так и для нечленов. «Мы хотим создать возможности для СМИ, панельные дискуссии, области, в которых они могли бы быть экспертами», — говорит она.
Работа Лизы Хант.
Фото: любезно предоставлено Лизой ХантТакие возможности, как отмечает Барнетт, имеют двойное преимущество: акцентировать внимание на цветных креативах и одновременно информировать дизайнерское сообщество о влияниях, которые часто упускаются из виду.«Мы хотим, чтобы о нашей работе говорили с точки зрения знаний», — говорит Барнетт. «Мы так часто попадаем в следующие категории: этнические, экзотические, и это не то, что мы есть. И это происходит потому, что люди не разговаривают с нами; они просто так навешивают на нас ярлыки. Мы хотим быть за столом ».
Это обязательный фактор во все более глобализирующемся мире дизайна. «Мы говорим, скажем, о скандинавском дизайне», — говорит Барнетт. «И все это знают, и у нас есть имидж. Почему мы не говорим об африканском или карибском дизайне? Они столь же влиятельны.Мы должны говорить о них на регулярной основе, чтобы люди получали образование и привлекали ученых, которые об этом знают. На самом деле многие дизайнеры, использующие эти материалы, сами не знают своего наследия. Поэтому нам нужно всех обучать ».
Стул Nyala от Jomo Furniture.
Фото: любезно предоставлено Jomo FurnitureВ конце концов, отмечает Барнетт, инклюзивность полезна для отрасли в целом. «Люди хотят видеть настоящее. Они хотят увидеть, как на самом деле живут люди. Так почему же мы не можем рассказать, как люди живут по-разному? » В качестве примера она приводит недавние сдвиги в мире моды: «Они совершили огромный сдвиг в демонстрации настоящих тел.Смотришь на что-то и думаешь: она вроде как я — я могла бы это надеть! Пришло время сделать это для домашней индустрии. Люди хотят смотреть на вещи и чувствовать себя связанными по-разному ».
Гильдия — впечатляющее средство прогресса, но это всего лишь один шаг к переменам, которые Барнетт надеется увидеть. «Это касается не только меня и ближайших членов Гильдии», — подчеркивает она. «Это целое изменение, которое мы хотим осуществить. Всем нужно видеть, что творчество приходит в разные цвета, от разных людей.”
Еще из AD PRO: Сделал ли Instagram дизайн-шоу лучше?
Подпишитесь на информационный бюллетень AD PRO, чтобы получать все новости дизайна, которые вам нужно знать.
Гильдия черных художников и дизайнеров призывает к изменениям в индустрии дизайна интерьеров
Изменения должны произойти. Системный расизм существует во всех государственных системах и отраслях в Соединенных Штатах, и его недостаточно просто осудить. Надо на самом деле заняться проблемой и найти решение, а не ходить на цыпочках вокруг статус-кво, который маргинализировал цветных людей, особенно тех, кто принадлежит к чернокожему сообществу.Мален Барнетт, практикующий художник, дизайнер и основатель Гильдии черных художников и дизайнеров (BADG), слишком хорошо знакома с этой ситуацией.
«Индустрия дизайна интерьеров — это индустрия для элитарных», — говорит Барнетт BAZZAR.com . «Это сфера услуг, которая не обслуживает чернокожих дизайнеров или нашу культуру и подтверждает белизну. Индустрия дизайна слишком сосредоточена на создании красивых пространств для избранной горстки людей. Не все люди выглядят или живут одинаково, но индустрия хочет, чтобы вы поверили в это.Я был дизайнером и предпринимателем в этой отрасли более 10 лет. Для профессионала это был один из самых сложных моментов ».
Устав от того, что чернокожих художников и дизайнеров постоянно недооценивают, она объединила других единомышленников, чтобы сформировать сообщество, которое, по ее словам, стремится «создать безопасное пространство для чернокожих художников, производителей и дизайнеров, чтобы отмечать превосходство и культуру чернокожих. в дизайне ». Таким образом, в ноябре 2018 года была образована БАДГ. Барнетт объясняет, как все члены некоммерческой организации, насчитывающей более 80 членов и их количество растет, испытали на себе глубоко укоренившийся расизм, который пронизывает индустрию дизайна интерьеров.
«Нас постоянно не замечают», — говорит она. «Посмотрите, сколько брендов сотрудничают с черными дизайнерами и художниками. Сколько черных дизайнеров попадает в топ-листы дизайнеров? Скольких просят стать экспертом на панели или на отраслевом мероприятии? Сколько человек имеют полномочия по принятию решений в крупных организациях или на предприятиях? И список продолжается. Это факты. Волновой эффект нашей недостаточной представленности в индустрии дизайна присутствует повсюду, и нам постоянно напоминают об этом в средствах массовой информации или в том, кто получает дизайнерские возможности.
После убийства Джорджа Флойда руками сотрудников полиции Миннеаполиса, которое вызвало демонстрации по всей стране, призывающие к справедливости, общество в целом столкнулось с реальностью того, что система сломана и что черные люди устали от постоянного приходится бороться за равенство. «Я онемел, я истощен, я человек, у меня бывают моменты упадка, мои чувства невозможно описать словами», — говорит Барнетт. Тем не менее, она упорно продолжает свое стремление поднять и поддержать темнокожие голоса и бизнес.
«Вопрос не в том, важно ли это, это нужно делать», — говорит Барнетт. «В идеале было бы здорово жить в обществе, которое поддерживает любой бизнес. Но поскольку черный бизнес исторически получал меньше финансирования, меньше возможностей, меньше поддержки, нам пришлось создавать собственные ресурсы для развития нашего бизнеса в нашем сообществе ».
Чтобы стимулировать изменения, вы, дорогой читатель, можете сделать пожертвование Гильдии черных художников и дизайнеров и поддержать ее инициативу по демонстрации принадлежащих черным студий в индустрии дизайна интерьеров — многие из которых Барнетт выделяет впереди.
1 Мален Барнетт
Я художник, активист и авторитет в области культурных традиций и практики искусства в африканской диаспоре и того, как они отражаются в ее видении современного опыта чернокожих. Будучи страстным связующим звеном и опытным послом, моя миссия — использовать искусство в качестве инструмента для создания общественного воздействия и открытия дверей для следующего поколения чернокожих художников, а также расширения разговоров о маргинализации в искусстве и создания более широких возможностей для включения.
Узнать сейчас
2 Хадия Уильямс
Хадия Уильямс — многопрофильный дизайнер и художник с 15-летним опытом работы в полиграфическом дизайне. Она является основателем Black Pepper Paperie Co., дизайн-студии в Вашингтоне, округ Колумбия, которая специализируется на создании уникальных предметов ручной работы, вдохновленных мировым сообществом, включая керамические изделия для ношения, домашний декор, изделия из бумаги и аксессуары.
Узнать сейчас
3 Лиза Хант
Лиза Хант — художница и дизайнер из Бруклина.Ее трафаретные работы на бумаге и холсте исследуют пространственные и медитативные отношения, обнаруживаемые в повторяющихся узорах. Состоящие из графических форм, символов и переосмысленных типографских элементов, они выражены в минималистском подходе. Работа Хант отсылает к местным тканям, и она использует эстетическое использование сусального золота как дань уважения его украшению на протяжении всей истории искусства, а также указывает на материализм и ценность.
Узнать сейчас
4 Мебель Jomo
Джомо Тарику — местный промышленный дизайнер эфиопско-американского происхождения.Тарику определяет новый язык дизайна современной мебели в африканском стиле, синтезируя свой опыт разнообразных культур континента, исторических структур, архитектуры, традиционной мебели, цветов, артефактов, окружающей среды, эндемичных животных, платьев и причесок коренных народов. В дизайне Тарику сочетаются воспоминания о годах его становления в Эфиопии и путешествиях по остальному континенту, он предлагает новое направление исследований и опыт современности, в то же время уважая богатую историческую палитру Африки.
Узнать сейчас
5 Студия дизайна Киёнда Пауэлл
Kiyonda Powell Design Studio, LLC — это бутик-дизайнерская фирма, расположенная в Вашингтоне, округ Колумбия, которая преобразует жилые и коммерческие помещения с помощью продуманных и новаторских концепций.
Узнать сейчас
6 Студия Кука Джона
Основанная Ниной Кук Джон, Studio Cooke John — это дизайнерская студия в Нью-Йорке, специализирующаяся на впечатляющей жилой архитектуре, а также на дизайне для международных культурных учреждений.
Узнать сейчас
7 Студия дизайна Лейдена Льюиса
Основатель и креативный директор Leyden Lewis Design Studio, Лейден Льюис имеет опыт, который охватывает богатое культурное наследие Карибского региона Тринидад и Тобаго, городскую изысканность и классический европейский модернизм. Его непревзойденная эстетика сделала его знаменитым дизайнером Нью-Йорка, которым он является сегодня.
Узнать сейчас
8 Бет Диана Смит Дизайн интерьера
Бет Дайана Смит — владелица и главный дизайнер Beth Diana Smith Interior Design, компании по дизайну интерьеров из Нью-Джерси.
Узнать сейчас
9 Johanna Howard Дом и аксессуары
Johanna Howard Home and Accessories — это линия экологически чистых и роскошных предметов домашнего декора из альпаки, изготовленных из тончайшего шерстяного волокна. Она сочетает в себе современный высокий дизайн, скандинавско-американскую эстетику с древними текстильными традициями Перу. Она не считает, что предметы роскоши должны производиться таким образом, чтобы эксплуатировать окружающую среду или людей, которые их создают, или что потребители должны жертвовать качеством ради устойчивости.
Узнать сейчас
10 Радость Street Design
Келли Финли — владелица и главный дизайнер Joy Street Design. Финли изучал дизайн интерьера и внутреннюю архитектуру в Калифорнийском университете в Беркли. Она имеет степень юриста в Стэнфордской школе права и степень в области бизнеса в Университете Эмори. Образовательный и профессиональный опыт Финли в сочетании с ее обширными путешествиями по миру помогает Joy Street Design создавать оригинальные и неповторимые интерьеры с высокой точностью и профессионализмом.
Узнать сейчас
Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты. Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.