Графика российских художников конца XIX–XX вв.
Коллекция отечественной графики конца XIX–XX веков в Сергиево-Посадском музее-заповеднике невелика по объёму, менее систематична и целостна, чем его живописное собрание этого периода. Но она обладает своей художественной значимостью в общем музейном комплексе.Спецификой графической коллекции музея (так же, как и живописной) является преобладание в ней работ местных художников и определённая тематическая направленность, связанная с иконографией Троице-Сергиевой лавры и города. Особую её часть составляют отдельные листы (редко – циклы работ) известных мастеров отечественного изобразительного искусства – И.И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, К.С. Петрова-Водкина, В.А. Фаворского, Т.А. Мавриной и других (около 80 работ).
Первые шаги к формированию коллекции были сделаны в самом начале деятельности музея – в 1920–1921 годах: с «Выставки архитектурных мотивов ТСЛ» было закуплено более 30-ти графических произведений местных художников.
Наиболее ценная часть собрания – это приобретение в дар и закупка графических работ у частных лиц. Таким путём поступили в музей работы И.И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, В.А. Фаворского, Л.С. Бакста. «Имена» (И.Репин, В.Маковский, И.Шишкин, К. Коровин и др.) «названы», но представлены единичными работами. «Персоналия» российского графического искусства в музейном собрании по сути одна – Т.А. Маврина (коллекция СПМЗ позволяет на примере лучших произведений показать её творчество в развитии – с 1940 х до 1970 х годов). Тем не менее, для «провинциального» собрания искусства конца XIX- XX веков и отдельные работы художников-классиков необычайно ценны.
Наиболее ранние образцы печатной графики в рассматриваемом нами комплексе произведений относятся к 80 м годам XIX в. Связаны они с одной «персоналией» – знаковой и значимой в истории русской гравюры этого периода – И.И. Шишкиным (1832 1898).
Напомним, что 1870-е годы – период переходный и «проходной» для русской печатной графики, время главенствования тоновой гравюры.
Но и в этот не самый творческий период были подлинные виртуозы ксилографии (В.В. Матэ) и офорта (И.И. Шишкин). В нашем собрании имеются четыре офорта художника, созданные им в 1880 е годы (период, особенно плодотворный в творчестве Шишкина). Это блестящие по мастерству исполнения и тонкости передачи состояния природы листы «Гурзуф» (1885), «Чернолесье» (1885), «Апрель» (1885), «Болото на Варшавской железной дороге» (1886). В собрании музея также есть рисунки известных русских живописцев, таких как художник-передвижник Владимир Егорович Маковский (1846- 1920) и Валентин Александрович Серов (1865 — 1911). Портреты В.Е. Маковского, выполненные в рисунке, так же безукоризненны по композиции и завершённости, как и его работы маслом. Будучи мастером портрета, В.Е. Маковский обладал талантом верно передать не только внешнее сходство портретируемого, но и особенности его душевных движений, выделяя те главные черты характера, которые определяют поступки человека, его мысли и чувства. Валентин Серов, как и всякий настоящий художник, замечательно работал не только в масляной живописи, но виртуозно владел техникой рисунка.
В собрании музея есть несколько работ известных русских художников конца XIX – начала XX вв. Это, прежде всего рисунок Михаила Врубеля (1856–1910), крупнейшего представителя символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Наряду с листами Л.С. Бакста и М.А. Врубеля период расцвета русской графики рубежа XIX–XX веков и 1910-х годов представлен работой К.А. Коровина (1861–1939) – эскизом декорации 1917 г. к опере Н.А. Римского Корсакова «Садко». Этот эскиз является единственным «уцелевшим» образцом театрально-декорационной графики. Стилистически наш лист близок целому ряду театральных работ К. Коровина конца 1900-х–1910-х годов. Эскизы К. Коровина к «Садко» 1906, 1914 годов отличает более сложное композиционное построение, они включают в себя не только изображение «Хором», но и открытой террасы, сквозь пролёты которой виден пейзаж – «морская синь».
Графические листы Б.М. Кустодиева в собрании Сергиево-Посадского музея-заповедника – это три линогравюры 1926 г. (подписные, датированные автором), поступившие в 1928 г. из частной коллекции. В творчестве художника графика занимала большое место, хотя он и был, по преимуществу, живописцем. В 1920-е годы Кустодиев много занимался книжной иллюстрацией, плакатом и станковой гравюрой (ксилографией, литографией, линогравюрой). В 1926 г. Б.М. Кустодиевым было создано несколько композиций с «Купальщицами» в техниках линогравюры, ксилографии и акварели. В дневниковых записях за 1926 г. первого биографа Кустодиева В.В. Воинова (художника-графика, историка искусства, художественного критика) постоянно звучит тема работы Бориса Михайловича над линогравюрами «Купальщица» и «Купальщицы».
Над серией «Купальщиц» Б.М. Кустодиев работал, в буквальном смысле слова, до последних дней своей жизни: последняя гравюра этого цикла была сделана им 4 мая 1927 г. (а 26 мая художника не стало).
Подбор листов во многом случаен, не все из них являются первоклассными или знаковыми работами мастера. В 1919 1939 гг. члены этой семьи (в том числе и Владимир Андреевич Фаворский) проживали в Сергиеве Загорске, были укоренены в его духовной и культурной жизни, создавали здесь многие свои произведения, а тесть В.
Среди них – одно из самых известных, значительных произведений этого периода творчества мастера – станковая гравюра «Октябрь 1917» 1928 г. Эта ксилография была создана по первому государственному заказу Совнаркома к 10-летию Октябрьской революции. Тогда Фаворским была задумана серия «Годы Революции», где «расположенные в хронологическом порядке рисунки должны были год за годом воссоздавать всю историю Советского государства за первые 10 лет». Ксилография «Октябрь 1917» представляет собой развёрнутую сюжетно-повествовательную и, одновременно, знаковую, метафорическую композицию со множеством действующих лиц и нескольких эпизодов, достаточно органически слитых воедино.
, подаренные в музей в 1965 г. Они прекрасно демонстрируют «поздний стиль» ксилографий Фаворского, где больше внимания уделяется внешнему облику героев, обстановке, костюму, где закономерно изменяются изобразительные средства: на смену аскетизму графических решений с выделением контуров и открытой штриховкой приходит определённая «живописность». Былинная торжественность, эпичность «Слова» полновесно звучат в многофигурной композиции («Перед битвой»), в которую Фаворский включает изображения русских воинов под боевым стягом и Гусляра. Из многообразия графических циклов В.А. Фаворского 50-х годов к драматургии А.С. Пушкина («Борис Годунов», «Маленькие трагедии») в коллекции музея представлена только одна иллюстрация к трагедии «Борис Годунов» – «Пимен и Григорий» 1955 г.
Хронологически коллекция мавринских работ охватывает большой период творчества художника (крайние даты – 1944 и 1976 годы; причём примерно равное количество листов относится к периодам 40 х, 50 х, 60 х и 70 х годов). Она представляет достаточное разнообразие графических техник, в которых плодотворно работала Маврина: это акварели, гуаши, листы, выполненные в смешанной технике (темпера, гуашь или темпера, гуашь, акварель), карандашные рисунки, рисунки тушью.
«Загорский цикл» Т.А. Мавриной, ярко выражающий её мироощущение, приоритеты в искусстве, её неповторимый стиль, часто и справедливо называемый «мавринским», начал складываться в 1940-е годы. «Сюжетный ряд» мавринских работ 50-х годов – «сказочно увиденный» ансамбль Лавры, Пятницкий монастырь, старый город и жизнь его обитателей – повседневная и праздничная, воплощённые в её особом, метафорически-поэтическом ключе, связанном с образностью народного искусства, фольклора.
Столь же выразительны и свободны, смелы в рисунке, композиции, цвете листы 1960–1970-х годов. В их тематическом составе по-прежнему превалируют жанровые пейзажи, в самих названиях которых подчёркнут действенно-бытовой аспект. Классический образец «мавринского портрета» в нашем собрании – «Демидова» 1973 г. «Демидова» – замечательный пример органичного соединения двух жанров – «портрет в пейзаже»: крупное, фронтальное, поясное изображение «русской старушки» в белом платке на фоне летнего деревенского пейзажа, где по старинной традиции народных росписей и лубка надписи даются на самих изображениях.
20 самых известных художников мира и их знаменитые картины
Рафаэль Санти (1483 – 1520)
Рафаэль был творческой, всесторонне развитой и одаренной личностью, поэтом и величайшим художником, чьи работы очень ценились в Ватикане. Это один из величайших художников мира, который нашел особую манеру изображения пространственной перспективы, как в «Обручении Девы Марии».
Известные работы:
«Святой Георгий и дракон» (1506).
«Донна Велата» (1515).
«Диспут о Святом Причастии» (1510).
«Преображение Господне» (1520).
«Сикстинская Мадонна» (1512).
В «Сикстинской Мадонне», самом известном его шедевре, впечатляет буквально все – от одухотворенного лица девственницы до прорисовки «облака свидетелей» духовного мира. Одна из «простеньких» его графических работ была продана на аукционе Сотбис за 30 млн фунтов стерлингов.
Рембрандт Ван Рейн (1606 – 1669)
Среди самых известных художников он считается менее знаменитым, но ему удалось опередить время и внести свою лепту в мировую сокровищницу:
«Даная» (1647).
«Ночной дозор» (1642).
«Саския в образе Флоры» (1634).
«Блудный сын в таверне» (1635).
«Возвращение блудного сына» (1669).
В Эрмитаже выставлено «Возвращение блудного сына», знаковое полотно на библейский сюжет. Это вечная тема взаимоотношений отцов и детей, где четко видно – сострадание отца к неразумному юноше превыше справедливого гнева владельца большого имения.
Сальвадор Дали (1904 – 1989)
Самый эпатажный среди наиболее известных художников – Сальвадор Дали, с его особым способом мышления и трансформации образов. Многие, впервые разглядывая его полотна, восклицают: «Как можно было до такого додуматься?!». Сложно забыть его работы, особенно лихо закрученные усы с автопортрета и эти текущие циферблаты.
Известные работы:
«Постоянство памяти» (1931).
«Архитектонический «Анжелюс» Милле» (1933).
«Распятие Христа» (1954).
«Живой натюрморт» (1956).
«Лик войны» (1941).
Испанец Сальвадор Дали был одинок из-за широты ума, сложным для понимания обывателями. Он был сюрреалистом, гением, но только не безумцем.
Сандро Боттичелли (1445 – 1510)
Один из наиболее значимых мастеров Возрождения внес большой вклад в развитие особой манеры флорентийской школы живописцев. Пример – «Поклонение волхвов» на библейский сюжет.
Известные работы:
«Благовещение» (1490).
«Поклонение волхвов» (1482).
«Мистическое Рождество» (1501)
«Аллегория силы» (1470).
«Рождение Венеры» (1485).
«Рождение Венеры» из пены морской – одно из всемирно известных полотен самого выдающегося художника XV века. Сегодня это один из наиболее растиражированных образов.
Поль Гоген (1848 – 1903)
Рассказывая о великих художниках мира, нельзя не вспомнить о французском живописце Гогене. Его считают противоречивой фигурой в искусстве, в основном из-за влияния этнических мотивов на его манеру, как в полотне «День божества» (Таити).
Известные работы:
«День божества» (1894).
«Борьба Иаков с Ангелом» (1888).
«Желтый Христос» (1889).
«Больше никогда» (1867).
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идём?» (1898).
Светское общество осуждало его за женитьбу на таитянке. Островитяне его боялись, видя в нем «демона», из-за которого они страдали бессонницей. Коллеги не принимали новаторства его полотен, обвиняя в расизме и женоненавистничестве.
Но это не помешало ему войти в золотую двадцатку гениальных художников.
Микеланджело Буанаротти (1475 – 1564)
Он был итальянским художником в расцвет эпохи Возрождения. А еще он был непревзойденным скульптором и архитектором, украсившим Рим своими шедеврами. Каждое утро в Ватикан стекаются толпы туристов, чтобы восхищаться изваянием Матери Иисуса Христа, только что снятого с креста.
Известные работы:
Базилика Св.Петра в Ватикане.
«Фреска «Страшный суд» (1541).
«Давид», мраморная статуя (1504).
«Пьета», скульптура (1499).
«Сотворение Адама» (1512).
Две соприкасающиеся кисти руки – шедевр, который не смогли превзойти другие всемирно известные художники. Это фрагмент фрески «Сотворение Адама», где зрителей смущает не только откровенная нагота, но и пупок на животе юноши. Его не должно быть у существа, появившегося на свет не в результате рождения из материнской утробы, а по замыслу сотворения первых людей.
Густав Климт (1862 – 1918)
Среди великих австрийских художников почетное место занимает один из самых ярких представителей европейского модерна. Его «Поцелуй» и «Золотая Адель», написанные в особой манере, входят в 20-ку самых дорогих картин, проданных на аукционах после смерти гения.
Самые известные работы:
«Поцелуй» (1908).
«Портрет Адели Блох-Бауэр» (1907).
«Юдифь и голова Олоферна» (1901).
«Портрет Адели Блох-Бауэр» был выкраден нацистами. Он выставлялся в картинной галерее, был продан на закрытых торгах за 135 млн долларов. Но его законная владелица, получившая шедевр по наследству, смогла отсудить право обладания и по-своему распорядится репродукцией.
Эдвард Мунк (1863 – 1944)
Никому из великих художников не удавалось запечатлеть на полотне запахи и звуки. Но есть одно исключение – глядя всемирно известный шедевр норвежца Мунка, слышишь внутри себя этот полный тревоги и отчаянья, пронзительный «Крик».
Образ был навеян переживаниями от посещения сестры в сумасшедшем доме, стоявшего возле бойни. Смешанные звуки умалишенных и обреченных животных порождали в нем ужас, дополненный ожиданием той же участи.
Картины Мунка:
«Крик» (несколько версий).
«Танец жизни» (1900)
«Мадонна» (1895).
«Меланхолия» (1896).
Имя Мунка упоминалось в серии нашумевших ограблений картинных галерей. «Крик», «Мадонну» и другие работы разыскивали месяцами, пока не вернули. Но самым узнаваемым остается вытянутое лицо плывущей фигуры на мосту Осло в Христиании. Кто это или что это? Эксперты так и не пришли к единодушному мнению. Но образ растиражирован в кино и поп-арте.
Поль Сезанн (1839 – 1906)
Творчество французского живописца имело огромное влияние на известных мировых художников эпохи постимпрессионизма ХХ века. Благодаря творческим изысканиям, лучшие работы написаны в разной манере.
Известные работы:
«Молодая итальянка» (1896).
«Пьеро и Арлекин» (1888).
«Берег Марны» (1888).
«Игроки в карты» (1893).
«Гора Сент-Виктуар и Черный замок (1906).
Уход от масляных красок и работа акварелью принесла еще больше легкости его творениям. Приверженцы классики его так и не поняли, но это не умаляло его таланта.
Эдуард Мане (1832 –1883)
У знаменитых художников часто бывает, что мировое признание приходит после разгромной критики одной из самых «провальных» работ. Один из родоначальников французского импрессионизма. Эдуард Мане картиной «Олимпия» бросил вызов фальшивому пуританству общества. Никому до него не удавалось так реалистично отражать мысль и едва уловимые эмоции, преображающие лица его натурщиц. Он высмеял нравы общества, тайно мечтавшего о разврате и вседозволенности, но тщательно прикрывавшего свою сущность фраками и оборками.
Какими только эпитетами не обсыпали обнаженную натуру, лишенную изъянов. Служанку на заднем плане даже сравнивали с самкой гориллы.
Однако это полотно входит в сокровищницу мирового искусства, и это одна из самых узнаваемых работ того времени.
Известные полотна:
«Олимпия» (1863).
«Бар в «Фоли-Бержер» (1882).
«Аржантей» (1874).
«Балкон» (1868).
«Портрет Берты Моризо» (несколько полотен).
Существует несколько портретов Берты Моризо, его возлюбленной. Еще вначале своих творческих поисков Мане перешел от живописи к портрету. Эксперты так и не пришли к единодушному мнению в том, является ли полотно «Любитель абсента» автопортретом или зарисовкой незнакомца.
Иероним Босх (1450 – 1516)
Самым непонятным для современников и потомков среди известных художников эпохи Возрождения остается Босх. Его картины – аллегорическое изображение библейских образов и сцен ада с мифическими существами, наполовину людьми и полу-демонами одновременно.
Известные работы:
Триптих «Сад земных наслаждений» (1510).
Цикл «Блаженные и проклятые» (1505).
«Искушения Святого Антония» (1506).
«Семь смертных грехов» (1480).
«Несение креста» (1500).
«Брак в Кане Галилейской» (1501).
Жизненный путь человеческих душ, со времен грехопадения Адама и Евы, была его любимая тема. Путь от земных наслаждений до адских мук – в слегка ироничных, но таких узнаваемых картинах Иеронима Босха. Впечатляют также лица, изображенные в массовых сценах, на библейские сюжеты. Его последователи научились писать в подобной манере, но так не смогли превзойти великого мастера.
Анри Матисс (1869 – 1954)
Матисса считают основоположником и ярким представителем школы фовизма во французской живописи. Попытки передать настроение через цвет сделали его одним из самых ярких новаторов ХХ века. Матисс своими известен творческими изысканиями, поэтому некоторые его работы больше похожи на полотна других живописцев. Танец из 5 красных фигур – самое известнее полотно, его используют в качестве эмблемы международных мероприятий.
Другие работы:
«Радость жизни» (1906).
«Женщина в шляпе» (1905).
«Роскошь, Спокойствие и Наслаждение» (1905).
«Голубая обнаженная» (1907).
Художники-импрессионисты, современники Анри Матисса, в чем-то тоже повлияли на творческие изыскания великого художника, но он остался верен своему направлению.
Фрида Кало (1907 – 1954)
Мир знает много талантливых живописцев. Но в 20-ке гениев есть только одна женщина с мужским характером – мексиканка Фрида Кало. Она писала, в основном, автопортреты, но в разных образах, дополненных аллегорией.
Известные работы:
«Две Фриды» (1939).
«Натюрморт «Да здравствует жизнь» (1951).
«Обнимая любимца мира» (1949).
«Размышляя о смерти» (1943).
«Корни – 2» (1943).
Художница прожила нелегкую жизнь, у нее было слабое здоровье, но Фрида занималась боксом даже с полиомиелитом, будучи бойцом по натуре. Она имела неуемную фантазию и особый почерк, которому позавидовали бы многие начинающие живописцы.
Она писала свои полотна на грани сюрреализма, символизма и натурализма.
Франсиско Гойя (1746 – 1828)
Типичный представитель эпохи романтизма. При дворе испанского короля Гойя быстро утратил свой идеализм, присущий многим великим художникам. Видя человеческие пороки, не мог оставаться прежним. В своих полотнах изображал грешное и святое – «Экстаз Св. Антония».
Некоторые картины:
«Шабаш ведьм» (1798).
«Маха обнаженная» (1800).
«Сумасшедший дом» (1819).
«Свадьба» (1792).
«Распятие Христа (1780).
«Сострадание» (1774).
Как художник, Гойя был очень плодовитым. За 82 года жизни он оставил миру больше сотни полотен высокого художественного уровня. Испанец с тонкой душевной организацией и ранимой душой смотрел на мир доверчивыми глазами. Но, в отличие от большинства всемирно известных художников, сумел разбогатеть на своем творчестве и дорасти до должности придворного портретиста.
Знаменитые художники очень разные по тематике работ и стилю изображения.
Многие работы узнаваемые, над другими репродукциями горами спорят эксперты, обсуждая, подлинник это или хорошая копия. Сегодня любую картину можно найти на просторах интернета, сделать компьютерную версию для раскраски по номерам, распечатать на обоях или сделать вышивку. Но нельзя претендовать на авторство, потому что все знают, что это Ван Гог, Рембрандт, Мунк или Пикассо.
Смотрите также:
Картины Клода Моне
Картины Леонардо да Винчи
Картины Винсента Ван Гога
Картины Пабло Пикассо
Картины Питера Пауля Рубенса
Картины Пьера Огюста Ренуара
Картины Рафаэля Санти
Картины Рембрандта Ван Рейна
Картины Сальвадора Дали
Картины Сандро Боттичелли
Картины Поля Гогена
Картины Густава Климта
Картины Анри Матисса
Картины Поля Сезанна
Лучшие фрилансеры в России › Дизайн и арт › Живопись и графика 1549
Изобразительное искусство с каждым годом находит всё большее отражение в дизайне.
И если графика уже давно востребована для создания коммерческих иллюстраций, то живопись совсем недавно начала набирать популярность как средство привлечения внимания к бренду. Сегодня в России заказчики ищут оригинальные идеи, чтобы выделиться и завоевать максимум внимания аудитории. На помощь им приходят фрилансеры из числа профессиональных художников, графиков и иллюстраторов.
Услуги красочных дел мастеров
Уникальные живописные и графические работы сейчас используются практически повсеместно. Их можно встретить:
- на обложках книг и журналов;
- в логотипах компаний;
- на страницах сайтов и в интерфейсах приложений;
- в дизайне визиток, буклетов, билбордов и прочей рекламной продукции.
И это далеко не полный список проектов, для которых применяют рисунки и картины. Многие уже устали от привычных фотографий с их подчёркнутой натуралистичностью. Поэтому всё чаще в соцсетях можно встретить рисованные портреты, а то и вовсе абстрактные изображения.
К слову, абстракционизм и экспрессионизм сегодня едва ли не самые популярные направления живописи для коммерческих иллюстраций. Такие картины хорошо вписываются в дизайн люксовых товаров с высокой стоимостью, подчёркивая их исключительность и добавляя роскоши. Соответственно, и цена на такое искусство велика.
Графический рисунок востребован в предметном дизайне, веб-дизайне, оформлении книг и масс-медиа, создании фирменного стиля компаний. Заказать такую услугу и узнать, сколько стоит работа художника, можно на бирже фриланса.
Фрилансеры-художники на Freelancehunt.ru
Хотите заказать свой портрет или ищете исполнителя для корпоративного заказа по доступной цене? Биржа фриланса Freelancehunt поможет с подбором специалиста для реализации проекта любой сложности.
На сайте заказчики из России могут ознакомиться с портфолио художников, отзывами других клиентов и стоимостью работы. А ещё есть возможность провести конкурс и выбрать лучшего фрилансера.
Тиражная графика.
Способы печати и отличие от репродукций. Особенности хранения и советы по оформлению А.ВеселовскийПечатная графика — вид изобразительного искусства, который появился пять веков назад. Его возникновению способствовал факт изобретения книгопечатания и развитие гуманистических идей. Создание тиражных произведений искусства при помощи разнообразных печатных технологий шло вслед за развитием технического прогресса. Художники взяли на вооружение новые способы воспроизведения и копирования изображений и очень быстро научились создавать при помощи этих технологий оригинальные художественные произведения в похожих, но все же уникальных вариантах.
Почему художники делают принты?
Художники занимаются печатной графикой по разным причинам. Их может привлекать процесс совместной работы в печатной мастерской. Для кого-то важен потенциал инноваций, который предлагает медиум печатной графики, а кого-то привлекает возможность печати документировать каждый этап творческого процесса.
Как правило, печатная графика предлагает совершенно иной подход к творчеству, в отличие от основного метода работы художника. История печатного дела является временной̆ шкалой̆ технологических изменений и творческих переосмыслений — от появления основных методов гравировки в 15 веке до цифровой печати в 21 веке.
Многие художники последовательно делали гравюры на протяжении всей своей карьеры — например, Джаспер Джонс и Пабло Пикассо являются известными примерами регулярной работы в печатной графике, в то время как другие художники приходят к печатному делу в порывах активности, по приглашению арт-дилеров или издателей. Есть авторы, которые занимаются только печатной графикой, сами организуют весь процесс печати и специализируются только на печатной графике.
Оригинальные (авторские) отпечатки и репродукции — что нужно знать?
Оригинальные отпечатки технически являются уникальным произведением, существующим в ограниченном наборе копий. Художник принимает непосредственное участие в создании печатных форм и процессе печати и, как правило, ни в каком другом виде это произведение не существует.
В большинстве случаев печатные формы после производства тиража уничтожаются.
Сюжет изображения может повторятся, быть взятым из других работ художника, но нужно различать авторские оттиски от репродукций работ художника, выполненные в печатных техниках. В случае репродукции всегда существует оригинал (рисунок, живописное произведение, фото), с которого при помощи репродуционных методов делается печатная форма. Подобные репродукции также, как и авторские принты, могут выпускаться ограниченным тиражом и сопровождаться подписью автора, говорящей о том, что изображение соответствует оригиналу. Однако нужно понимать, что в случае с репродукцией участие автора в создании печатного листа минимально и зачастую ограничивается лишь подписью. Репродукцию с подписью от оригинального авторского отпечатка можно отличить только зная творчество автора или обладая набором знаний о печатных техниках, а также определенной интуицией.
Правильнее всего в таких вопросах воспользоваться услугами профессионального консультанта.
Исторически различают 4 традиционных принципа печати, которые используются в многочисленных вариантах техник и разнообразных манерах исполнения. Различия этих принципов состоят в способе формирования печатной формы (клише или матрицы), при помощи которой делается отпечаток.
Каждый принцип печати, способ и материал обработки печатной формы имеют свои особенности, которые диктуют определенные пластические ограничения и, наоборот, предоставляют различные возможности художнику.
Высокая печать
Отпечаток делается со специальной̆ матрицы (ее еще называют печатная форма, доска или пластина), на которой созидается рельефное изображение. Краска наносится на возвышения рельефа и, чтобы получить оттиск, под давлением переносится на бумагу. Собственно, поэтому печать называется высокой.
Для изготовления печатной формы могут использоваться самые разные материалы и способы создания рельефа. При помощи механического гравирования резцами обрабатывается дерево (ксилография, могуханга), линолеум (линогравюра), делается гравюра на пластике и гравюра на картоне.
При помощи фотополимерных и фотохимических технологий изготавливаются формы для цинкотипии и фотополимерной высокой печати.
Глубокая печать
Отпечаток также делается с рельефной формы. Краска наносится в углубления формы, а с возвышений вытирается перед печатью. Для получения изображения краска под высоким давлением переносится на увлажненную бумагу. Характерным признаком глубокой печати является объёмный контур печатной формы, который тиснится на бумаге.
Для глубокой печати используются разные способы гравировки и различные материалы для изготовления формы. Это могут быть различные пластины из металлов, дерева, пластика, картона. Обработка пластины может быть механической — так создается сухая игла и резцовая гравюра. Химической способ позволяет протравить углубления в металле при помощи кислоты — так делается офорт, травленый штрих и акватинта. Фотоизображение может быть воспроизведено в глубокой печати при помощи техник гелиогравюры и фотополимерной печати.
Плоская печать
Отпечаток делается под давлением с формы, которая не имеет рельефа. Печатные свойства обусловлены способностью тонкого слоя краски прилипать к форме в рисующих областях и, наоборот, не прилипать в пробельных элементах, которые обработаны специальным гидрофильным составом. При накатывании на предварительно увлажненную форму, краска задерживается лишь на печатающих элементах.
Плоская печать — сравнительно молодая технология, которая была изобретена в начале 19в. В художественной практике до сих пор используется метод литографии на камне, а также на литографии на металле (алюминиевых и цинковых пластинах). Последние годы для печатных форм начали активно использовать полимерные материалы. Технология плоской печати ушла значительно дальше, и сейчас промышленным стандартом является офсетная печать. В редких случаях она также используется в качестве художественного способа печати.
Трафаретная печать
При трафаретной печати форма является сложным трафаретом и для получения отпечатка краска продавливается сквозь микроскопические отверстия в печатной форме.
Шелкография является одним из методов трафаретной печати. В шелкографской печати такими отверстиями является сетчатая структура специальной ткани (раньше для этого использовали шелк — отсюда и название), а трафаретом является фотоэмульсия, которая в пробельных элементах задерживает краску и не дает ей переваливаться на бумагу. Другим названием этой техники является сериграфия (от латинского слова sericum — шелк).
В последние десятилетия получил распространение метод ризографии, который является комбинацией трафаретной и цифровой печати.
Цифровая печать
В конце 20 века появился принципиально новый вид печати — цифровой, который также включает в себя многочисленные методы и технологии. Основным отличием цифровой печати от традиционных способов является то, что в цифровой печати нет такого понятия как печатная форма или матрица. Изображение берется из цифрового файла и формируется печатающим устройством непосредственно на запечатываемом материале или на промежуточном носителе, с которого потом переносится на окончательный отпечаток.
Основным способом цифровой печати, которые применяются в печатной графике и, в особенности, печати высококачественных фотоизображений стала струйная пигментная печать. Также благодаря большому разнообразию запечатываемых материалов широкое распространение получила струйная УФ печать. Промышленным стандартом стала тонерная цифровая печать.
Сигнатуры, подписи и печати на оттиске
Печатный лист кроме подписи автора всегда сопровождается дополнительной информацией, которая имеет традиционные сокращения. Это позволяет контролировать достоверность лимитированного тиража, его происхождение и понимать его реальную ценность.
• Авторское тиражное произведение печатается в виде ограниченного числа оттисков (в совокупности известных как издание). Современные издания редко бывают более 100 экземпляров. Обычный тираж составляет 10 — 50 листов. Каждому отпечатку присваивается номер в издании, обычно записываемый в виде дроби — например 24/50. Число справа от косой черты указывает на количество экземпляров издания (в данном примере 50), в то время как цифра слева — это номер конкретного отпечатка.
• Художник может также произвести ограниченное число авторских проб, обычно помечаемых A/P (autor’s proof). Пробы идентичны по своей природе основному изданию, но могут отличаться по цвету, насыщенности, количеству используемых печатных форм и бумаги. Здесь снова дроби могут использоваться для указания общего количества проб и номера печати (например A/P 1/4).
• Пробные листы могут быть сделаны на ранней стадии работы, поскольку обычно художник и мастер-печатник разрабатывают и тестируют различные варианты композиции и цветов. Пробы также могут обозначаться как пробы состояний (state proof), цвета (color proof). Они могут быть уникальными, с различиями в цветовых сочетаниях, типах бумаги или размерах.
• * — Энди Уорхол начал продавать свои пробные листы в виде уникальных цветовых комбинаций отдельно от основного издания и теперь они являются одними из самых востребованных его печатных работ. ––
• * Когда печатник и художник добиваются желаемого результата с пробами, делается итоговый отпечаток, который подписывается как B.
A.T. (аббревиатура французского bon à tirer или “готов к печати”) или SP (studio poof). Основная часть издания должна соответствовать этому изображению, которое является эталонным и традиционно хранится в печатной мастерской. Изданием считается тираж, напечатанный на одинаковой бумаге, с идентичными изображениями и цветами.
• В некоторых случаях по договоренности с издателем и печатной мастерской, производится часть тиража, идентичная основному, но которая при этом принадлежит художнику. Этом случае оттиски помечаются как A/E (autor’s edition) и сопровождаются порядковыми номерами, как основное издание (например, 2/12 — второй оттиск из 12 оттисков авторского издания)
• Многие печатники и издатели для обозначения своей продукции используют эмбоссированиую печать, которая представляет собой тисненую или штампованную метку на бумаге. Обычно она ставится в правом или левом нижних углах листа бумаги.
Насколько важны различные типы бумаги, используемые при печати?
Признаком настоящего специалиста по печати является не только интерес к технике, но и одержимость бумагой.
Обычно в описании тиража указывается, на каком типе бумаги делается отпечаток, иногда описывается водяной знак, если он присутствует.
Выбор бумаги является важной частью процесса печати, поскольку он может непосредственно влиять
на характер того, как выглядит печатное изображение. Джаспер Джонс, например, известен тем, что всегда настаивал на более качественной, более тяжелой бумаге для своих отпечатков, в то время как Уорхол любил более дешевую, более тонкую бумагу для своих суповых банок 1960-х годов, чтобы подчеркнуть, что они должны были понравиться массам.
Очень важным фактором, часто влияющим на стоимость конкретного экземпляра принта, является сохранность и чистота полей и оборота отпечатка. Существенно, что качественные сорта художественных бумаг, помимо лучших печатных свойств, являются гарантией лучшей сохранности оттиска.
Печатные студии и мастерские
Для истории конкретного отпечатка важно, где была сделана печать. Обычно профессиональное производство печатной графики сосредоточено в специализированных мастерских, которые имеют необходимое оборудование и штат мастеров-печатников, которые помогают художникам реализовывать свои замыслы.
Эти мастерские могут быть огромными производственными мастерскими с крупномасштабным оборудованием как, например, американские Gemini G.E.L., ULAE или Tamarind institute или небольшими студиями всего с несколькими сотрудниками.
В мире есть студии, которые были исторически важны как для технического развития печатного производства, так и для работ, которые были произведены там — например, Tyler Graphics, чьи издания находятся в коллекциях принтов многих музеев. В результате, многие коллекционеры следуют за конкретной студией и собирают издания, которые были произведены там.
Тиражная графика и ваша коллекция
Роль принтов в коллекции может быть столь же многогранной, как и сами отпечатки. Они могут быть способом создания расширенной коллекции, которая рассказывает более полную историю о практике художника — часто показывая темы и композиции, найденные в картинах или скульптурах.
Тиражность может предоставить возможность владеть подлинным и знаковым произведением искусства без многозначного ценника, прикрепленного к нему.
Принт – самый демократичный художественный объект: один из тиража может висеть в музее, а второй – у вас дома. Печать также может быть отличным способом начать коллекционирование — способ познакомиться со стилями и художниками в том же режиме, что и другие медиумы, но по другой, более доступной цене.
Как заботиться о своих принтах?
То, как вы оформляете свои принты, является самым важным долгосрочным решением, которое вы принимаете, когда речь заходит о заботе и сохранности своего нового приобретения. Убедитесь, что вы отдаёте работу на оформление в правильную багетную мастерскую. Стоит заплатить за использование правильных материалов, качественного багета и стекла. Рама должна быть герметично обклеена бескислотной бумажной лентой, чтобы защитить работу от колебаний климата. Музейное безбликовое стекло — это дорого, но только оно может одновременно обеспечить максимальную сохранность от ультрафиолета, сохранив при этом cветопроницаемость в 99% и отсутствие бликов. И конечно, правильно подобранное паспарту и обрамление — это то, что поможет сделать из алмаза вашей печатной коллекции настоящий бриллиант.
Несколько советов по оформлению и хранению:
* Ни в коем случае не обрезайте лист, чтобы попытаться поместить его в меньшую рамку, поля — это часто важная часть произведения;
* не вешайте печатные работы под прямыми солнечными лучами;
* убедитесь, что листы находятся вдали от любого источника влаги;
* если вы храните листы в необрамленном состоянии, то никогда не скурчивайте их в рулон.
* храните отпечатки в плоском виде в папке или большом ящике стола.
* желательно переложить листы тонкой чистой бумагой (идеально — микалентной или папиросной), так, чтобы печатные поверхности были защищены от истирания друг об друга и от воздействия красочного слоя на оборот бумаги.
Благодарим Алексея Веселовского, художника и владельца мастерской печатной графики ПиранезиLAB за подробный текст о тиражной графике.
10 современных художников, известных всему миру
Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь.
В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник.
Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству.
За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей.
Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу.
Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина.
После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
Iruvan Karunakaran
Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня.
Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.
Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.
“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….
Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди.
Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”
Vasiliy Hribennikov
Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.
Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета.
Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.
Смотрите также:
Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова
Основы рисования: Инвентарь начинающего художника
Как начать рисовать чернилами
Графика — Публикации — Сетевое издание «Звуки Красок»
Эта публикация была добавлена более года назад. С тех пор прошло много времени и многое могло поменяться – учитывайте это.
Графика — это вид изобразительного искусства, включающий рисунки, гравюры, книжные, газетные и журнальные иллюстрации, шрифты, плакаты и многое другое. Graphike в переводе с греческого означает «рисунок», «чертеж». Графика считается самым древним видом изобразительной деятельности, а рисунок — главнейшим среди ее видов.
Рисунки пастелью, тушью, карандашом, фломастером, пером, палочкой, сангиной, углем и многими другими материалами и средствами как виды художественных произведений представляют большой интерес. Вместе с тем, наслаждаясь красотой произведений графики, мы понимаем, что художник-график в отличие от живописца пользуется очень скупыми средствами выразительности, его произведения, преимущественно лишенные цвета, способны отразить реальную картину жизни, хотя и несколько условно.
Рисунок
Долгое время рисунок считался как бы промежуточной, подготовительной стадией работы художника над крупным произведением: картиной, скульптурной композицией, шпалерой или фреской. Шпалера — настенный ковер, украшенный сюжетной композицией или орнаментом (подробнее см. «Декоративно-прикладное искусство»). В эпоху Возрождения рисунок стал самостоятельным видом изобразительного искусства. Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти и Рафаэль Санти активно занимались рисунком и другими видами графики.
Большое значение придавал рисунку прекрасный французский художник XIX — XX вв. Анри Матисс, также оставивший большое графическое наследие потомкам.
Ранее уже говорилось о том, насколько многогранным художником был Леонардо да Винчи. Многие исследователи отмечают, что Леонардо считал цвет не главным в живописи, где, по его словам, «царят свет и тень». Он изобрел особый живописный прием, называемый им сфумато (от итал. sfumato — исчезнувший, как дым), благодаря которому он в своих работах «растворял» изображения в дымке размытых полутеней. Возможно, этот факт приоткроет нам причину его пристрастия к графике, где цвет является подчиненным элементом композиционного решения. Известно, что еще ребенком Леонардо прекрасно рисовал. В двенадцатилетнем возрасте, интересуясь природным миром, он сделал много зарисовок растений, которые воспроизвел с удивительной точностью и в то же время с той характерной прелестью, которая свойственна цветам и травам. Уже в детстве Леонардо удивлял отца и близких умением грамотно и красиво рисовать.
Когда он изобразил дракона на крышке одной из своих коробок, отец понял, что мальчика надо отдавать учиться художественному ремеслу. С четырнадцати лет Леонардо стал обучаться у известного флорентийского художника Вероккио, который создал многих знаменитых мастеров эпохи.
Леонардо относился серьезно ко всякому делу в своем творчестве. Начиная работать над картиной, он делал много подготовительных эскизов карандашом либо сангиной — мелком красно-коричневого цвета. Сохранилось огромное количество рисунков, выполненных мастером в разной технике. Особенно прелестны зарисовки женских головок для будущих образов мадонн, святых, либо в виде самостоятельных произведений. Это «Голова девушки» , выполненная карандашом, набросок головы молодой девушки, выполненный сангиной, а также эскизы головы ангела и ребенка к картине «Мадонна в гроте» Образы эти чисты и ангельски трогательны. Художник даже в эскизах и зарисовках выступает в роли психолога. Каждый из этих рисунков — шедевр, трогающий самые нежные струны в душе зрителя.
В 1503 г. Сеньория города Флоренции поручила Леонардо разработать эскизный вариант (на картоне) росписи стены для зала Великого Совета во дворце Сеньории. Сюжет для будущей фрески «Битва при Ангиари» должен был увековечить победу флорентийцев в одной из междоусобных битв 29 июня 1441 г. На нем художник должен был показать не просто битву, но и ряд эпизодов из нее. Однако Леонардо не хотел изображать «гимн войне». Он решил показать ярость схватки, азарт, одержимость людей в минуты, когда в них пробуждается все самое худшее. Сохранились его подготовительные рисунки пером . Особенно драматичен сюжет, в котором показана схватка за знамя. Картон с эскизными зарисовками будущей фрески поражал великолепием мастерства художника: мчались кони, всадники «вросли» в тела животных, все сплелось в клубок ожесточенной ярости и страсти.
Аналогичный заказ получил и Микеланджело. Его сюжет на картоне для фрески «Битва при Кашине» был трактован совершенно по-другому, хотя и не менее гениально.
Микеланджело, будучи мастером изображения пластики мужского тела, делал много зарисовок с физически крепких натурщиков. Это пригодилось ему в работе над картоном.
В отличие от Леонардо Микеланджело показал не сцену боя, а момент тревоги. Прозвучала труба, и обнаженные воины, купавшиеся в реке, стремятся как можно быстрее выбраться на берег, одеться и встать в строй. В этом произведении художник продемонстрировал сознание долга и готовность его исполнять. Но какими великолепными средствами он этого добился, изобразив множество мужских тел в разных ракурсах, движениях и позах! Картоны были выставлены для всеобщего обозрения и обсуждения. Восторг зрителей вылился в знаменитую фразу современников о том, что оба картона — это «школа для всего мира».
Автопортрет Леонардо да Винчи, сделанный им в зрелом возрасте, также представляет собой шедевр рисовального искусства. Проницательный взгляд, мудрость и какая-то отрешенность гения говорят о том, что он далек от суеты и славы, а ум его отягощен раздумьями о величии мира и природе человека.
Последние три года жизни Леонардо да Винчи провел во Франции в качестве придворного художника. Его могучая личность, несмотря на болезни, боролась с наступлением старости. Он уже не создавал больших работ, а все больше рисовал или выступал в роли консультанта. Сохранились сделанные им в то время рисунки. Большая часть из них — изображение природной стихии: ураганы, ливни, катаклизмы. В графическом наследии Леонардо да Винчи много эскизов, пейзажей, зарисовок, больших картонов.
А Микеланджело намного пережил и Леонардо, и Рафаэля и создал еще множество прекрасных графических произведений.
Гравюра
Gravure в переводе с французского означает «вырезать». Если рисунок является произведением уникальным, эксклюзивным, так как выполняется художником в одном экземпляре, то гравюра позволяет воспроизводить рисунок художника в большом количестве экземпляров, т.е. тиражировать его, ведь гравюра представляет собой один из видов печатной графики. Гравюра — это оттиск на бумаге с печатной формы, на которой нанесен рисунок.
Печатной формой может служить поверхность металла, дерева, линолеума. Рисунок на ней выполняется специальными резцами (штихелями), либо вытравливается кислотой (если изображение нанесено на металл). В зависимости от обработки печатной формы и способа печати различают два вида гравюры, а именно выпуклую и углубленную.
Выпуклая (так называемая высокая печать) получается, когда на выступающую часть вырезанного на доске рисунка валиком наносится краска, а затем делается оттиск на бумаге путем сильного придавливания. Доска должна быть из твердых пород дерева: груши, пальмы, самшита. Рисунок может быть выполнен в любой технике: карандашом, пером, кистью. Затем то, что должно быть на оттиске белым, удаляется штихелем. Все остальное покрывается краской, а потом делается оттиск. К выпуклой гравюре относят ксилографию (когда поверхность для оттиска деревянная) и линогравюру (в данном случае рисунок вырезается на линолеуме).
Углубленная гравюра (глубокая печать) выполняется с помощью металлической пластины, на которую наносят рисунок резцом, иглой или вытравляют кислотой.
При этом краска забивается тампоном в углубления, а выступающая поверхность пластины остается чистой, сверху накладывается увлажненная бумага. Печать производят на станке, давление должно быть сильным, чтобы бумага вошла в углубления и впитала краску. Гравюра по металлу называется офорт.
Литография — разновидность гравюры, выполненная на специально обработанном камне. Литография — вид плоской печати, ее изготовление не связано с процессом гравирования. Слово «литография» произошло от двух греческих слов: lithos — камень и grapho — рисую, пишу. При выполнении литографии на поверхность камня специальным (жирным) литографским карандашом наносится рисунок, затем поверхность протравливают кислотой, которая взаимодействует с поверхностью, не покрытой рисунком. Рисунок же остается. Затем на поверхность наносится типографская краска, которая хорошо пристает к рисунку, но совершенно не взаимодействует с вытравленными местами. Литография обладает такими достоинствами, как глубокий черный тон, бархатистая текстура линий, возможность печатать большими тиражами недорогие оттиски.
Гравюра и литография были особенно распространены до изобретения фотографии. Цветные гравюры, впрочем, как и однотонные, служили важным средством пропаганды искусства. Наиболее ценными являются первые оттиски с работы художника, но и остальные тиражи ценны, так как художники уходят из жизни, а их гравюры всегда можно воспроизвести благодаря печатному станку. Репродукции картин великих мастеров прошлого, выполненные в виде гравюр, приобретались многими художественно образованными людьми. Известно, что А.С.Пушкин впервые познакомился с произведением Рафаэля «Сикстинская мадонна», рассматривая гравюру, репродуцирующую знаменитую картину. И был восхищен.
В XVIII в. модно было формировать альбомы с коллекциями гравюр по картинам известных художников. Эти произведения репродукционного искусства в виде цветных гравюр по меди распространялись по всей Европе. Например, с картин Рубенса, посвященных жизни королевы Франции Марии Медичи, двумя художниками Жаном Батистом Натье и Жаном Марком Натье были выполнены рисунки для гравюр.
По этим рисункам известные королевские граверы Ж.Эделинк, Б.Пикар, Г.Дю-шанж и др. создавали гравюры на меди. Поэтому на графических листах с такими репродукциями всегда стоят три фамилии: автора картины, художника, сделавшего маленькую графическую копию, и художника-гравера. Например, репродукция картины Рубенса «Высадка королевы в Марселе», где Мария Медичи сходит с корабля на берег, выполнена художником-гравером Г.Дюшанжем по рисунку Ж. Б. Натье.
Прекрасными граверами по металлу были Дюрер, германский художник эпохи Возрождения, Рембрандт — голландский художник XVII в., испанский художник XVIII — XIX вв. Гойя, французский художник XIX в. Доре. В XVIII в., во время правления Петра I, в России шли грандиозные преобразования и реформы. Художники А.Ф.Зубов, И.А.Соколов и др. создавали графические листы, в которых рассказывалось о деятельности Петра I и о наиболее важных событиях в жизни России.
Книжная графика — обширное поле деятельности художника-гравера. В России в советский период творил замечательный книжный график В.
А.Фаворский. Мировую известность он приобрел как гравер по дереву (гравер-ксилограф), он создал огромное количество уникальных по выразительности и мастерству иллюстраций к книгам А.С.Пушкина, П.Мериле, к «Слову о полку Игореве» и другим произведениям литературы.
МАТЕРИАЛЫ И ИНСТРУМЕНТЫ ЖИВОПИСЦА И ГРАФИКА
Какими материалами пользуется живописец-станковист? Это — холст, бумага, дерево, картон — основа, на которой создается произведение, а также разнообразные краски, тушь, карандаши и т.д. Холст — самая популярная основа для живописи маслом. Холст натягивается на подрамник, который должен быть легким, прочным и долговечным. Грунт — это тот состав, которым покрывают холст перед работой масляными красками. Кисти и мастихины — инструменты, которыми работает живописец, а краски — главное средство для создания картины. Все краски состоят из красочных пигментов и вяжущих веществ. Масляные краски, например, имеют специальный связующий состав из способных высыхать масел. Темпера — это краски на эмульсиях. Акварель и гуашь — это водорастворимые краски. Разбавителями красок могут быть различные вещества в зависимости от их состава. Акварель создает «прозрачную» живопись, а гуашь — матовую, бархатистую, так как это кроющая, непрозрачная краска.
Инструментами для нанесения красок являются кисти и бронзовые приспособления, напоминавшие мастихины. Для занятий живописью нужна палитра. Это дощечка с отверстием для пальца, на которой смешивают краски. Для живописи маслом она может быть выполнена из фанеры, тонкого металла или другого легкого материала. Для акварели палитра должна быть белого цвета, например фаянсовая. Перед работой живописец накладывает краски на палитру: от светлого к темному. От чистоты палитры зависит цветовой тон, полученный путем смешивания красок. Палитру очищают мастихином, им же удаляют с холста излишки краски. Некоторые художники используют мастихины вместо кистей.
Помещение картины в раму — последний этап в работе живописца. Любая картина должна иметь достойное обрамление. Подобрать или изготовить подходящую раму для картины — задача не такая простая, как кажется на первый взгляд. Сюжет, фактура, идейное содержание, манера исполнения, колористическое решение и многое другое влияет на выбор рамы. Материалы для графических работ отличаются от живописных. Это — карандаш, сангина, уголь, мел, пастель, тушь, однотонная акварель, фломастеры.
Карандаш. Мы привыкли, что это удобная вещь в любой художественной работе. А ведь обычный графитный карандаш появился не так давно, в XVIII в. Чем же рисовали раньше, например в эпоху Возрождения? Тогда существовали серебряный и итальянский карандаши. Вернее, карандаш серебряный назывался металлическим, потому что мог быть не только серебряным, но и свинцовым и даже золотым. Металлический карандаш, известен с XIII в. Он представлял собой металлическую оправу в виде рейсфедера, в которую вставлялся стержень из золотой, серебряной или свинцовой проволочки.
Итальянский карандаш, известен с XIV в. Он дает глубокий черный тон и напоминает уголь, так как стержень для него делают из жженой кости на растительном клее либо из копоти. Есть разновидность итальянского карандаша под названием ретушь. Итальянский карандаш всегда был популярен у художников.
Пастель — это мягкие цветные палочки-карандаши (мелки). Их изготовляют из пигментов и связующих веществ с обязательным добавлением мела. Пастель дает нежные оттенки разного цвета. Ее используют как живописи, так и в графике. Пастелью хорошо работать по шероховатой оверхности: зернистой бумаге, картону, грунтованному холсту. Интеесные работы получаются на цветной тонированной бумаге.
Сангина — очень красивый, выразительный материал в виде палочек-карандашей красно-коричневого цвета различных оттенков. Sanguineus 1 переводе с латинского означает «кроваво-красный». Сангиной, как и пастелью, приятно работать по шероховатой бумаге, в том числе по тониюванной. Бумагу можно тонировать, например, раствором чая, создавая ффект «старой бумаги». Особенно хороша такая бумага для выполнения рафических работ рыжей сангиной в сочетании с углем и мелом.
Этим материалом работали многие старые мастера: Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Рубенс, Тициан, Ватто, русские художники XIX в.
Фломастеры — карандаши с внутренним мягким стержнем, прописанным красящим составом, тоже удобны в работе, дают прекрасные линии, штрихи и красочные пятна и предоставляют художнику богатые декоративные возможности в работе.
Уголь — очень популярный материал у художников в виде тонких черных палочек, полученных путем обжига древесины.
Тушь — жидкость черного цвета, которую получают из сажи, копоти нa клеящих и других веществах. Китайская тушь — это сухой брикетик (или палочка), который растирается о влажную шероховатую поверхность, полученный состав разводят водой и процеживают, после чего приступают к работе. Японцы в такую тушь добавляют ароматизаторы. Приятно получить от художника в подарок работу, которая к тому же и благоухает. Считалось, что и сам художник, вдыхая ароматы в процессе работы, тоньше чувствует и ощущает красоту.
Восковые краски в древности были популярны у греков и римлян. Живопись восковыми красками — это «горячая» живопись, при которой и краски, и основу нагревают. Инструментами для нанесения красок были кисти и бронзовые приспособления, напоминавшие, видимо, мастихины. В XX в. к технике энкаустики возник серьезный интерес, однако технология ее была утрачена.
Сегодня московские художники В. и Т. Хвостенко занимаются этой живописью, применяя свои технологии и частично восстановленные древние рецепты.
Кроме кистей и мастихинов художники пользуются пером. В старину рисовали птичьими перьями. Для этих целей использовали гусиные, вороньи, лебединые, павлиньи и перья других птиц. Многие художники и сегодня работают птичьими перьями. Раньше, когда птичьи перья использо¬вались и как пишущий предмет, ими пользовались ежедневно, а техника рисования ими была распространена. В России дворяне давали своим детям многостороннее образование, в том числе графические и живописные навыки. Лермонтов хорошо владел акварельной техникой, а Пушкин увлекался графикой. Огромное количество набросков выполнено было им с помощью пера и туши.
Тростниковое перо тоже дает богатые выразительные возможности. Тростник в диаметре значительно больше, чем птичье перо. Поэтому он затачивается с боковыми срезами . Соломенные (более хрупкие), металлические перья и деревянные палочки с закругленным и распиленным концом дают разные по толщине линии, разную насыщенность их тушью и разнуютекстуру. Они — для опытных художников. Исправления в работе такими инструментами невозможны.
Тростниковое перо тоже дает богатые выразительные возможности. Тростник в диаметре значительно больше, чем птичье перо. Поэтому он затачивается с боковыми срезами . Соломенные (более хрупкие), металлические перья и деревянные палочки с закругленным и распиленным концом дают разные по толщине линии, разную насыщенность их тушью и разнуютекстуру. Они — для опытных художников. Исправления в работе такими инструментами невозможны.
СОВЕТЫ ВЫПУСКНИКУ
Ты выбрал профессию художника? Тогда ты должен знать, что скульптор, живописец и график занимаются уникальной деятельностью. Художник должен иметь талант и призвание, а также соответствующее его деятельности образование. Художники, получившие высшее художественное образование, создают художественные произведения, некоторые из которых пополняют коллекции крупных музеев страны. Они участвуют в различных престижных выставках. Художники имеют мастерские. Мастерская художника — его творческая обитель. На первый взгляд жизнь большого художника напоминает праздник: выставки, вернисажи, премии, конференции, презентации, звания, известность. Частично это так. Но это только внешняя сторона. Жизнь художника — это непрерывный творческий процесс. Художник — натура постоянно ищущая, душа его напряженно работает в течение всей творческий жизни. Российский художник, достигнув определенных творческих успехов, становится членом Союза художников России. Эта творческая общественная организация оказывает содействие художникам в их профессиональной и выставочной деятельности, в их популяризации; она также предоставляет художникам определенные льготы, в том числе организовывает командировки за рубеж, поездки в творческие дома отдыха.
Прикоснуться к творческой профессии художника можно занявшись педагогической деятельностью. Если ты поступишь в любой педагогический вуз на специальность «Изобразительное искусство и черчение», то ты можешь после его окончания не только преподавать рисунок, живопись и черчение, но также, обретя в вузе навыки и умения, полностью уйти в творчество, создавая картины и гравюры.
Теоретические знания по изобразительному искусству можно получить в вузе, поступив на специальности «Искусствоведение», «Культурология», «История и теория изобразительного искусства», например в Российской академии живописи, ваяния и зодчества, Московском государственном художественном институте им. В.И.Сурикова. Они есть практически во всех институтах культуры и университетах. Есть также специальности «Музеология» (в Московском государственном университете) и «Музейное дело и охрана памятников» (в Московском государственном университете культуры и искусств). Получив диплом специалиста по любой из этих специальностей, можно работать в музее в качестве директора, научного сотрудника, главного хранителя, искусствоведа, а также в учебном заведении — в качестве преподавателя истории изобразительного искусства, культурологии и т.д.
Театральный художник — еще одна необыкновенно интересная специализация. Театрально-декорационное искусство связано с оформлением сцены и созданием костюмов для героев постановок. Театральные художники участвуют также в создании кинофильмов, оформлении эстрадных и цирковых представлений. Их искусство зрелищное, оно рассчитано на миллионы зрителей, и потому деятельность таких художников очень ответственна. Эту профессию ты можешь получить в Российской академии театрального искусства в Москве, в Санкт-Петербургской государственной академии театрального искусства и др. (см. справочник для поступающих в вузы). Профессия востребована и престижна. А. Васильев, который давно уже стал художником с мировым именем, более десяти лет успешно работал в Европе и США.
«Народное художественное творчество» — выпускников данного направления тоже готовят университеты, академии и институты культуры.
Для поступления в любое художественное учебное заведение ты должен иметь художественную подготовку и, помимо огромного трудолюбия, обязательно способности к этому виду творчества. Спрос на профессию художника на рынке труда различен в зависимости от специализации. Художник-монументалист — профессия редкая, уникальная, поэтому вузы не выпускают «отряды» монументалистов. Обычно в год такой диплом получает всего несколько человек. Однако этого достаточно даже для такой большой страны, как Россия.
Художник-график, окончивший полиграфический институт (университет), найдет применение своим способностям в книжной графике, в создании открыток, упаковок, плакатов. Спрос на таких художников значительно больше. В стране много издательств, полиграфических комбинатов, которым нужны хорошие художники. Зарплата таких художников высокая, так как они создают эксклюзивные рисунки, идущие потом в массовую печать.
Учитель рисования и черчения в школе — всегда востребованная профессия. Даже сегодня встречаются школы, в которых эти дисциплины ведут люди без специального образования.
Художник-живописец, занимающийся исключительно творчеством, в своей мастерской создает картины не только для выставок и вернисажей, но и для продажи. Художественно образованные люди, а также организации и фирмы покупают живописные произведения для украшения интерьера и для коллекций. Музеи и галереи также покупают картины у художников, пополняя ими свои фонды.
Практически во всех городах есть выставочные залы, художественные салоны и лавки местных отделений Союза художников России. В этих местах продаются картины художников, работы скульпторов и мастеров декоративно-прикладного искусства. Картины и работы продаются также на аукционах. Сейчас спрос на подлинники, авторские произведения велик. Наше общество значительно выросло в области художественной культуры. Большинство людей хотят иметь у себя дома настоящее произведение искусства, будь то портрет, натюрморт на холсте, эстамп или камерная работа акварелью.
Художник-монументалист выполняет уникальные заказы. Размеры его гонораров велики. Если заказов много, то он очень обеспеченный человек. Однако это не мешает ему параллельно заниматься продажей станковых произведений или осуществлять педагогическую деятельность.
Художник, как и любая творческая личность, в своей деятельности не связан рамками своего города или страны. Многие зарубежные музеи и частные лица охотно сотрудничают с нашими художниками, а также приобретают их работы Ценность профессии художника среди других, «обычных» профессий — в ее исключительности, эксклюзивности. «Мода на профессию» — так о древней профессии художника, пожалуй, не скажешь. Талантливый художник — личность вне моды и времени. Его творчество — олицетворение и воплощение вечных ценностей и вечных понятий.
И в заключение о здоровье: должен ли художник обладать хорошим здоровьем?
Работая с красками и растворителями, надо помнить о вероятности аллергических реакций. На традиционные материалы, используемые в работе, аллергия, как правило, встречается редко. Но в последние годы появились новые пигменты, растворители, связующие вещества и готовые краски, и поэтому стоит подумать об индивидуальной реакции организма на химический состав и запахи красок. Работая с красками в аэрозольной упаковке, также необходимо помнить о мерах предосторожности. Большим предостережением не в пользу выбора профессии художника является дальтонизм, наличие которого, конечно же, проявится уже на вступительных экзаменах.
Теперь о требованиях к профессиональной деятельности. Например, в деятельности учителя изобразительного искусства к таким требованиям относятся знание истории и теории изобразительного искусства, основ педагогического мастерства, психологических основ педагогической деятельности и др.
Требования же, предъявляемые к искусствоведу или художнику-живописцу, иные. Здесь надо быть грамотным специалистом в области цветоведения, композиции, возможностей живописной техники и др.
Хочешь ли ты стать живописцем? А может, тебе нравится работа художника-графика, книжного графика? Или мечта всей твоей жизни создание монументальных произведений? Хочешь ли ты стать искусствоведом, работником музея?
Выставка молодых художников Татарстана в галерее Окно в Казанской ратуше
Я третий и самый младший сын в семье. Все мы пошли по творческому пути: старший брат стал архитектором-градостроителем, средний — дизайнером архитектурной среды, я — художник. Мой путь живописца-графика начался еще в 1996 году, когда я впервые переступил порог детской художественной школы «Галатея» при гимназии № 125 (там же учились мои братья). После школы я поступил на дизайнерское отделение Казанского художественного училища имени Фешина, но, окончив его, понял, что дизайн — не мое. Поэтому продолжил обучение на отделении станковой живописи в институте Сурикова. Сначала я поступил в Казанский филиал института, но выпустился уже в Москве, защитив выпускную работу на отлично и получив похвалу аттестационного совета. Вернувшись в Казань, поступил в Живописные творческие мастерские Российской академии художеств (это своеобразная аспирантура для художников). В 25 лет меня приняли в Союз художников России.
Живопись — моя основная деятельность, но параллельно я веду уроки рисунка в частной школе, готовлю детей к поступлению в художественное училище. Также уже два года я преподаю рисунок и живопись в Казанском институте культуры. Вообще я считаю, что в нашей профессии человек должен постоянно учиться и избегать мысли, что он уже все умеет, — тогда художник внутри умирает. Но главное — найти доверительную, магическую связь между кистью, рукой и головой. Если такой связи нет, можно делать что угодно и как угодно, но цеплять твои работы не будут никого.
Я работаю в живописной и в графической технике, используя каноничные материалы — холст и масло, бумагу и карандаш. В живописных работах изображаю женские образы, лишенные портретных характеристик, делаю так, чтобы зритель мог сам сформировать образ. Графика показывает суровую действительность: образы из моей серии «Одиночество», например, адресованы молодежи, я хочу показать, из-за чего современные молодые люди могут остаться одинокими.
Графика | Графические картины | Искусство на продажу
История графики восходит к наскальным рисункам наших предков. С этого периода, на протяжении Древнего Египта и эпохи Возрождения, графика развивалась и формировалась людьми, которые хотели передать свои идеи в письменной форме. Например, египетские иероглифы состояли из множества графических символов.
Сегодня графическое искусство больше ассоциируется с коммерческим искусством, используемым в маркетинге: плакаты, всевозможные рекламные объявления, листовки и т. Д. Но они не ограничиваются чисто коммерческой сферой деятельности, они также включают в себя различные художественные произведения, такие как рисование и т. Д. типография, живопись, фотография, не говоря уже о компьютерной графике.
Руководство для коллекционера: как купить произведения искусства в Интернете?
Подробнеецена, 500 facet, 10503 * Работы самых продаваемых художников | Иконки-бестселлеры * бестселлеры facet, 10503 * Бестселлеры произведений искусства | Бестселлеры с иконками * бестселлеры facet, 10503 * Werke von Bestseller-Künstlern | икона-бестселлеры * Werke-von-Kunstlern-bestseller facet, 10503 * Obras de los Artistas más vendidos | Иконки-бестселлеры * obras-de-los-artistas-mas-vendidos категория, 6 * Peinture * peinture категория, 6 * Живопись * живопись категория, 6 * Gemälde * gemalde категория, 6 * Пинтура * Пинтура Цена, 501: 1000 facet, 10500 * Oeuvres d’artistes émergents | icon-youngtalents * jeunes-таланты facet, 10500 * Werke von aufstrebenden Künstlern | icon-youngtalents * werke-von-jungen-kunstlern facet, 10500 * Молодые таланты | icon-youngtalents * youngtalents facet, 10500 * Obras de Artistas Emergentes | icon-youngtalents * obras-de-artistas-Emergentes facet, 10500 * Werke aufstrebender Künstler | icon-youngtalents * werke-von-jungen-kunstlern грань, 8277 * гранд (> 200 х 200 см) * гранд фасет, 8277 * гранд (> 80 х 80 дюймов) * гранд грань, 8277 * гранд (> 200 х 200 см) | большой * гранд фасет, 8277 * гранд (> 80 х 80 дюймов) | большой * гранд фацет, 8274 * Мойен (> 115 х 115 см) * Мойен грань, 8274 * Мойен (> 45 х 45 дюймов) * Мойен грань, 8274 * Мойен (= 115 х 115 см) | средний * Мойен фасет, 8274 * Moyen (> 45 x 45 дюймов) | средний * moyen фасет, 1629 * абстрат * абстрат фасет, 1629 * абстракт * абстракт грань, 1629 * abstracto * abstracto грань, 1629 * Абстракция * абстракция facet, 10497 * Oeuvres d’artistes célèbres | иконы-шедевры * артисты-знаменитости фасет, 10497 * Работы известных художников | иконы-шедевры * шедевры фасет, 10497 * Werke berühmter Künstler | иконописные шедевры * werke-beruhmter-kunstler facet, 10497 * Obras de Artistas famosos | икона-шедевр * obras-de-artistas-famosos facet, 8259 * Нет рекомендаций | Иконки-рекомендации * Рекомендации фасет, 8259 * Наши рекомендации | icon-рекомендации * рекомендации facet, 8259 * unsere Empfehlungen | иконки-рекомендации * unsere-empfehlungen facet, 8259 * Nuestras recomendaciones | иконки-рекомендации * nuestras-recomendaciones фасет, 1635 г. * стрит-арт * стрит-арт фасет, 1635 * Straßenkunst * стрит-арт фасет, 1635 * arte callejero * arte-callejero категория, 9 * Фотография * фотография категория, 9 * фотография * фотография категория, 9 * фотография * фотография категория, 9 * Фотография * фотография категория, 5 * Скульптура * Скульптура категория, 5 * Скульптура * Скульптура категория, 5 * Escultura * escultura Цена, 1001: 5000 грань, 1671 * Природа * природа грань, 1671 * Natur * natur грань, 1671 * Натуралеза * Натуралеза фасет, 1644 * портрет * портрет фасет, 1644 * Porträt * portrat фасет, 1644 * ретрато * ретрато фасет, 1686 * Поп-арт * поп-арт фасет, 1686 * Поп-арт * поп-арт фасет, 1686 * Arte pop * arte-pop фасет, 8280 * Très grand (> 200 x 200 см) * tres-grand фасет, 8280 * Très grand (> 200 x 200 см) | очень большой * tres-grand фасет, 8280 * Très grand (> 80 x 80 дюймов) | очень-большой * tres-grand категория, 23 * Дессин * Дессин категория, 23 * Zeichnung * zeichnung категория, 23 * Художественные рисунки * рисунок категория, 23 * дибуджо * дибуджо категория, 15 * издание * издание категория, 15 * Печать * печать категория, 15 * Druck * editionen категория, 15 * Edición * edicion грань, 1641 * ню * нюд грань, 1641 * Akt * akte грань, 1641 * нус * нус фасет, 1641 * desnudos * desnudos фасет, 1827 * портрет * ориентация-портрет фасет, 1827 * хохформат * ориентация-портрет фасет, 1827 * портрет | портрет * ориентация-портрет фасет, 1827 * ретрато * ориентация-ретрато фасет, 1827 * ретрато | портрет * ориентация-ретрато фасет, 1827 * Hochformat | портрет * ориентация-портрет Цена, 1000: 501 фацет, 8277 * Большой (> 200 х 200 см) * большой фасет, 8277 * большой (> 80 х 80 дюймов) * большой грань, 8277 * Большой (> 200 х 200 см) | большой * большой фасет, 8277 * большой (> 80 x 80 дюймов) | большой * большой фасет, 1830 г. * Paisaje * Ориентация-Paisaje фасет, 1830 * альбомная * ориентация-альбомная фасет, 1830 * расчет * ориентация-расчет фасет, 1830 г. * Landschaft * Ориентация-Landschaft фасет, 1830 * Paisaje | пейзаж * ориентация-paisaje фасет, 1830 * Paysage | альбомная * ориентация-paysage фасет, 1830 * Пейзаж | альбомная * ориентация-альбомная фасет, 1830 г. * Ландшафт | пейзаж * ориентация-ландшафт грань, 1674 * Повседневная жизнь * повседневность грань, 1674 * Сцена жизни * сцена-де-ви грань, 1674 * Etchleben * etchleben фасет, 1674 * Escena de la vida * escena-de-la-vida фасет, 8274 * средний (> 45 х 45 дюймов) * средний фацет, 8274 * средний (> 115 х 115 см) * средний фасет, 8274 * средний (> 45 x 45 дюймов) | средний * средний фасет, 8274 * средний (> 115 х 115 см) | средний * средний facet, 8301 * Специальные предложения | icon-promotions * promotions facet, 8301 * Oeuvres en promotion | icon-promotions * Promotions facet, 8301 * Специальные предложения | icon-promotions * vergunstigte-werke facet, 8301 * Trabajos en promoción | icon-promotions * trabajos-en-promocion грань, 1680 * Животное * животное фасет, 1680 * Анима * Анима фасет, 1680 * уровень * уровень фасет, 1680 * Animales * animales фацет, 8271 * Пти (> 50 х 50 см) * Пти фасет, 8271 * Пти (> 20 х 20 дюймов) * Пти фасет, 8271 * Petit (> 20 x 20 дюймов) | small * petit фасет, 8271 * Пети (> 50 х 50 см) | маленький * пети фасет, 8280 * очень большой (> 80 х 80 дюймов) * очень большой фацет, 8280 * Очень большой (> 200 х 200 см) * очень большой фасет, 8280 * Очень большой (> 80 x 80 дюймов) | очень большой * очень большой фасет, 8280 * Очень большой (> 200 x 200 см) | очень большой * очень большой фаска, 108 * масло * масло фасет, 108 * huile * huile грань, 108 * ал олео * ал-олео грань, 108 * Öl * ol фацет, 126 * акрил * акрилик фацет, 126 * акрил * акрил фацет, 126 * Акрил- * акрил грань, 126 * акрилико * акрилико цена, 50001 грань, 1668 * Нуар и белое * нуар и белое грань, 1668 * Schwarz und weiß * schwarz-und-weiss фацет, 1668 * Черно-белый * черно-белый фасет, 1668 * Бланко-и-негр * Бланко-и-негр Цена, 5001: 10000 грань, 1659 * Флора * Флора грань, 1659 * Цветочный * Цветочный фасет, 1659 * Флора * Флора фасет, 1659 * Флорес * Флорес фасет, 1632 * архитектура * архитектура фасет, 1632 * Die Architektur * die-Architektur фасет, 1632 * Arquitectura * arquitectura фасет, 1650 * Paysage urbain * paysage-urbain фасет, 1650 * Городской пейзаж * городской пейзаж грань, 1650 * Paisaje urbano * paisaje-urbano фасет, 1650 * Städtische Landschaft * stadtische-landschaft фасет, 12 * нуар | 050002 * нуар фацет, 12 * черный | 050002 * черный грань, 12 * schwarz | 050002 * schwarz фасетка, 12 * негр | 050002 * негр фасет, 42 * Rouge | FC2912 * rouge грань, 42 * красный | FC2912 * красный фасет, 42 * гниль | FC2912 * гниль фасет, 42 * Рохо | FC2912 * Рохо Цена, 10001: 25000 цена, 25001: 50000 грань, 30 * Темно-синий | 0707BD * темно-синий Фацет, 30 * голубой фон | 0707BD * голубой фон грань, 30 * Dunkelblau | 0707BD * dunkelblau фасет, 30 * azul oscuro | 0707BD * azul-oscuro фасет, 8268 * Très petit (> 25 x 25 см) * tres-petit фасет, 8268 * Très petit (> 10 x 10 дюймов) * tres-petit фасет, 8268 * Très petit (> 25 x 25 см) | очень маленький * tres-petit грань, 1692 * Геометрический * геометрический грань, 1692 * Géométrique * geometrique фасет, 1692 * Geometrisch * geometrisch фасет, 1692 * геометрия * геометрия
10 известных графических дизайнеров, чья работа — искусство
Хотя корни деятельности, подобной графическому дизайну, уходят корнями в историю человечества, область, которую мы знаем сегодня, представляет собой довольно новый термин, впервые введенный Уильямом Аддисоном Двиггинсом в 1922 году.Под руководством известных графических дизайнеров отрасль с тех пор растет и меняется. На рубеже 20-го века дизайнеры из различных областей архитектуры, моды, графики и дизайна продукции искали новых форм выражения . Обеспокоенные технологическим и промышленным прогрессом, они исследовали потенциал абстрактного и упрощенного рисунка и дизайна, поскольку они искали новую эстетическую философию для решения меняющихся социальных, экономических и культурных условий.
Слева: Густав Климт Плакат Венского Сецессиона, via justcollecting.com / Справа: Плакат 13-й выставки Венского Сецессиона, разработанный Коломаном Мозером, 1902, через britannica.com
Краткая история графического дизайна 20-го века
Будучи первым продолжением плаката 1890-х годов, европейский плакат второго десятилетия столетия в значительной степени испытал влияние новых современных движений, таких как кубизм и конструктивизм. Стремясь к выразительным и символическим изображениям, но также заинтересовавшись общей визуальной организацией картинной плоскости, художники-графические дизайнеры создали диалог между коммуникативными образами и дизайнерской формой , которая генерировала энергию живописной графики.В годы, прошедшие после Первой мировой войны, изобразительное искусство перешло порог живописных образов в сторону изобретения чистой формы. Фрэнк Ллойд Райт , группа Glasgow , Vienna Secession , Адольф Лоос , Peter Behrens и другие графические дизайнеры, архитекторы и дизайнеры продукции начали оспаривать преобладающие представления о форме и функциях. Возникновение Баухауза привело к появлению эстетики современного дизайна и появлению некоторых из самых известных графических дизайнеров.
В годы после Второй мировой войны эстетика, которая доминировала в ландшафте графического дизайна, была International Typographic Style , также известный как Swiss Style . Его визуальный язык, разработанный в Швейцарии в 1950-х годах, отличался чистотой, удобочитаемостью и объективностью. Воплощенные такими дизайнерами, как Ernst Keller , Armin Hofmann , Emil Ruder , Josef Müller-Brockmann , Max Bill и Otl Aicher , отличительными чертами стиля были асимметричные макеты, использование сетки , шрифты без засечек, такие как Akzidenz Grotesk, выравнивание влево, неровный правый текст и предпочтение фотографии вместо иллюстраций.В эти послевоенные годы также родилась идея, что хороший дизайн означает хороший бизнес. Многие известные графические дизайнеры, такие как Frank Stanton или William Golden , начали создавать фирменный стиль для брендов, которые остаются сегодня. К концу 1960-х годов большинство крупных корпораций, а также Всемирные ярмарки и Олимпийские игры приняли системы дизайна. Во второй половине 20-го века дизайнеры начали вводить более личные образы и первыми использовали индивидуальные стили и техники.С наступлением цифровой эпохи эксперименты с компьютерной графикой позволили исследовать электронные техники, продвигаясь через современные и постмодернистские дизайнерские идеи, ретро-возрождения и эксцентричные работы, которые принесли период плюрализма и разнообразия в дизайне.
Слева: Плакат музыканта Боба Дилана, дизайн Милтона Глейзера, 1967, через eitb.eus / Справа: Плакат Зимних Олимпийских игр в Гренобле, 1968, через cintagewuropeanposters.com
Известные графические дизайнеры
Графический дизайн создавался на протяжении веков смелыми пионерами , которые исследовали новые формы выражения и визуальной коммуникации. Благодаря такому разнообразию стилей графического дизайна и различных школ мысли существует бесчисленное множество креативщиков, которые тем или иным образом внесли свой вклад в формирование отрасли.
Мы составили список известных графических дизайнеров, работающих в разных стилях, которые считались пионерами этой профессии, изменив представление о графическом дизайне в современном мире своими знаковыми работами.
Избранные изображения: Армин Хоффманн — Жизель, через jasonweinberger.com; Сеймур Чваст Дизайн, через seymorchwastarchive.com; Плакат из выпуска № 133 Ежеквартальный журнал «Есть ли смысл в дизайне», автор — Эйприл Грейман, сайт cultureofdesign.wordpress.com; Отл Айхер для Олимпийских игр (фрагмент), через pinterest.com; Милтон Глейзер для безумцев, через sethaddison.com
Сол Басс — создатель знаковых постеров к фильмам
Легенда в мире графического дизайна, Сол Басс наиболее известен своим дизайном постеров к фильмам, заголовков и корпоративных логотипов.За свою 40-летнюю карьеру Басс сотрудничал с некоторыми из величайших кинематографистов Голливуда , такими как Альфред Хичкок, Стэнли Кубрик, Отто Премингер, Билли Уайлдер и Мартин Скорсезе, что сделало его одним из самых известных графических дизайнеров эпохи. Среди его знаковых постеров к фильмам 1950-х и заголовков к фильмам — Psycho , The Man with the Golden Arm , North by Northwest и Spartacus , а также другие. Он также был очень успешен в качестве дизайнера логотипов , разработав множество неподвластных времени корпоративных логотипов в Северной Америке, таких как Kleenex, Girl Scout, Continental Airlines, United Airlines или AT&T.
Популярные изображения: Sual Bass, через knolaust.com; Слева: Сол Басс — Сияние, через pinterest.com / Справа: Сол Басс — Головокружение, через pinterest.com
Милтон Глейзер — воплощение американского дизайна
Один из самых известных графических дизайнеров США, Милтон Глейзер разработал множество плакатов, публикаций и даже создал архитектурные проекты на протяжении своей долгой карьеры. Воплощение американского графического дизайна во второй половине этого века, Глейзер является создателем культового бренда I ♥ NY, логотипов Target и JetBlue, вступительной последовательности заголовков Mad Men и дизайнов плакатов для музыканта Боба Дилана. .Glaser изменил то, что это значит, и создал мощный, вневременной дизайн, подчеркнув , что «между видением и пониманием критически важен акт». Невероятно творческий и красноречивый, этот знаменитый графический дизайнер привнес в свою уникальную коллекцию работ глубину понимания и концептуального мышления в сочетании с разнообразным богатством визуального языка .
Обязательно посмотрите работы Милтона Глейзера на нашей торговой площадке!
Featured image: Milton Glaser, via villageprint.com; Слева: Плакат Безумца, через edpacheco16.wordpres.com / Справа: Плакат Махалии Джексон, 1967, через speckyboy.com; Я люблю Нью-Йорк, через eyeondesign.com
Алан Флетчер — отец британского графического дизайна
Разработав энергичный, остроумный и очень индивидуальный визуальный стиль, Алан Флетчер входит в число самых влиятельных фигур в британском графическом дизайне. Слияние церебральной европейской традиции с зарождающейся поп-культурой Северной Америки в формулировке его особого подхода сделало его пионером независимого графического дизайна в Великобритании в конце 1950-х и 1960-х.Благодаря выразительной типографике, ярким цветам и четкому визуальному языку, Флетчер изменил представление о дизайне, позиционируя его как как ключевой элемент бизнеса . Среди его самых известных клиентов — Pirelli, Cunard, Penguin Books и Olivetti.
Избранные изображения: Алан Флетчер, через phaidon.com; Слева: Алан Флетчер — Вечеринки, 1986, через bluefunkrainbows.com / Справа: Адам Флетчер из Pirelli, через pinterest.com
Армин Хофманн — Легенда швейцарского дизайна
Легенда швейцарского графического дизайна Армин Хофманн известен своим неизмеримым влиянием на поколения дизайнеров.Знаменитый учитель Базельской школы искусств и ремесел Allgemeine Gewerbeschule, его методы обучения были неортодоксальными и разнообразными. Его неподвластная времени эстетика характеризовалась мощью и элегантностью, простотой и ясностью . Этот известный графический дизайнер постоянно подчеркивал, что дизайн должен иметь контекст и значение , что делает его работы образцом эффективного, вневременного и продуманного дизайна. Опираясь на фундаментальные элементы графической формы — точку , линию и форму , Хофманн создал огромное количество работ — книги, выставки, декорации, логотипы, символы, типографику, плакаты, системы знаков и графику окружающей среды.
Избранные изображения: Армин Хоффман, через swissdesignawards com; Слева: Армин Хоффман — Equus, 1963, через pinterest.com / Справа: Армин Хоффман — Жизель, через pinterest.com
Сеймур Чваст — Сочетание дизайна и иллюстрации
Мастер исторических стилей и движений, графический дизайнер Сеймур Чваст известен своим разнообразным творчеством и длительным влиянием на американскую визуальную культуру. Основав Push Pin Studios с Милтоном Глейзером и Эдвардом Сорелем, он инициировал переход от сентиментального реализма к комическому экспрессионизму .Создавая современный дизайн и иллюстрацию, он разработал выразительный и культовый стиль, в котором игриво объединила обе дисциплины . Разрабатывая новый и уникальный подход к дизайну, он создал эклектичное произведение журналов, плакатов, рекламы, обложек для книг, обложек для пластинок, упаковок продуктов и детских книг. Его методы без извинений уходят корнями в декоративных традиций винтажного стиля , но его работа всегда синтезировала, заново изобретала и часто пародировала прошлое.
Избранные изображения: Сеймур Чваст Ральфа Васкеса, через ralph-vasquez.com; Слева: Сеймур Чваст, журнал Push Pin Graphic 67. Your Body and You, 1977, через design-is-fine.org / Справа: Сеймур Чваст Design, через manishtama.com
Эйприл Грейман — пионер дизайна цифровых коммуникаций
В 80-е годы идея интеграции компьютера в конструкторскую практику многих пугала. апрель Greiman был одним из немногих провидцев, осознавших огромный потенциал этой новой среды.Она зарекомендовала себя как пионер дизайна цифровых коммуникаций , вдохновляя и поощряя принятие и использование технологий в графическом дизайне и искусстве. Любопытная и увлеченная всем цифровым, она исследовала и вдохновила на передовую дизайнерскую работу , которая ставит ее у руля интегрированного дизайна в конце двадцатого века. Мыслитель и художник, ее трансмедийные проекты, инновационные идеи и проекты, а также гибридный подход сделали ее работы влиятельными во всем мире за последние 30 лет.
Избранные изображения: Эйприл Грейман, через graphis.com; Слева: Эйприл Грейман Дизайн, через pinterest.com / Справа: Олимпийский плакат Эйприл Грейман, через qbn.com
Питер Сэвилл — Создатель культовых обложек для пластинок
С момента своей первой работы для Factory Records в конце 1970-х годов Peter Saville стал ключевой фигурой в графическом дизайне и стилевой культуре. Знаменитый дизайнер пластинок и дизайнер обложек альбомов , Сэвилл помог установить новый стандарт, по которому должны были оцениваться обложки альбомов.Обладая смелым, выразительным и элегантным стилем, он обладал замечательной способностью распознавать образы, олицетворяющие момент. Его работа включала культовую обложку Unknown Pleasures Joy Division, а также работу с New Order, Roxy Music, Fleetwood Mac, Suede, Pulp и многими другими известными музыкальными именами. Созданные им дизайны были настолько убедительными, что вызывали такой же эмоциональный отклик, как и музыка на этих альбомах.
Популярные изображения: Питер Сэвилл, via anwarmontasir.com; Слева: Питер Сэвилл для Joy Divison (Unknown Pleasures), через creativeapplications.net / Справа: Питер Сэвилл из New Order (Power, Corruption & Lies), через whatdesigncando.com
Отл Айхер — Создатель системы публичных вывесок
Немецкий графический дизайнер и типограф, Otl Aicher , наиболее известен своими работами на летних Олимпийских играх 1972 года. Он создал потрясающую визуальную идентичность, смело используя пиктограммы, яркую палитру, разработанную на основе цветов баварской сельской местности и строгой системы координат.Соучредитель легендарной Ulm School of Design в Германии, его работа с пятидесятых годов прошлого века представляет важнейшее достижение в визуальной коммуникации нашего времени. Он также известен созданием влиятельной системы общественных указателей , в которой использовалась простая графика в виде фигурок, которая оказала большое влияние на графический дизайн.
Избранные изображения: Отл Айхер, через stuartshieldgardendesign.wordpress.com; Слева: Отл Айхер на Олимпийских играх 1972 года, через matthewwilliams.wordpress.com / Справа: Отл Айчер на Олимпийских играх 1972 года, через matthewwilliams.wordpress.com
Йозеф Мюллер-Брокманн — Разработка сетевой системы
Легендарный швейцарский дизайнер Йозеф Мюллер-Брокманн находился под влиянием идей нескольких различных дизайнерских и художественных направлений, включая конструктивизм, де-стиль, супрематизм и Баухаус. Уловив суть швейцарского дизайна , его работы характеризуются геометрическими формами, чистыми шрифтами без засечек и яркими цветами.Среди его самых решающих работ была работа, сделанная для ратуши Цюриха в качестве афиши ее театральной постановки. Он сыграл важную роль в разработке и использовании сеточной системы в графическом дизайне, инструмента, который широко используется современными графическими дизайнерами.
Популярные изображения: Йозеф Мюллер-Брокманн, через coroflot.com; Слева: Дизайн Йозефа Мюллера-Брокманна, с сайта knowngraphicdesigners.org / Справа: Дизайн Йозефа Мюллера-Брокманна, с сайта wordsandeggs.wordpress.com
Эрик Ницше — Работа в чисто модернистской эстетике
Эрик Ницше оставил безошибочный след в мире дизайна за свою 60-летнюю карьеру. Побывав практически во всех аспектах индустрии дизайна, он работал арт-директором, дизайнером книг, иллюстратором, типографом, графическим дизайнером, фотографом, рекламодателем и дизайнером упаковки. Его работы характеризуются ярко выраженной модернистской эстетикой , и Ласло Мохоли-Надь описал его как «парень, который делает Баухауз в Нью-Йорке» .Его работа включала продвижение и рекламные кампании для множества различных клиентов, включая универмаги, художественные фильмы, звукозаписывающие компании и Управление транзита Нью-Йорка. Его уникальный визуальный язык оказал большое влияние на молодое поколение дизайнеров в Америке середины 20 века.
Избранные изображения: Эрик Нитше, через adcglobal.com; Постеры Эрика Нитше, через quadraforce.com
Как художники могут использовать графический дизайн
Художники и графические дизайнеры работают в двух очень разных областях.Спросите любого из них, и они ответят, что это совершенно очевидно. Искусство — это выразительность и самоуправление, в то время как графический дизайн является функциональным и обычно используется в коммерческих целях.
Почти все крупные творческие публикации указывают на эти различия, обычно утверждая, что одно лучше другого. Но в этих обсуждениях не упоминается, что существует огромный потенциал для симбиотических отношений между художниками и дизайнерами.
Я проработал в 99designs почти три года, и я тоже художник (как и многие другие сотрудники 99designs).Я начал здесь в качестве стажера в 2015 году, когда был студентом факультета искусств в Калифорнийском университете в Беркли.
Теперь, когда я закончил учебу и работаю полный рабочий день, я трачу все свое свободное время (и зарплату) на картины в моей крошечной, но могущественной студии. Однако работа в 99designs не была для вас обычной повседневной работой обычного художника. Это повлияло на мою художественную практику и расширило ее, открыв мне мир дизайна.
Это я!Я пришел к пониманию важности сохранения рабочих знаний в области дизайна и развития профессиональных отношений с графическими дизайнерами в дополнение к моей художественной практике.Почему? Персональный брендинг имеет решающее значение для любого творческого предпринимателя, в том числе для художников-визуалистов.
Наличие профессионально разработанного портфолио, визиток и других активов бренда может помочь молодым художникам повысить свои продажи, узнаваемость и профессионализм без помощи крупной галереи.
Давайте погрузимся в виды проектов, которые художники и графические дизайнеры могут выполнять вместе, и как вы можете сотрудничать со своим творческим коллегой, не спускаясь друг с другом.
Художественный и графический дизайн: что это такое?
–
Чтобы понять, как художники могут использовать графический дизайн, давайте проясним, что на самом деле представляет собой каждая дисциплина.
Арт
Что приходит на ум, когда думаешь об искусстве?
Искусство вызывает тайну, без которой мир не существовал бы.— Художник-сюрреалист Рене Магритт
Скорее всего, вы где-то в царстве картин Пабло Пикассо, музеев, больших трехмерных работ и чокнутых людей в беретах и палитрах. Ладно, может, последнее — преувеличение, но суть вы поняли.
Но единственного определения нет.
Искусство — это субъективная, индивидуальная интерпретация мыслей, эмоций и событий, выраженная с помощью эстетических средств, таких как живопись, скульптура, рисунок, фотография, керамика и многое другое.
Короче говоря, искусство против графического дизайна.Графический дизайн
Итак, что приходит на ум, когда вы думаете о графическом дизайне?
Дизайн без содержания — это не дизайн, это украшение.— Дизайнер Джеффри Зельдман
Наверное, компьютер, программное обеспечение Adobe, известные логотипы, такие как Apple и Nike, и сама 99designs, платформа графического дизайна, на которой вы сейчас тусуетесь.
Графический дизайн включает в себя передачу идей и опыта с помощью изображений, слов или графики как в физическом, так и в цифровом виде. Дизайнеры рассказывают истории с помощью плакатов, рекламы, упаковок, книг, журналов и фирменных знаков компаний.
Когда художники и графические дизайнеры могут работать вместе?
–
Многие художники — дизайнеры, а многие графические дизайнеры — художники. Но очень немногие художники и графические дизайнеры работают одновременно.
Знайте, чем вы можете заниматься как художник, и чем может помочь профессиональный графический дизайнер.Помните: лучше работать художником в студии, чем возиться с Photoshop. И даже если у вас есть навыки рисования уровня Рембрандта IRL, эти навыки могут не отображаться на экране.
Вот основные области, в которых художники могут получить помощь от графических дизайнеров:
Веб-дизайн
Ваш веб-сайт, несомненно, является самым важным активом, независимо от того, какой у вас уровень художника. Не вздумай.
Скорее всего, вы уже видели этот макет раньше (возможно, вы даже используете его).В художественной школе все старшие (включая меня) прошли курс профессиональной практики перед выпуском, чтобы подготовить нас к работе в «реальном мире». Часть курса заключалась в создании онлайн-портфолио, и почти все студенты использовали ту же тему «Уэллс» с перетаскиванием из Squarespace.
Как вы будете выделяться на открытых конкурсах, если ваше портфолио будет выглядеть точно так же, как и все другие кандидаты? Не поймешь.
Помимо вашей студии, ваш веб-сайт — это ваша главная возможность представить свои работы миру.Поработайте с графическим дизайнером, чтобы разработать индивидуальный веб-дизайн, который отражает ту работу, на совершенствование которой вы потратили так много времени.
Ваш сайт должен:
- Отразите себя как художника. Ваш индивидуальный дизайн должен раскрывать вашу индивидуальность и вкус.
- Точно и красиво изобразите вашу работу. Макет вашего сайта должен соответствовать виду работы, которую вы представляете, и правильно масштабировать его с различными макетами галереи изображений.
- Дайте всю необходимую информацию. Ваш веб-сайт должен включать все необходимое (иллюстрации, заявление художника, резюме, контактную форму), чтобы он не выглядел загроможденным.
- Будьте интуитивно понятными и простыми в навигации. Ваш макет должен иметь смысл для вашего контента. Ваш дизайнер может реагировать на все тонкости вашей работы намного лучше, чем когда-либо шаблон.
Пока вы работаете с дизайнером над своим персонализированным веб-макетом, воспользуйтесь возможностью, чтобы дизайнер подправил любые изображения, которые вы представляете на своем сайте, чтобы они выглядели наилучшим образом.
Иногда все, что требуется, — это правильный цветовой баланс, чтобы ваша документация стала популярной. Через Unsplash.Дизайн логотипа
Ваше имя — ваше предприятие как художника. Что можно сказать о вашем предприятии, если ваше имя написано шрифтом Times New Roman на всех ваших маркетинговых материалах?
Поработайте с дизайнером, чтобы разработать логотип, который соответствует вашей эстетике.Ваш логотип должен присутствовать на вашем веб-сайте, в резюме, визитных карточках, профилях в социальных сетях и любых других фирменных активах, таких как пресс-релизы и информационные бюллетени по электронной почте.
Логотип Нины Шанель Абни дополняет ее графический стиль работы, но не подавляет. Это также подчеркивает тот факт, что ее имя состоит из трех частей, фамилия всегда включается. Я обнаружил, что дизайнер Top Level goopanic, когда впервые начал работать в 99designs, и с тех пор мы продолжаем наши отношения. Я нанял его для проекта 1: 1, и он разработал этот логотип для моего веб-сайта и визиток.Словесный знак, вероятно, ваш лучший выбор, чтобы он мог существовать бок о бок с вашим произведением искусства, не сталкиваясь; Тем не менее, обсудите со своим дизайнером, какой тип логотипа лучше всего подойдет вам.
Визитки
Итак, вы находитесь на открытии галереи и болтаете с другими профессионалами. Куратор, с которым вы разговариваете, интересуется вашим искусством и хочет оставаться на связи. Вместо того, чтобы неуклюже набирать свой номер в телефоне, вы вручаете им красивую визитку, подтверждающую ваш профессионализм и побуждающую их оставаться на связи.
Визитные карточки — отличный способ повысить узнаваемость художника. Даже если вы не занимаетесь нетворкингом, всегда будут моменты, когда вы встречаетесь с кем-то и хотите поделиться своей контактной информацией.
Логотип венского сецессиона от tewayanu для художника Джина МотиВаша визитка должна:
- Включите всю необходимую информацию (имя, веб-сайт, адрес электронной почты и т. Д.)
- Дайте визуальный индикатор своей работы
- Будьте представлены в формате, соответствующем вашему стилю.Вы можете придерживаться типичной прямоугольной открытки или проявить изобретательность, выбрав уникальную форму или материал для печати.
Принимайте дизайнерские решения с помощью специалиста, который может изменить макет так, чтобы он соответствовал желаемому формату карты и расходам на печать.
Маркетинговое обеспечение
Каждый художник знает, что бессовестная самореклама — это часть игры. Заручитесь помощью графического дизайнера для создания листовок и других маркетинговых материалов, рекламирующих предстоящие выставки, открытые студии и мероприятия.
После того, как я был поражен работой художницы Лавы Томас в Headlands Center Open Studios, я был взволнован, увидев, что у нее есть подписка на рассылку электронной почты и листовки о ее предстоящем шоу. Мне он так понравился, что я повесила его на стену в своей студии. Лава Томас поддерживает рассылку фирменных информационных бюллетеней по электронной почте, которые соответствуют дизайну ее флаера.Думайте об этих дизайнах флаеров как о сувенирах, которые вы предлагаете своим зрителям. Они больше по размеру, чем визитки, поэтому идеально подходят для наклеивания на стены и столы, но только в том случае, если они хорошо спроектированы.
Создав список адресов электронной почты, начните также рассылать электронные листовки своим контактам. Вместо того, чтобы иметь два отдельных дизайна, сэкономьте деньги, превратив свой индивидуальный флаер в электронное письмо перед большим шоу или мероприятием.
Книги художника
Это забавный. Книги художников — это интересный и эффективный способ поделиться своими произведениями искусства, произведениями и проектами в доступном формате. Это также прекрасная возможность поработать с графическим дизайнером.
Пока вы отвечаете за содержание книги, сотрудничайте с блестящим книжным дизайнером над макетом и дизайном обложки, чтобы все было красиво и готово к печати.Конечный продукт будет тем, что каждый сможет с гордостью показать в своем портфолио.
Как сотрудничать с другими творческими людьми
—
Не следует пытаться быть мастером на все руки, когда дело доходит до вашего брендинга, но это легче сказать, чем сделать. Когда вы сами творческий человек и гордитесь своим мастерством, может быть трудно уступить место и передать свое творческое видение в руки другому.
Работая со многими дизайнерами над 99designs, вот лучшие способы начать творческое сотрудничество:
Найдите дизайнера, с которым вы сможете работать
Известно, что у креативщиков большие личности — и это хорошо! Но это не облегчает сотрудничество.
Относитесь к поиску графического дизайнера как к творческому сотруднику. В конце концов, вы действительно можете работать с ними надолго. Найдите дизайнера с навыками в нужных вам областях, с эстетическим стилем, который дополняет ваш стиль, и с индивидуальностью, которая вам нравится.
Напишите краткое, понятное, но открытое для толкования сообщение
У вас есть художественное видение, а у дизайнеров — свое. Проекты приносят больше удовольствия дизайнерам, когда они могут выразить свой предпочтительный стиль, поэтому также так важно, чтобы вы нашли дизайнера, стиль которого дополняет ваш собственный.
Чтобы написать бриф, который не привязывает дизайнеров к вашему уникальному видению, укажите только те элементы, которые вам необходимы. Отметьте, какой тип логотипа вы хотите (словесный знак? Эмблема? Комбинированный знак?) И хотите ли вы цветной или черно-белый. Предоставьте несколько наглядных примеров других дизайнов, которые вам нравятся, в качестве начального направления, а остальное оставьте на усмотрение дизайнера.
Это не только часто приводит к более сильному дизайну, но и показывает, что вы доверяете своему дизайнеру, что является ключом к развитию прочных профессиональных отношений.
Кредит вашего графического дизайнера
Хотя это и не обязательно, по возможности рекомендуется отдавать должное графическому дизайнеру. Не указывайте имя дизайнера на визитной карточке, но подумайте о том, чтобы указать его в нижнем колонтитуле вашего сайта. Это хорошая творческая карма, и она также показывает, что вы вложили энергию в разработку собственного сайта, который повысит ваш профессионализм.
Платите честно
Это должно быть понятно. Как художник вы знаете, как трудно получить заслуженную цену, когда друзья и семья просят купить произведения по цене дешевой еды.
Спросите своего графического дизайнера об их оценках с самого начала и уважайте их. Можно вести переговоры, но помните, что для художника время — деньги. Ваш дизайнер тоже заслуживает справедливой заработной платы.
Если у вас еще нет средств, чтобы заплатить дизайнеру, подумайте о творческом обмене. Вы можете предложить своему дизайнеру нестандартное произведение искусства (если он есть на рынке) в обмен на равноценную услугу. Всегда следите за тем, чтобы обе стороны заключали честную сделку.
Художники и графические дизайнеры: идеальное сочетание
—
Подумайте о предстоящих проектах, которые у вас есть, и я уверен, что вы найдете несколько возможностей для сотрудничества с графическими дизайнерами.
Это не только сделает ваш рабочий процесс более быстрым и эффективным, но и даст возможность поддержать других художников. Во имя объединения двух дисциплин, которые несут ответственность за то, чтобы сделать наш мир ярче, креативнее и красивее, найдите дизайнера и приступайте к делу!
Хотите найти дизайнера, который идеально подходит вашему художественному стилю?
Просматривайте тысячи портфолио одновременно.
50 самых известных дизайнеров Graahic! (Новый рейтинг 2021 года)
В последние годы графический дизайн действительно стал отличным выбором для получения степени и профессии в колледже.Многие из нас сегодня признают графический дизайн как создание новых стильных вывесок для местных магазинов, создание веб-сайтов и любые другие тысячи возможностей. Итак, где же нам искать пионеров в этой области?
Кто самый известный графический дизайнер?
Однажды ночью я просматривал картинки и другие разные предметы, оставленные моим покойным дедом. Известный как фотограф, я очень хотел найти его знаменитую камеру и узнать о ней побольше.
Когда я наконец нашел его среди картинок и письменной корреспонденции, я наконец увидел художественное оборудование моего деда, в котором он смотрел на мир.
Это было потрясающе.
Явно устаревшая камера казалась мечтой браузера антикварного магазина. Но что еще более важно, на нем был четкий красивый маленький логотип.
Это был синий круг, прорезанный тремя линиями. Мне было любопытно, поэтому я посмотрел. Это был логотип Minolta 1970-х и 1980-х годов, разработанный Солом Бассом.
Может быть, вы не знаете, кто такой Сол Басс, но я гарантирую, что вы видели бесчисленное количество знаковых изображений, которые он создал. Не верите мне? Смотрите это:
Это лишь часть того, что сделал Сол Басс.Это просто логотипы всемирно признанных брендов.
Он также был известен своими плакатами к фильмам. Он много работал с фильмами Стэнли Кубрика, создавая привлекательные, уникальные постеры и последовательности фильмов для таких фильмов, как «Психо», «Головокружение», «Вестсайдская история», «Это безумие», «Безумный», «Безумный», «Безумный мир» и других.
Саул хотел придать новый вид вступительным эпизодам в фильмах. Хотя его проекты были уникальны и могли легко стоять самостоятельно, он считал, что добавление движения к произведению искусства имеет решающее значение и позволяет зрителям «подготовиться» к просмотру того фильма, который они смотрят.
В результате возникла большая творческая атмосфера перед этими культовыми фильмами. Посмотрите вступление к Человек с золотой рукой 1955 года, чтобы понять, что я имею в виду.
Как графические дизайнеры становятся известными?
Конечно, не каждый может за одну ночь подняться до уровня Сола Басса. Его работа представляла собой годы упорного труда и отличных сетей и связей. Но настоящий вопрос в том, как стать известным графическим дизайнером.
Так что, может быть, слава не для вас, понятно.Но я больше говорю о том, чтобы быть достаточно известным художником, чтобы клиенты не теряли интереса к вашей работе.
Разговаривайте с людьми
Раскрытие себя — отличный способ показать клиентам и миру дизайна, что вы доступны и являетесь идеальным кандидатом на эту работу. Оттачивание навыков собеседования, работа над портфолио работ и общение с людьми — все это помогает художнику-графику стать более известным нарицательным.
Это включает в себя нетворкинг и общение с некоторыми серьезными клиентами.
Расскажите о себе
Почитайте публикации, посвященные графическому дизайну. Вам понадобится отличная история, чтобы рассказать, или отличные произведения, которые нужно показать, так что приготовьтесь.
Хороший веб-сайт
Людям нравится отличный дизайн и пользовательский интерфейс, поэтому, чтобы добиться настоящего успеха, вам нужно дать посетителям почувствовать, в чем могут проявляться ваши творческие способности. Изложите формулировку миссии, продемонстрируйте работу и многое другое, чтобы лучше рекламировать свои навыки.
Кто самый богатый графический дизайнер?
Это не так однозначно, поскольку дизайнеры сильно различаются.Мы могли бы сравнить чистую стоимость активов, она не основана на зарплате графического дизайнера и произведениях искусства и может относиться к их личной собственности, такой как дома и автомобили.
Однако, если бы мы отказались от этого и все равно проанализировали чистую стоимость активов, такие дизайнеры, как Чипп Кидд и Майкл Берут, имели впечатляющую чистую стоимость в 16 миллионов долларов и 1,4 миллиона долларов соответственно.
50 самых известных графических дизайнеров и художников
Сол Басс
Я уже рассмотрел множество различных способов, которыми Сол Басс изменил мир дизайна за свою выдающуюся карьеру, но я считаю, что его влияние всегда следует признавать.Он изменил названия фильмов с неподвижных, скучных аспектов, которые просто отображали имена актеров, на живую часть фильма, привлекая зрителя.
Чип Кидд
Возможно, вы знаете работы Кидда по широко известному проекту Парка Юрского периода. Первоначально Кидд разработал обложку книги, а в 1993 году она была перенесена на афиши фильмов.
Создал обложки для множества книг и известных авторов. Его работы включают дизайны книг для Джеймса Эллроя, Харуки Мураками, Алана Мура, Дэвида Седариса, Брета Истона Эллиса и других.
Он выступает с докладами и работает в известных журналах, таких как The New Yorker.
Роб Янофф
Янофф — создатель культового логотипа Apple, используемого компанией с момента ее основания в конце 1970-х годов. Несмотря ни на что, компания сохранила простой, но эффективный дизайн.
Решение добавить кусочек яблока было тем, что скрепило сделку в сознании Янова: оно придало ее индивидуальности. Он также был вдохновлен психоделическими и хиппи-аспектами при разработке логотипа Apple II.
Майкл Берут
Майкл Берут — отмеченный наградами дизайнер, который является партнером Pentagram с начала 1990-х годов. Его работы можно увидеть в Музее современного искусства (MoMA), Библиотеке Конгресса и Смитсоновском музее дизайна.
Он разработал логотип кампании Хиллари Клинтон, который включает букву «H» со стрелкой, направленной вперед.
Пол Рэнд
Рэнд — знаменитый разработчик корпоративных логотипов для таких компаний, как ABC, IBM, UPS и других.
Он был сторонником модернистского «швейцарского стиля», который развился в 1950-х годах в Германии, Швейцарии и России. Швейцарский стиль и влияние Rand на мир дизайна ощущается сегодня. Он несколько лет работал профессором графического дизайна в Йельском университете.
Кэролайн Дэвидсон
Прогуляйтесь в любом месте в течение 5 минут, и вы увидите работы Кэролайн Дэвидсон вокруг себя. Она является дизайнером невероятно культового логотипа Nike Swoosh, разработанного в начале 1970-х годов после того, как Blue Ribbon Sports сменила название на Nike.
Сам по себе Swoosh стоит 26 миллиардов долларов.
Линдон Лидер
Leader — уважаемый графический дизайнер, который придумал знаменитый логотип FedEx, а именно интегрировал тонкую стрелку между буквами «E» и «X».
Не поймал стрелку, пока не сказал это? В этом гениальность дизайна Lindon Leader.
Вместе с FedEx, Leader участвовал в проектировании отелей DoubleTree Hotels, CIGNA и консультировал Организационный комитет Олимпийских игр Лос-Анджелеса.
Макс Мидингер
Miedinger является создателем всеобъемлющего шрифта Helvetica. Созданный в 1957 году как Neue Haas Grotesk, Helvetica стал популярным шрифтом для огромного количества различных крупных брендов.
Helvetica была основным продуктом процесса разработки Apple в течение многих лет, а именно с момента появления iPhone в 2007 году.
Сьюзан Кэр
Сьюзен — дизайнер многих иконок, ставших известными в свое время компьютерами Mac.Она много работала со Стивом Джобсом на протяжении 1980-х годов над дизайном и в процессе создавала знаменитые иконки для macOS.
Susan Kaye — пионер шрифта Geneva, существенно переработанной версии Helvetica.
Милтон Глейзер
К большому разочарованию многих коренных жителей Нью-Йорка, мощный дизайн «I ❤ NY» Милтона Глейзера привлекателен как для приезжих, так и для любителей дизайна. Он был разработан в конце 1970-х годов для продвижения туризма в Нью-Йорке, который переживал тяжелые времена в финансовом отношении.
Он также работал в DC Comics.
Питер Сэвилл
Г-н Сэвилл — великий дизайнер, создавший обложки культовых альбомов, а именно обложек альбомов Joy Division «Unknown Pleasures» и New Order «Power, Corruption & Lies». Последний — красиво унылый, по-прежнему похожий на разные цветы.
Он также разработал домашнюю футболку для английской футбольной команды в 2010 году.
Массимо Виньелли
« Если вы можете спроектировать одну вещь, вы можете спроектировать все».
У него была знаменитая работа — карта метро Нью-Йорка 1972 года. Она основывалась на модернистских традициях дизайна и быстро стала основным продуктом художественного движения.
Наряду с картой, он работал над дизайном (интерьер, экология, корпоративный дизайн, мебель) на протяжении всей своей карьеры, которая длилась почти 60 лет.
Иван Чермайев
Иван Чермаев был основателем дизайнерской фирмы Chermayeff & Geismar & Haviv, которая на протяжении многих лет создавала множество знаковых дизайнов.
Логотипы PBS, Smithsonian, Showtime, National Geographic, NBC и Mobil — всего лишь несколько частей их вечной работы.
Джим Тирни
Тирни — художник обложек книг, в последнее время известный своей безупречной работой по переработке серии книг «Дюна», написанных Фрэнком Гербертом.
В его портфолио также много переработанных и обновленных книг Стивена Кинга, Урсулы К. ЛеГуин, T.C. Бойля и некоторых классиков литературы.Его новейшее произведение — сборник первых романов Стивена Кинга: «Кэрри», «Лот Салема» и «Сияние». Это эксклюзив Barnes & Noble.
Паула Шер
Паула Шер, первая женщина-руководитель прославленной компании Pentagram из Нью-Йорка, занимается образованием и дизайном с начала 1970-х годов.
Она сыграла важную роль в обновлении многих аспектов Музея современного искусства (MoMa). Вместе с этим известным нью-йоркским учреждением она приложила руку к изменению аспектов Метрополитен-опера и логотипа Windows 8, который она превратила из флага в настоящее окно.
Джессика Уолш
Основательница Sagmeister & Walsh, Джессика Уолш сделала свой костяк в графическом дизайне с помощью таких творческих проектов, как «40 дней свиданий», «12 видов доброты» и «Ladies Wine and Design». Она преподает в Школе визуальных искусств (SVA) в Нью-Йорке.
Алан Флетчер
Британский дизайнер Алан Флетчер был известным дизайнером, тесно сотрудничавшим с Pentagram.
Он создал логотип V&A для Музея Виктории и Альберта в Англии и логотип IoD для Института директоров.
Газета Daily Telegraph описала его как «самого уважаемого графического дизайнера своего поколения и, вероятно, одного из самых плодовитых».
Дана Танамачи
Дана Танамачи — опытный художник, занимающийся в основном дизайном книг, переделывая обложки для знаковых литературных произведений, таких как «Волшебник страны Оз», «Питер Пэн» и «Длинные чулки Пеппи».
Она специализируется на типографике и чрезвычайно внимательна к деталям, о чем свидетельствует ее превосходное книжное искусство в твердом переплете.
Алекс Центр
Ведущий дизайнер Coca-Cola, Alex Center, руководил рекламными кампаниями Vitamin Water, Smartwater и Powerade.
Он является основателем CENTER, дизайнерской фирмы из Бруклина. «В 2011 году Алекс был назван одним из 200 лучших дизайнеров упаковки по версии Luerzers Archive».
Шепард Фейри
Любой, кто участвовал в выборах 2008 года, видел культовую работу Шепарда Фейри.
Он отвечает за создание потрясающего портрета Барака Обамы с надписью «НАДЕЖДА» внизу.Этот образ стал объединением сторонников Обамы в 2008 году и сыграл большую роль в продвижении имиджа будущего президента.
Он также разработал кампанию наклеек «У Андре Великана есть отряд» / OBEY, которая с тех пор превратилась в огромный бренд одежды.
Джонатан Барнбрук
Этот мне дорог и близок. Джонатан Барнбрук был дизайнером альбомов Дэвида Боуи, а именно Heathen, The Next Day и Blackstar.
Он также разработал шрифт Exocet в начале 1990-х годов, который получил огромную известность в игре ужасов / приключенческих играх Diablo 1996 года.
Джордж Лоис
Лоис — икона дизайна, большую часть своего успеха он нашел в журнале Esquire в США.
В 1968 году он разработал долговечный и противоречивый образ Мухаммеда Али со связанными руками и пронзенными множеством стрел, названный «Страсти Мухаммеда Али». В этом изображении сочетаются сильные стороны расы и религии, напоминающие знаменитую картину христианского мученика Святого Себастьяна.
Брэдбери Томпсон
Брэдбери Томпсон был великим дизайнером, который был известен прежде всего своей превосходной и новаторской работой в журналах.Его образы одновременно сюрреалистичны, популярны, традиционны и постмодернисты. Он призвал дизайнеров экспериментировать со всем.
Понятно, что он сам экспериментировал почти со всеми выполненными работами. Его попросили отредактировать тогда еще более новую версию Библии короля Иакова, используя шрифт Sabon. Его форматирование противоречило традиционному печатанию Библии и доказало, что эксперименты могут изменить мир.
Херб Любалин
Херб Любалин был известным типографом, который сыграл важную роль в создании семейства шрифтов Avant-Garde, ITC Avant-Garde.
Любалин так сказал о своей работе: «То, что я делаю, на самом деле не типографика, которую я считаю по сути механическим средством размещения символов на странице. Дизайн с буквами. Аарон Бернс назвал это типографикой, и, поскольку нужно давать имя вещам, чтобы сделать их запоминающимися, типографика — такое же хорошее название для того, чем я занимаюсь ».
Эрик Шпикерманн
Немецкий дизайнер Эрик Шпикерманн известен прежде всего разработкой знаменитого шрифта FF Meta, который был принят Немецкой почтовой службой Deutsche Bundespost.
Он также участвовал в разработке шрифта, используемого в Nokia, Nokia Sans и Fira Sans для Mozilla Firefox.
Он получил несколько наград, в том числе Зал славы European Design Awards и награду за выслугу от German Design Prize
.Стефан Загмайстер
Работая вместе с Джессикой Уолш, Стефан Сагмайстер возродил уже состоявшуюся карьеру. Его работа с такими артистами, как Лу Рид над его альбомом Set the Twilight Reeling и Rolling Stones над их альбомом 1997 года «Bridges to Babylon», сделала Сагмайстера очень популярным артистом среди музыкантов.
Дэвид Карсон
Карсон сделал себя известным благодаря участию в журнале Ray Gun в качестве арт-директора.
Он укрепил свой грубоватый, подрывной художественный стиль, написав целое интервью с Брайаном Ферри из Roxy Music в «Дингбаты», шрифт, полностью состоящий из простых символов. Он подчеркивает, что не научился тому, что делает в школе, что он просто делал то, что хотел, что в конечном итоге очень ему помогло.
Невилл Броуди
Броуди был арт-директором английской газеты The Face с начала до середины 1980-х годов.
Наряду с этим он создавал обложки альбомов для таких музыкантов, как Depeche Mode, и имеет постоянную экспозицию в MoMA. Его стильные и вдохновленные панком работы действительно привлекают внимание зрителя.
Кейт Моросс
Известная тем, что не черпает идеи от существующих художников, арт-директор Studio Moross Кейт Моросс черпает вдохновение для своей работы через повседневные встречи с нормальными людьми.
Она участвовала в оформлении для One Direction, а именно в их гастрольных работах и живых выступлениях.Подобные вещи сделали ее популярным товаром в британских дизайнерских кругах.
Алан Олдридж
Известный такими вещами, как второй альбом рок-группы The Who, A Quick One, Алан Олдридж был автором журнала The Sunday Times и внештатным сотрудником Penguin Publishing.
Те, кто смотрят A Quick One, замечают культовый мультяшный цветочный стиль Олдриджа, который был глотком свежего воздуха для британской рок-группы.
Алексей Бродович
Бродович был ведущим арт-директором журнала Harper’s Bazaar с 1934 по 1958 год.
Он был основателем своей художественной студии L’Atelier A.B., в которой он создавал для клиентов такие произведения искусства, как реклама и книжные иллюстрации. Он пробовал создавать практически все: украшения, текстиль, плакаты, иллюстрации, фарфор и различные художественные изделия.
Ганс Хульсбош
Австралиец Ханс Хулсбош отвечает за бесчисленное количество дизайнов для некоторых из крупнейших брендов Австралии на рынке.
Он разработал культовый логотип Qantas Airways в виде кенгуру; метко названный «летающий кенгуру».Он также отвечает за работу с компаниями по разработке упаковки, такими как Kleenex, Huggies и Windex.
Его компания HULSBOSCH получила внушительное количество наград за свою прошлую и настоящую работу с такими компаниями, как Volvo, Woolworth’s и Royal Caribbean.
Ян Чихольд
Чихольд отвечает за создание окончательных текстов по шрифтам и художественному дизайну в своих книгах (Die Neue Typographie), которые быстро стали отраслевым стандартом на долгие годы.
В среднем возрасте он продолжил редизайн 500 различных обложек для книг для Penguin Publishing.
Джон Бургерман
Художник из Нью-Йорка Джон Бургерман приложил руку к дизайну для Nike, MTV, Pepsi и множества других известных брендов.
Считается «художником-каракули», его мультяшный стиль был показан в документальных фильмах, фресках и даже достиг кульминации в создании им поп-арт-группы Anxieteam.
Йозеф Мюллер-Брокманн
Йозеф Мюллер-Брокманн, олицетворяющий минималистский дизайн, был автором и дизайнером множества основополагающих текстов по графическому дизайну.
Он был одержим «радикальным минимализмом»; пытается организовать вещи как можно лучше в соответствии с его замыслами. Его акцент на чистых и четких шрифтах и геометрии до сих пор остается гладким и привлекательным, несмотря на то, что ему почти от 50 до 60 лет.
Эрик Карл
Всем, кто знаком с детскими книгами, знакомы работы Эрика Карла.
Карл был писателем и автором книги «Очень голодная гусеница», популярность которой принесла ей много первых мест в лучших детских книгах всех времен.Он использовался для пропаганды здорового питания, был одобрен бывшей первой леди Барбарой Буш за ее инициативу по обучению грамоте и переведен на 40 различных языков.
Дик Бруна
Дик Бруна — известный голландский дизайнер, который создал симпатичного кролика Миффи. Миффи фигурирует в бесчисленных книжках с картинками, автором которых является Бруна.
Вместе с Миффи Бруна оформила более 2000 каверов. Хотя он специализировался на детской литературе, он не был новичком в таких популярных фильмах, как «Святой» и «Джеймс Бонд».
Лейф Подгайский
Благодаря таким известным клиентам, как Virgin Records, Лейф Подхайски стал известным дизайнером обложек альбомов для различных групп.
Он отвечает за работу с известной психоделической группой Tame Impala над их двумя альбомами Innerspeaker и Lonerism, на обоих выставлены триповые фотографии, которые точно передают, что представляет собой группа.
Otl Aicher
Один из соучредителей Ульмской школы дизайна в Германии, Отл Айхер сыграл важную роль в создании плаката Летних Олимпийских игр 1972 года в Мюнхене.
Демонстрирует более минималистичный дизайн, плакат использует простой шрифт и привлекательную синюю цветовую схему для олимпийских колец. Возможно, он был спроектирован в 1972 году, но он вполне может сойти за следующие летние Олимпийские игры.
Поклонник брендинга, он разработал логотип Lufthansa в конце 1960-х годов.
Масару Кацуми
Кацуми, вдохновленный Отл Айхером, разработал олимпийский плакат 1964 года, показанный для Игр в Токио, который, я считаю, все еще может быть лучшим дизайном для Олимпийских игр.Он прост и прекрасно представляет Японию, так как золотые олимпийские кольца располагаются под массивным красным солнцем, перекликаясь с национальным флагом Японии.
Наряду с плакатом он создал простые, но эффективные иконки для представления различных видов спорта на Олимпийских играх. Он также был искусствоведом.
Маргарет Калверт
Совершите поездку в любой день недели по Соединенному Королевству, и вы столкнетесь лицом к лицу с работой Магарет Калверт не менее десятка раз.
Она сотрудничала с другим художником Джоком Киннейром в создании многих дорожных знаков.Не ограничиваясь только дорожными знаками, она также сыграла важную роль в разработке знаков для авиаперевозок и железных дорог.
Сторм Торгерсон
Любой поклонник музыки наверняка узнает великую работу Шторма Торгерсона.
Он разработал потрясающую обложку для песни Pink Floyd «Темная сторона луны» с черным фоном и призмой, через которую проходит свет. Он постоянно работал над обложками альбомов Pink Floyd с 1960-х по 2011 год.
Вместе с Pink Floyd он много работал с большим количеством музыкальных исполнителей.Led Zeppelin, AC / DC, Genesis и Queen были лишь некоторыми из его знаменитых клиентов.
Тибор Кальман
Тибор Кальман начал свое восхождение к славе, будучи ведущим дизайнером того, что впоследствии станет известной сетью книжных магазинов Barnes & Noble.
Затем он стал главным редактором журнала Colours. Журнал использовал яркие изображения и привлекательный шрифт, чтобы донести идею мультикультурализма. В известном примере работы журнала королева Елизавета II и Папа изображены как меньшинства.
Джон Элвин
Поклонники кино сразу узнают работы Джона Элвина.
Он создал изображения, которые использовались в фильмах «Бегущий по лезвию», «Король Лев», «Новая канавка императора» и «Звездные войны».
Его прекрасные фотореалистичные навыки рисования добавили эпичности его афишам к фильмам. Современники утверждают, что его потрясающие работы способствовали росту популярности различных фильмов.
Винсент Коннар
Винсент Коннар, возможно, наиболее известный благодаря созданию шрифтов Comic Sans и Trebuchet, создал системные шрифты для HP и Microsoft.
Он создал логотип Ministry of Sound и запустил Magpie OpenType, который сочетает в себе различные шрифты и гарнитуры.
Вим Кроувел
Гарнитур и дизайнер шрифтов Вим Кроувель первоначально был генеральным секретарем Международного совета ассоциаций графического дизайна.
Его интерес к международному стилю позволил ему работать над такими вещами, как голландские марки, шрифт New Alphabet, и его работы были показаны на международном уровне.
Стэнли Донвуд
Поклонники альтернативной рок-группы знают творчество Стэнли Донвуда.Альбомы «Kid A» и «Amnesiac», за которые он получил премию «Грэмми».
Его акцент на трафаретной печати напоминает работы Жана-Мишеля Баския и Энди Уорхола, подчеркивая иногда беспорядочный и упрощенный дизайн.
Вольфганг Вайнгарт
Известный своим стилем новой волны, стиль Вайнгарта считался «панком» за его подрыв чистого и сурового минимализма. Он оказал влияние на студентов, которых обучал, достигнув высшей точки в «стиле Вайнгарта».
Его работы часто несколько хаотичны, с использованием множества оттенков серого и черного, но при этом напоминают стили ар-деко прошлых лет.
Адриан Фрутигер
Frutiger считался ответственным за перевод типографики с основного шрифта на цифровой. Он разработал шрифты Président, Ondine и Méridien в 1950-х годах. Сделав шаг в сторону цифрового шрифта, он приложил руку к переписыванию вывесок для французского метро.
Апрель Грейман
Опираясь на такие влияния, как Вольфганг Вайнгарт, Эйприл Грейман была ответственна за представление стиля дизайна новой волны в Америке.
Она подчеркнула ошибки в оцифровке и добавила их в свое искусство, в то время как другие не решались перейти на оцифрованный дизайн. Ее работы выглядят так, будто Вольфганг Вайнгарт создавал острые, сумасшедшие, красочные, попсовые вещи в 1980-х и 1990-х годах.
FHTC | Технический колледж Флинт-Хиллз
Художники-графики занимаются визуальной коммуникацией. Будь то традиционная печать или Интернет, художники-графики используют самые современные технологии и передовые средства коммуникации для создания идей, изображений и передачи информации.Студенты научатся применять концепции графического искусства, формулы, а также рабочие процедуры и принципы производства, готовясь к творческой и разносторонней карьере.
Я выбрал FHTC, потому что мне нравится техническая сторона вещей и изучение того, как работают процессы. Все очень меня поддержали, что облегчило мне посещение уроков графики, пока я учился в старшей школе.
Ездра
Опции программы
Graphic Arts Technology предлагает технический сертификат и возможность получения степени младшего специалиста по прикладным наукам.Старшеклассники и юниоры также имеют право подать заявку на участие в этой программе.
Технический сертификат рассчитан на один год. Выпускники будут иметь понимание и навыки для применения концепций графического искусства, формул, операционных процедур и принципов производства в соответствии с отраслевыми стандартами. Этот опыт готовит выпускников к должностям начального уровня в полиграфической индустрии. Выпускники, желающие продолжить свое образование, могут перевести курсы с сертификатом в программу получения степени AAS Graphic Arts Technology.
Ассоциированная степень по прикладным наукам — это двухлетняя программа, включающая технические и общеобразовательные курсы. Выпускники расширят свои знания в области графического искусства, включая фотографию, и производственных процессов.
Требования к курсам для получения степени младшего специалиста Требования к курсу технического сертификатаВозможности карьерного роста
Индустрия графического искусства включает широкий спектр визуальных выражений, включая дизайн печатных материалов и цифровых носителей.Студенты также изучат процедуры до и после производства и получат практический опыт в производстве цифровой, трафаретной и широкоформатной печати.
Карьерные возможности включают:
- Коммерческая печать
- Издательство журналов и книг
- Трафаретные принтеры
- Рекламное агентство
- Специальные принтеры
- Внутренняя графика
Программный факультет
Рианнон Бодин
Инструктор по технологиям графического искусства
620-341-1377Отправить электронное письмо
Рианнон окончила FHTC в 2018 году со степенью младшего специалиста по прикладным наукам в области технологий графического искусства и начала свою педагогическую карьеру в 2021 году.Имея пятилетний опыт работы в графической индустрии, ее предыдущие должности: художник-постановщик, фотограф, художник-график, арт-директор и директор по маркетингу. Рианнон также вызвалась учительницей рисования в школах округа Чейз с 2018 года.
Больше информацииШеннон Крауч
Инструктор по технологиям графического искусства
620-341-1332Отправить электронное письмо
Шеннон окончила FHTC в 2009 году со степенью младшего специалиста по прикладным наукам в области технологий графического искусства и начала свою педагогическую карьеру в 2021 году.Она имеет 12-летний опыт работы в полиграфической индустрии в самых разных областях, включая цифровые листовые печатные машины, широкоформатную печать и широкоформатную печать, производство и установку виниловой графики, трафаретную печать, процессы отделки и переплета, а также графический дизайн.
Больше информации Рианнон БодинИнструктор по технологиям графического искусства
620-341-1377
Отправить письмо
Рианнон окончила FHTC в 2018 году со степенью младшего специалиста по прикладным наукам в области технологий графического искусства и начала свою педагогическую карьеру в 2021 году.Имея пятилетний опыт работы в графической индустрии, ее предыдущие должности: художник-постановщик, фотограф, художник-график, арт-директор и директор по маркетингу. Рианнон также вызвалась учительницей рисования в школах округа Чейз с 2018 года.
Шеннон КраучИнструктор по технологиям графического искусства
620-341-1332
Отправить письмо
Шеннон окончила FHTC в 2009 году со степенью младшего специалиста по прикладным наукам в области технологий графического искусства и начала свою педагогическую карьеру в 2021 году.Она имеет 12-летний опыт работы в полиграфической индустрии в самых разных областях, включая цифровые листовые печатные машины, широкоформатную печать и широкоформатную печать, производство и установку виниловой графики, трафаретную печать, процессы отделки и переплета, а также графический дизайн.
Академическое партнерство
студентов FHTC, получивших степень младшего специалиста по прикладным наукам в области технологий графического искусства, могут иметь право использовать соглашение 2 + 2 со следующими учреждениями для продолжения своего образования.
Государственный университет Эмпории: Бакалавр искусств в области графического дизайна
Государственный университет Форт-Хейс: Бакалавр технологического лидерства
Государственный университет Канзаса: Бакалавр изящных искусств в полиграфии или Бакалавр наук в области управления технологиями
Питтсбургский государственный университет : Бакалавр прикладных наук в области графики и технологий обработки изображений или бакалавр прикладных наук
Университет Уошберна: Бакалавр прикладных наук
Информация о программе и ресурсы
Ориентировочная стоимость программы и критерии тестирования доступны в документах ниже.Посетите нашу страницу приема , чтобы узнать об этапах приема и другую полезную информацию.
Сводка затрат на технологию графического искусства — учащиеся старших классов Просмотр документаПечать, эстамп, графика — Объявления
Гравюры, эстамп, графика
14 мая — 16 августа 2020 г.
313 Квангмён-ро, Квачхон-си
13829 Кёнги-до
Южная Корея
Часы: Вторник – воскресенье с 10:00 до 18:00,
суббота с 10:00 до 21:00
Т +82 2 2188 6000
Печать, эстамп, графика пытается расширить медиа и укрепить баланс между жанрами.Выставка проливает свет на современную корейскую печать — жанр, который необходимо заново открыть в русле истории корейского искусства. Благодаря своему долгому прошлому печать в Корее всегда оценивалась как дисциплина с уникальными характеристиками, особенно в период с 1960-х по 1990-е годы, когда были разработаны разнообразные методы печати и техники этого жанра, а гравюра стала считаться динамичной экспериментальной средой. Однако бесспорно и то, что в потоке других сред и областей современного искусства, таких как медиа-арт и междисциплинарное искусство в 2000-х годах, современная корейская печать теряет свою опору.Эта выставка объединяет работы художников, которые в основном работают с печатной средой, и проливает свет на «печать» как особый жанр, среду, концепцию и ситуацию.
Гравюры, эстамп, графика в основном состоит из 4 разделов: «Книжный магазин», «Улица», «Студия» и «Платформа». Заимствуя термины и черты знакомых нам мест в нашем окружении, выставка смотрит на прошлое и будущее печати через концепцию пространства. Между тем, название выставки пытается передать уникальную природу множественности в гравюре.Это также отражает намерение выставки сосредоточиться на печати и ее изучении, универсальном, но сравнительно незнакомом для большинства, средстве с его непревзойденным очарованием и средстве, которое будет продолжать развиваться с помощью художественных концепций и техник. Выставка надеется еще раз подтвердить ценности гравюры как жанра и сформировать широкие узы взаимопонимания, чтобы продолжить изучение возможности жанра, который часто отчуждается.
Книжный магазин
Гравюра всегда была тесно связана с культурой печати с момента ее зарождения из-за характеристик носителя, которые включают гравировку на пластине и печать на бумаге.Это качество делает гравюру видом искусства, относительно близким к повседневной жизни людей. «Книжный магазин» исследует точку взаимодействия между печатью и культурой печати, представляя различные работы от книг художников, которые переосмысливают «книгу» как форму искусства, до концептуальных и цифровых произведений искусства, расширяющих концепцию книг, и печатных иллюстраций и свои оригинальные тарелки.
улица (индекс )
Печать функционирует как тип носителя, который может эффективно доставлять и распространять послание художника, благодаря его доступности и возможности тиражировать и распространять.«Улица» представляет собой гравюры, которые активно отражают социальные проблемы действительности, в том числе гравюры на дереве Минджунг 80-х годов в Корее. Работы в этом разделе вызывают у зрителей сильные волны резонанса, усиленные яркими выражениями лиц в гравюрах, отражающих весь спектр социальных ландшафтов, от жестокого угнетения и абсурдности реальности до интимной близости и простоты повседневной жизни.
Студия
Печать — это практика, которая требует от художника как художественной чувствительности, так и технических знаний.В зависимости от различных типов гравюры требуются разные техники: литография, медная пластина, гравюра на дереве и шелкография. Отпечаток обладает неповторимой красотой, которой нет ни в одном другом носителе, с его уникальным и сложным процессом изготовления пластины, нанесения чернил на пластину и последующей печати пластины на бумаге. «Студия» демонстрирует работы художников-печатников и демонстрирует, как они исследуют и развивают различные методы гравюры как средства выражения и расширения своего собственного уникального мира искусства.
Платформа
Этот раздел проливает свет на печать в авангарде современного искусства. Место, где работы разворачиваются, сталкиваются и соединяются друг с другом, «Платформа» показывает расширяющиеся траектории среды, от гравюры до рисунка, инсталляции и скульптуры. В разделе представлены работы современных корейских художников, которые по-новому интерпретируют чувствительность и потенциал печатной среды, например, работы других жанров, которые сохраняют черты печати, и другие работы, которые исследуют практику гравюры как место для экспериментов.
Графический дизайнер против графического художника
Вы, вероятно, думаете: «Неужели существует целый блог, посвященный различиям между художником-графиком и графическим дизайнером?»
Вы можете не осознавать, что есть разница, но она есть. Цель этого блога — помочь объяснить, что это такое.
ПЕРСПЕКТИВА
Как дизайнер, который работал одновременно художником-графиком и графическим дизайнером, я понимаю путаницу. В конце концов, у художников-графиков и графических дизайнеров есть следующие общие черты:
- Оба используют визуальные эффекты для выполнения своей работы
- Оба работают в цифровом и печатном форматах
- И, конечно, оба начинаются со слова «графика».”
Роли художника-графика и графического дизайнера фактически преследуют разные цели. Основываясь на моем опыте и знаниях, я выделю различия.
ГРАФИЧЕСКИЙ ХУДОЖНИКЕдинственная цель художника-графика — создавать визуальные эффекты, облегчающие идею или историю. Иногда в создании дизайна отсутствует логика, а в других случаях визуальные эффекты служат платформой для всей истории.
Прежде всего, нет ограничений на тип или количество средств, которые может использовать художник-график.
Принципы проектирования не строгие, но это не значит, что ими нельзя пренебрегать. (Чтобы узнать больше об основных элементах и принципах дизайна, обратитесь к моему блогу («Конструирование, составление, создание; Базовое руководство по графическому дизайну»). Следовательно, художники-графики склонны нарушать некоторые правила дизайна, но только если он соответствует композиции или рассказываемой истории.Чтобы лучше понять, чем может заниматься художник-график, можно определить
видов работ, которые он создает. Портфолио художника-графика может включать:- Мультфильмы
- Иллюстрации
- Графические романы
- Комиксы
- Иллюстрации из фильмов
Каждая фигура не подчиняется единому набору правил. Стиль ограничен этим конкретным произведением искусства. Если художник-график хочет рассказать историю, то на первом месте стоят визуальные эффекты, а потом — история. В зависимости от сюжета на визуальные эффекты влияют динамические действия, диалоги или стилизация внутри композиции.
ГРАФИЧЕСКИЙ ХУДОЖНИК ЦЕЛЬВот интерпретация того, как художник-график может быть показан через гуманистические качества:
Основная цель художника-графика — развлечь зрителя.Внешний вид объекта может иметь отношение к рассказу, а может и не иметь. Основное внимание уделяется искусству, которое отражается в их стилистике. Тематика обычно более естественная и художественная. В этом конкретном примере объект — человек с природными и утилитарными элементами. Стилизация волос естественна, а одежда предназначена исключительно для ее удобства. Другого основного сообщения нет.
Вы увидите работы художников-графиков в печатном или цифровом формате. Это зависит от назначения конструкции.Их работы создаются вручную или на компьютере, а произведения искусства, которые они создают, часто работают как в печатном, так и в цифровом формате.
ГРАФИЧЕСКИЙ ДИЗАЙНЕР Напротив, главная цель графического дизайнера — заставить зрителя взаимодействовать с контентом в дизайне. Благодаря интерактивности зритель может читать, прокручивать или щелкать по отображаемому контенту. В мире графического дизайна контент — это король, и цель дизайна — помочь оптимизировать краткую информацию, предоставляя визуальную платформу.
Чтобы лучше понять, чем может заниматься графический дизайнер, вы должны уметь определять виды работы, которую он выполняет. Портфолио графического дизайнера может включать:
- Инфографика
- Маркетинговое обеспечение
- Полиграфический дизайн
- Цифровой дизайн
- Веб-дизайн
- Учебный дизайн
- Дизайн презентации
- Дизайн логотипа
Вот интерпретация того, как графический дизайнер может проявить себя через гуманистические качества:
Основная цель графического дизайнера — доставить контент в привлекательной манере.Состав и способ взаимодействия дизайна зависят от отображаемого контента. На рубашке присутствует графический элемент, но с дополнительными цветами: синим и желтым. У рубашки тоже есть дизайн, но он сбалансирован благодаря своей симметричной композиции. Цвет и баланс — два элемента дизайна.
Помните, что графический дизайн зависит от композиции контента, а элементы и принципы графического дизайна важны для создания композиции.
ВЫВОДЫ- Графические дизайнеры должны следовать строгим рекомендациям из-за параметров содержания и носителя (т.е., брошюра, веб-сайт, плакат и т. д.), но у художников-графиков более мягкие правила из-за неограниченных возможностей для идей и историй.
- Для графических дизайнеров контент имеет первостепенное значение. Дизайнер не может создавать визуальные эффекты, не понимая, какой контент он будет облегчать.
- Для художников-графиков визуальные возможности безграничны. Дизайн зависит от абстрактной мысли, и невозможно установить ориентиры.
Основное различие между графическим дизайнером и художником-графиком заключается в важности образов в работе.Главное намерение графического дизайнера — облегчить содержание, а главное намерение художника-графика — облегчить идею или историю. Оба они включают визуальные эффекты и могут быть в различных формах медиа, и оба они важны, потому что они удовлетворяют различные потребности в визуальной сфере.
О CATMEDIACATMEDIA — отмеченная наградами компания Inc. 500, базирующаяся в Атланте, штат Джорджия. Основанная в 1997 году, компания специализируется на рекламе, творческих услугах, производстве средств массовой информации, управлении программами, обучении и управлении человеческими ресурсами.Как малый бизнес, принадлежащий женщинам (WOSB), CATMEDIA обеспечивает обслуживание клиентов мирового класса и инновационные решения для государственных и коммерческих клиентов. Текущие клиенты CATMEDIA включают Центры по контролю и профилактике заболеваний (CDC), Федеральное авиационное управление (FAA), Управление персонала (OPM) и Департамент по делам ветеранов (VA).