Дизайн примеры и авторы искусство: Произведения искусства в веб-дизайне — как искусство влияет на дизайн сайта

Произведения искусства в веб-дизайне — как искусство влияет на дизайн сайта

Дизайн сайтов, как и остальные виды творческой деятельности, в основном опирается на человеческий опыт. Несмотря на то, что разработчики всегда стремятся создать что-то новое, в работах неизбежно будут встречаться традиционные приемы и тренды прошлого. Именно поэтому один из способов найти необычные идеи — поиск вдохновения в искусстве. Дизайнеров также можно назвать творцами и художниками виртуального мира.

В этой статье мы поговорим о влиянии искусства на дизайн, приведем примеры сайтов, где используются произведения искусства как напрямую, так и косвенно, и разберемся, как искать вдохновение в шедеврах прошлого.

Как искусство влияет на дизайн

Создать внешний вид сайта непросто. Важно, чтобы он не только нравился пользователям с чисто эстетической точки зрения, но и был удобен в использовании, позволял быстро сделать заказ или купить услугу.

Однако, именно привлекательность дизайна может привлечь внимание клиента, составить о сайте первое впечатление и приятно удивить пользователя. Поэтому мы снова возвращаемся в эмоциональную сторону дизайна и сравниваем его с искусством.

Искусство призвано вызывать эмоции — это главная его цель и предназначение. Именно поэтому дизайн может вбирать в себя идеи, реализованные старыми мастерами и творческими людьми ушедших эпох. К тому же, не стоит отвергать и современное искусство — несмотря на то, что многим оно непонятно и вызывает скорее смятение, чем восхищение, во многих произведениях современных художников и скульпторов присутствует много скрытых смыслов. Яркий тому пример —

скульптура японской художницы Фуджико Накая. Она состоит из «видимого воздуха» — тумана, который всегда принимает различную форму, в зависимости от погодных условий. Произведение инженерного искусства находится в Музее Гуггенхайма в Бильбао.

Временность произведения художницу не беспокоит. «Постоянно лишь изменение», говорит она.

Как искусство может влиять на веб-дизайн?

1. В дизайне сайтов могут использоваться известные произведения искусства как главный элемент, так и в качестве декоративных деталей.
2. Из произведений искусства можно брать идеи — композиционные детали, палитру цветов, сюжеты.
3. Дизайн сайта может быть создан в стиле, который был присущ той или иной эпохе. Например, в стиле барокко, импрессионизма или футуризма.

Рассмотрим эти три составляющие и приведем примеры дизайна сайтов, в которых используются произведения искусства или их детали.

Примеры произведений искусства в дизайне сайтов

Широкие полотна, небольшие статуи или граффити — все это является частью искусства и может применяться в веб-дизайне. Рассмотрим примеры сайтов, где видны как намеки на отдельные шедевры живописи, так и полное погружение в мир творчества.

Тематические сайты

Самый очевидный пример использования произведений искусства в веб-дизайне —

тематические сайты, посвященные музеям, художникам, скульпторам, арт-галереям и прочее.

Например, сайт Государственного Эрмитажа. На слайдере используются баннеры с изображением скульптур или полотен известных художников.

Иногда произведения используются как большие изображения в качестве фона (подробно об этом приеме в дизайне мы писали в этой статье).

Такие сайты могут стать отличным источником вдохновения для дизайнера. Обычно ресурсы имеют определенный стиль — это, как правило,

темные приглушенные тона, присущие эпохе Барокко.

Египетские мотивы

Теперь стоит поговорить об отдельных элементах искусства, которые веб-дизайнеры берут на вооружение.

Одно из первых, что приходит на ум, когда вспоминаешь древние цивилизации — Древний Египет. Даже в те времена искусство существовало — люди старались творчески выразить себя и, в то же время, угодить древним божествам. Маски фараонов, фрески, огромные статуи, пирамиды, архитектура — все это становится дополнительным источником вдохновения для дизайнеров.

Какие детали дизайнеры могут взять из этого вида искусства? Во-первых, это

палитра цветов — желтые песочные и черные цвета. Во-вторых, различные египетские символы, которые вызывают ассоциации с Египтом и древностями. Пример — баннер в черно-золотых оттенках и символичной маской Тутанхамона.

Египетские мотивы могут применяться в различных сферах — от сайтов для путешественников, до бюро переводов и компаний по производству бумаги. Вот дизайн сайта одной из них:

В чем плюс таких деталей? В первую очередь — узнаваемость и устойчивые ассоциации пользователей с Египтом. С помощью символов мы можем сразу создать особенную атмосферу на сайте и повысить запоминаемость бренда с помощью ассоциаций. Однако, есть и недостаток — компания будет прочно ассоциироваться с Египтом и, при смене фирменного стиля может существенно проиграть и потерять клиентов.

Возрождение

Эпоха Возрождения — самое известное время в истории искусства. Такие титаны как Микеланджело, да Винчи, Рафаэль оставили глубокий след в истории и значительно повлияли на художников и скульпторов последующих столетий. Дизайнеры также используют их произведения в своих работах и формировании фирменного стиля. Так как шедевры старых мастеров одни из самых узнаваемых, с помощью них можно позиционировать себя как серьезный бренд, увеличить уровень запоминаемости вашей компании и создать особую атмосферу на сайте. Однако, стоит учитывать, подходят ли данные шедевры к сфере вашей деятельности.

Один из примеров использования произведений эпохи Возрождения:

«Витрувианский человек» да Винчи — один из его самых узнаваемых рисунков. Это изображение используется в веб-дизайне довольно часто. На примере — сайт культурного центра, где имя художника встречается в названии бренда. Также картина используется и на других ресурсах. Например, применяется как своеобразная иконка, обозначающая блок «История компании»:

Еще один пример —

изображение в логотипе компании, занимающейся здоровым образом жизни:

Также произведение да Винчи «Мадонна в скалах» можно увидеть на этом примере:

Кроме позиционирования бренда через произведения, есть еще один способ применить искусство в дизайне — использовать детали стиля. Например, стиль Ренессанс — это всегда полукруглые арки, резное дерево, витиеватый орнамент. Можно использовать эти детали в дизайне сайтов и получить атмосферный ресурс в стиле эпохи Возрождения:

Также некоторые разработчики соединяют современные технологии и произведения в одно целое

и получают гибрид из шедевров мастеров и цифрового искусства:

Современное искусство

Еще одно популярное направление, в котором многие дизайнеры берут идеи для дизайна — современное искусство. Яркие цвета, необычные формы, спецэффекты и символизм — это привлекает внимание пользователей и дает возможность разработчикам достигнуть одной из главных целей дизайна — эффектно презентовать и продать товар или услугу.

Рассмотрим несколько примеров современного искусства, которые используются в веб-дизайне.

Один из таких примеров — стиль, который придумал и реализовал Энди Уорхол.

Его знаменитая

Мэрилин Монро, изображенная несколько раз в разных цветовых оттенках вдохновляет дизайнеров создавать фото и иллюстрации в стиле поп-арт и использовать их в своих работах.

Еще один художник, любимый дизайнерами и создателями брендов — Винсент Ван Гог. В честь него называют художественные студии, отели и рестораны. В веб-дизайне часто используют одну из его самых известных работ — «Звездную ночь».

А также другие произведения художника:

Также дизайнеры используют в своих работах различные стили.

Например, в 70-е был популярен стиль гранж, в основном среди музыкальных коллективов. Это направление перешло и в веб-дизайн:

Больше об этом стиле можно прочитать в нашем блоге.

Сегодня одно из самых популярных направлений в современном искусстве является стрит-арт. Это временные работы художников, которые исполняются в городском пространстве. Одним из самых известных стрит-арт художников, работы которого считаются современным искусством, является Бэнкси. Этот человек смог прославиться своими работами, так и не показав своего лица.

Самая узнаваемая работа Бэнкси «Девочка с шаром» (то самое произведение, которое было воссоздано на бумаге, продано за огромные деньги и самоуничтожилось после покупки):

Эта работа также появляется в дизайне различных сайтов, а также рекламных баннерах в социальных сетях:

«Девочка с шаром» на сайте Donorkinderen

«Девочка с шаром» на платформе Wattpad

«Девочка с шаром» на странице об искусстве в Instagram

Таким образом можно привлечь внимание пользователя и вызвать ассоциацией со своей компанией. Также использование различных произведений искусства в дизайне выводят компанию «на новый уровень» — повышается уровень доверия пользователей к организации, ведь шедевры искусства воспринимаются как нечто серьезное и вечное, даже если они обработаны в современном стиле, как в этом примере:

Вдохновение в искусстве

Как еще дизайнер может использовать в своих работах искусство и все, что с ним связано? Самый очевидный способ — использовать произведения как источник вдохновения. Мы уже говорили о поиске идей для дизайнера в нашем блоге, теперь разберем подробнее, как дизайнер может применить свои познания в искусстве и как это может отразиться на оформлении сайтов.

Палитра

Шедевры живописи — один из самых явных источников вдохновения для графического оформления ресурса. Старые мастера всегда тщательно подбирали цветовую палитру, поэтому картины всегда поражают посетителей музеев своей насыщенностью и атмосферой. Дизайнеры могут использовать живопись как источник идей для цветовых сочетаний.

К примеру, возьмем произведение Эдварда Мунка «Крик». Сам художник подбирал цветовую палитру на основании природных оттенков — однажды он наблюдал кроваво-красный закат, который и вдохновил его написать данное произведение. После разложения картины на цвета, мы увидим довольно теплую цветовую гамму:

Таким приемом можно пользоваться для создания цветовой палитры в дизайне сайта.

Композиция

Мастера живописи также уделяют особое внимание композиции, которую можно брать за основу при построении сетки или при расположении элементов на сайте. К примеру, это может быть принцип симметрии, как на фреске Рафаэля «Диспута»:

Подробнее о создании гармоничной композиции на сайте можно прочитать в этой статье.

Еще один прием — сочетание объемного и плоского. Вернемся к Бэнкси и его граффити с мальчиком:

Художник использовал интересный прием: сочетание реальных предметов и нарисованных. В веб-дизайне можно использовать тот же подход:

Формы и скульптура

Вдохновение можно искать и в скульптурах. Разнообразные формы, положения тела человека — все это можно использовать в веб-дизайне. Например, обрабатывать изображения под вид статуй:

Или использовать различные позы, которые напоминают скульптуры:

Архитектура

К искусству относится не только живопись и скульптура, но и архитектура. Дизайнеры могут вдохновляться древней или современной архитектурой и использовать в оформлении сайтов текстуры или изображения:

То же самое можно использовать при построении композиции. Например, располагать элементы в соответствии с планом какого-то здания или древнего комплекса.

Динамика и анимации

Движение всегда привлекает внимание и является отличным способом сделать сайт интересным и запоминающимся. Приведем несколько примеров сайтов, где анимация была сделана с помощью шедевров мировой живописи:

Это сайт, посвященный художнику Питеру Брейгелю. Дизайнеры оживили его работы и сделали потрясающий ресурс, в котором его произведения представлены в полном объеме.

Следующий пример — сайт современного немецкого художника Леона Лёвентраута. На ресурсе используются интересные анимационные переходы — пользователь должен провести кистью по экрану, и только тогда откроется следующая страница.

Такие приемы — хороший способ сделать ресурс интереснее и привлекательнее. Пользователи любят креативные решения, они запоминаются и увеличивают узнаваемость бренда. Однако, не стоит забывать о юзабилити сайта (о балансе между креативностью и удобством пользования мы писали здесь).

Дизайнеры студии IDBI вдохновляется как простыми и обычными предметами, так и шедеврами искусства. В своих работах мы стараемся учесть все пожелания пользователей для юзабилити и, в то же время, сделать ресурс интересным и привлекательным с точки зрения эстетики. Посмотреть примеры дизайна сайтов от студии IDBI можно в разделе «Портфолио».

Крутые дизайнеры 20 века, о которых должен знать каждый, кто считает себя крутым дизайнером в 21-м веке

Зачем тебе это знать?

В цифровом маркетинге главный компонент — это контент. А контент должен быть правильно упакован. Иллюстрации для постов в ФБ, обложки страниц, инфографика, дизайн сайта, оформление презентаций — всё это инструменты борьбы за внимание клиента.

Когда у тебя заказывают дизайн, то платят за объем выполненной работы либо за затраченное время. Но покупают твоё видение, стиль и понимание, как вообще работает дизайн.

Современный маркетинг — это преимущественно визуальный контент. Грамотный графический дизайн становится инструментом эффективного маркетинга и влияет на успех бизнеса в целом. Поэтому для дизайнера, который рассчитывает на серьезные проекты, важно опираться не только на свои неглубокие представления о визуальной стороне маркетинга.

Умения искать хорошие референсы также недостаточно. Тот, кто ориентируется на работы других дизайнеров без понимания основ дизайна — это как ребенок, который перерисовывает силуэты героев любимых мультфильмов. Дизайнер, который копирует референсы, пусть даже талантливо, просто отрабатывает свою зарплату и довольствуется второстепенными позициями.

В сфере визуализации атрибутов бренда и создания визуального контента дизайнер должен вести бренд вперёд и задавать тренды, а не плестись в хвосте креативных процессов и питаться только идеями других дизайнеров.

В основе современных дизайн-систем подходы, которые заложили основоположники дизайна. Посмотри на список фамилий, который мы публикуем ниже, и оцени свой уровень понимания основ современного графического дизайна.

Пол Рэнд. Человек, который сделал все крутые логотипы 20 века

Почему он важен. Пол, помимо создания логотипов для IBM, UPS, ABC, Esquire и других брендов, одним из первых классифицировал полезность логотипа и описал её.

^{Логотип IBM.}

Почему о нем следует знать. Рэнд создал так много легендарных лого, потому что он строил свое творчество на системном подходе. Многие молодые дизайнеры считают, что дизайн — это чистый креатив. Пол Рэнд считал, что творчество должно строиться на системе ценностей, взглядов и определенной методологии.  Его взгляды нашли отражение в легендарном тесте Рэнда — универсальном алгоритме проверки логотипа по 7 параметрам: уникальность, читаемость, адаптивность, запоминаемость, универсальность, вневременность и главный пункт — простота.

Почему он важен. Именно он придумал Swiss Design — стиль, на котором построен весь графический дизайн второй половины 20-го столетия; более того, активно нёс его в массы.

^{Плакат «Бетховен» для концертного зала.}

Почему о нем следует знать. Принцип «Дизайн должен быть настолько очевидным, насколько это возможно» — основа современного минималистичного дизайна.

Армин Хофманн. Человек, который определил место шрифтов в дизайне

Почему он важен. Армин продвигал принципы, схожие со Swiss Design, однако в основу своих плакатов ставил работу со шрифтами, их положение и контраст с остальной картинкой.

^{Плакат к балету «Жизель».}

Почему о нем следует знать. Принципы экономически выверенного использования цвета и типографики актуальны и по сей день. Более того, последние несколько лет они даже прибавили в популярности.

Йозеф Биндер. Человек, который создавал убедительные плакаты

Почему он важен. Йозеф взял всё лучшее от геометрии кубизма и реалистичных образов, а после перенёс это в свои плакаты — получились запоминающиеся изображения, поражающие своей динамикой и монументальностью.

^{Постер для всемирной выставки в Нью-Йорке.}

Почему о нем следует знать. Если ты хочешь научиться создавать убедительный визуальный контент — изучи работы Биндера. Этот человек — признанный мастер красноречивых плакатов.

Александр Родченко. Человек, который сделал графику динамичной

Почему он важен. Родоначальник дизайна в СССР превратил плакаты из статичных картинок в динамичные истории. Жаль, что его творчество эксплуатировалось деспотичным СССР. Родченко знаменит во всем мире, однако в более свободной стране он смог бы раскрыться намного сильнее.

^{Плакат «Дешевый хлеб» в сотрудничестве с Маяковским.}

Почему о нем следует знать. Работы Родченко — доказательство того, что дизайн становится более убедительным, когда в нём работает вся композиция: интересная идея и динамичное исполнение.

Мари Нейрат. Человек, который заменил слова иконками

Почему она важна. Мари в сотрудничестве с коллегами разработала систему визуализации данных Isotype — первый прообраз информационного дизайна. Вообще-то идеологом изотайпа считается Отто Нейрат, однако рисовала все эти символы именно Мари.

^{Страница из книги Нейрат.}

Почему о ней следует знать. Если тебе нравится создавать иконки, тебе обязательно стоит познакомиться с работами Мари: именно она показала миру, как можно самый заурядный график превратить в захватывающую визуальную историю — при помощи понятных иконок.

Иоханнес Иттен. Человек, который описал искусство цвета

Почему он важен. Йохан — крупнейший исследователь не только физических свойств цвета, но и его связи с формой, содержанием и даже настроением картин.

_{Обложка книги.}

Почему о нем следует знать. «Искусство цвета» — если ты ещё не читал эту книгу, то быстро исправляй это упущение.

Эвклид. Человек, который дал нам Золотое сечение

Почему он важен. Мы знаем, что Эвклид жил не в 20 веке. Но он был первым, кто предложил понятие Золотого сечения, которое глаз воспринимает как самую «правильную» пропорцию. На этом основан весь дизайн — от графического до веб-дизайна.

_{Обложка книги «Элементы».}

Почему о нем следует знать. «Элементы» Эвклида — это пособие по современному дизайну, написанное более 2 тысяч лет назад. Оливер Бёрн поработал над ним и сделал его ближе к нам — обязательно изучи эту версию. Эта книга была написана не в 20-м веке — в 1847 году.

Кстати, ниже ты найдешь еще двух человек, которые создавали графику задолго до 20-го века. Не удивляйся — мы не захотели перегружать заголовок словами «19 век».

Карл Герстнер. Человек, который заставлял типографику развиваться

Почему он важен. Карл ещё в 50-х годах 20-го века создавал работы, которые не теряют своей актуальности до сих пор, а также популяризовал искусство.

_{Обложка альбома Boite a Musique.}

Почему о нем следует знать. Даже если ты не считаешь работы Карла стоящими внимания, обрати внимание на его подход: не останавливайся в творческом развитии — это означает смерть искусства.

Дизайн всегда помогал доносить информацию. Когда информации стало слишком много, понадобилась визуализация данных.

Шарль Жозеф Минар. Человек, который заложил основы инфографики 200 лет назад

Почему он важен. Шарль не был первым, кто нанёс линии на карту. Но он был первым, кто в основу этого ставил донесение информации понятным для людей визуальным языком. Сегодня такие графики, которые объединяют показатели количества в динамике, называют Sankey Diagram. Посмотри, насколько драматично выглядит инфографика военных походов, когда демонстрирует потери войск на каждом этапе кампании.

^{Поход Ганнибала в инфографике Минара.}

Почему о нем следует знать. Именно Шарль стал революционером графических методов анализа и представления информации, и дал основу последующим работам. Интересно, что именно Минар первым использовал такой тип диаграмм, как sankey chart, однако свое название они получили от фамилии ирландского инженера Sankey, который использовал такой подход для изображения потока энергии в паровом двигателе.  

Уильям Плейфэр. Изобретатель графического отображения статистической информации

Почему он важен. Уильям изобрёл главные инструменты современной инфографики: линейные, столбчатые и круговые диаграммы.

^{Сравнение цен на зерно и зарплат рабочих.}

Почему о нем следует знать. Уильям является прародителем информационной статистики, который совершил настоящую революцию в области представления данных.

Эдвард Тафти. Пионер визуализации данных

Почему он важен. Эдвард — автор книги «Представление информации», в которой рассказывает о важнейших принципах информационного дизайна: многомерном представлении информации, размещении информации по слоям и другом.

^{Книга «Представление информации».}

Почему о нем следует знать. Обязательно прочитай книги Эдварда, если ты работаешь с визуализацией данных. Принципы Тафти — как 10 заповедей.

Ханс Рослинг. Человек, который сделал из статистики шоу  

Почему он важен. Вместо гистограмм профессор Рослинг использует блоки LEGO, картонные коробки и другие предметы, чтобы «оживить» статистику.

^{Кадр с выступления на TED.}

Почему о нем следует знать. Ханс не был дизайнером, но наглядно показал, что даже самые скучные данные могут быть интересными и увлекательными, если их правильно подать. Если ты хочешь научиться рисовать инфографику, надо думать не только о графическом стиле, который ты используешь. Попробуй представить, как подать инфографику так, чтобы она смогла удивить читателя, рассказать ему интересную историю из данных.

В Украине так сложилось: любой, кто научился держать стилус, через неделю считает себя гуру дизайна. Но если бы стать дизайнером было так просто, мы бы не писали этих статей.

В плане дизайна Украина — страна, у которой есть богатая история. Казимир Малевич и его супрематисты, Георгий Нарбут, Нил Хасевич, Клавдия и Евгений Кудряшовы — далеко не полный список графиков, художников, работы которых удивляют людей во всём мире. В силу различных исторических причин, прежде всего, из-за вынужденной иммиграции и подчинения украинской дизайнерской школы советской идеологии, украинская школа не смогла нормально развиваться.

Сейчас у тебя есть все возможности сказать свое слово и поучаствовать в становлении новой школы украинского дизайна. Для этого важно не только отслеживать новые тренды (это делают все), но и понимать, откуда они идут и с чего всё начиналось. Не знать людей, о которых мы написали выше, для дизайнера — все равно, что пытаться проповедовать в христианской церкви, ни разу перед этим не открыв Библии.

Скажи и ты свое слово в современном дизайне

Как раз сейчас мы ищем себе толковых дизайнеров в Top Lead. Если ты хочешь остаться в истории дизайна, попробуй поработать в нашей компании. Мы работаем в индустрии визуализации данных и сможем сегодня научить тебя подходам, которые твои коллеги будут использовать только лет через пять.

Кликни по баннеру ниже, пришли нам свое портфолио, и мы дадим тебе тестовое задание. 

Примеры графического дизайна со всего мира: как национальность отражается в художественных работах

Графический дизайн во многом похож на языки: он индивидуален; прекрасен и загадочен.

7 июня 2011

Графический дизайн преображается от культуры к культуре, под влиянием национальных культурных традиций, истории и способа жизни. Точно так же, как в музыке и искусстве, эстетика графического дизайна отличается от культуры к культуре.

В графическом дизайне одной национальной культуры можно найти общие элементы, которые нельзя найти в других культурах, и наоборот.

Мы все хорошо знакомы с графическим дизайном Запада, в частности, в США и Великобритании. Я покажу и предлагаю обсудить графический дизайн со всего мира, из самых интересных культур: Латинской Америки, Китая, Японии, Ближнего Востока, Индии и Нидерландов. Графический дизайн из этих регионов немного отличается, но все же очень привлекателен с эстетической точки зрения.

Латинская Америка

Латинская Америка населена 500 миллионами человек и состоит из 20 испано-говорящих стран, за исключением португальской Бразилии. Латинская Америка создала самую необычную и энергичную форму графической экспрессии, которую когда-либо видела история.

Искусство живет и процветает на улицах Аргентины, Эквадора и Бразилии. Наружные стены зданий заполнены граффити и настенными надписями. Латиноамериканский дизайн — это отражение необузданного пейзажа уличного искусства: красочного, дразнящего, проникновенного и немного наивного.

Её искусство вращалось вокруг её среды обитания и культуры. Оно разнообразно, учитывая сотни лет эксплуататорской колонизации из других стран. Латинская Америка — единый континент, растянувшийся на более чем 21 миллион километров, но мы видим общую тему во всем латиноамериканском дизайне: любовь латинос к жизни, танцу и празднику.

Автор Хорхе Алдерете

 

Автор Виктор Кандиа

 

Автор Франк Арбело

В большинстве латиноамериканских плакатов видно явное влияние поп-арта и арт-деко. Они используют контрастные цвета, эксцентричное оформление и энергичные формы.

Автор Platinum

 

Автор Чарис Цевис

 

Набожность латиноамериканцев очевидна при использовании религиозных тем и римско-католических символов.

Автор Тьяго Баррос

 

Автор Taschen

 

Автор Taschen

Пропаганда, национализм и революция — также общие темы в латиноамериканском графическом дизайне (особенно на островах Карибского бассейна).

Автор Хуан Камило Рохас

 

Автор Франк Арбело

 

Автор Эрнесто Гарсиа Пека

 

Яркий Латиноамериканский Веб-Дизайн

Weareplace

Estudio Monitor

RDYA

Pablo Alferi

Латиноамериканский графический дизайн показывает любовь латиноамериканцев к вечеринкам и праздникам. Латиноамериканские графические дизайнеры не связаны предрассудками, когда дело доходит до использования ярких цветов и контрастных элементов.

Используется и минимализм, но в основном в веб-дизайне — и это не такой «минимализм», как у других. Мир может многому научиться у латиноамериканцев; например, как относиться к жизни не слишком серьезно и получать удовольствие. Они учат нас воспринимать дизайн не только визуально, но всеми шестью чувствами.

Китай

Китай — одна из древнейших цивилизаций, насчитывающая как минимум 4000 лет. Во времена своего расцвета Китай был одним из самых развитых обществ в мире, но из-за развития империализма и гражданских войн начался его упадок. Тем не менее, Китай имеет пышную художественную, литературную и культурную историю.

Китайский графический дизайн довольно новый, по сравнению с западным. Совсем недавно, в 1979 году, Китай вновь открыл свои двери миру, приветствуя новые идеи и последние технологии. Страна совершает медленное, но уверенное движение в сторону демократических взглядов, относясь либеральнее к новым идеям, в частности, в искусстве и дизайне.

Китай хлынул с творческой энергией и ярко выраженным национализмом (если не некоторой нелюбовью к иностранцам), так что не удивительно, что современный графический дизайн до сих пор использует те изобразительные элементы, которые можно найти в традиционном китайском искусстве.

Автор Нод Янг

 

Автор Doopaa.cn

 

«Я люблю Гуанчжоу» автор Ву Жен

 

Автор Яинг Ян, фото любезно предоставлено Мэрилин МакФадден

 

Графический дизайн в Китае использовался как эффективное средство неофициального политического волеизъявления. Это было средство самоидентификации и самовыражения.

Автор Су Ю

 

Автор Qian, фото любезно предоставлено Мэрилин МакФадден

Автор Нод Янг

 

Автор Физии Пао

 

Замечательный Китайский Веб-дизайн

Six Station

Wotoon Design

Conceives

Shizixiu

В китайском веб-дизайне увлекаются флэшем. Веб-сайты из Китая очень интерактивны и игривы. Некоторые элементы в графическом дизайне скопированы из других культур. В последнее десятилетие, китайский графический дизайн находится под большим влиянием запада, но все еще сохраняет собственную китайскую энергию и душу. Например, в дизайне используются символы фэн-шуя, каллиграфии, культурных фестивалей и т. д.

Япония

Японское современное искусство имеет много форм: архитектура, реклама, видеоигры, аниме и графический дизайн. Японское влияние в искусстве огромное, благодаря чему вносится множество идей в графический дизайн и современное искусство в целом. Японский графический дизайн урбанистический и оригинальный. Он демонстрирует краски, близкие к неоновым, имитируя огни, которые мы видим ночью в деловой части Токио.

Фурошицу. Фото любезно предоставлено Gurafiku

 

Автор Такео Накано

 

Плакат Всемирной Выставки по Дизайну, автор Койши Сато

 

Плакат фильма «Заводной» (Фото любезно предоставлено Gurafiku)

 

Японский графический дизайн испытывает огромное влияние японского традиционного искусства и манги.

Автор Шигеру Миизуки

 

Автор Питер Мендельсанд

 

Автор Мицутеру Йокойама

 

Автор Кейсуке Нагатомо

 

Блестящий Японский Веб-дизайн

Идемицу

Ишияма Сенко

Рьюичи Сакамото

Гоу Джимбоу

Японский графический дизайн интересен потому, что принципиально отличается от того, к чему мы привыкли на западе. Он очень разнообразен, с примесью старого и нового. С одной стороны, он прилизан, футуристичен и очень минималистичен. С другой, супер симпатичный, детский и эксцентричный.

Ближний Восток

Ближний Восток представляется на Западе как таинственный, очаровывающий и мистический; это земля песков, ковров-самолетов и волшебных ламп, образ, который большинство из нас посещали только в наших мечтах. Ближний Восток парадоксален — эта культура обогащена одним из самых древнейших и наиболее обширных изобразительных искусств в истории, которое насчитывает тысячи лет.

Однако графический дизайн на Ближнем Востоке довольно молод. Продолжается борьба за арабский мир: здесь свободный художник — не лучший способ зарабатывать себе на жизнь, правительство не слишком оказывает поддержку, и в регионе есть всего несколько школ графического дизайна.

Ближневосточный графический дизайн настолько очарователен, насколько и мистичен. Присутствует сильное влияние старой каллиграфии и арабской вязи, копирование форм и образцов.

Автор Кавар Билал

 

Автор Файез Аль Хартии

 

Ближний Восток медленно открывается для западной культуры «потребительского общества». Арабы любят свое золото — и эту привязанность можно ясно последить в дизайне.

Автор Моханад Шурайдех

 

Как и весь остальной мир, мир Ближнего Востока поражен вирусом минимализма, но до сих пор сохраняет ближневосточную атмосферу, с которой мы все знакомы.

Автор Самхар Хузам

Автор Самхар Хузам

 

Фото Media Me

 

Роскошный Ближневосточный Веб-дизайн

DU.ae

Zukhruf

Alama

Cocolicious

Ближневосточный дизайн богат цветами и культурой. Подобно другим азиатским странам, Ближний Восток упивается собой в красивых символах и каллиграфии. В некоторых сферах этот регион остается консервативным по многим вопросам.

Например, им нужно открыть себя для идей фрилансинга, графических дизайнеров-женщини т. д. Однако этот регион — жаркое из новых и смешанных идей. Они приспособили много западных идей в дизайне, но сохранили уникальность, которая делает их отличными от других.

Нидерланды

Нидерланды — страна, разговаривающая на голландском языке, расположенная на северо-западе Европы, ограниченная Бельгией с юга и Германией с востока. Нидерланды — крошечная страна, но она является родиной величайших мастеров в истории: Рембрандта, Ван Гога, Ван Эйка, Мондриана и Ван Дойсберга.

Голландский графический дизайн стремится к индивидуализму, если не анархизму. В нем предпочитают чистые, минималистические решения — все же именно здесь зародилось движение «Де Сейль», предшествовавшее минимализму. Голландцы тяготеют к концептуальному искусству и современным темам. Ценится простота, и «недизайн» — это общая дизайнерская стратегия.

Автор Леви Ван Велюв

 

Фото Design.nl

 

Автор Another Company

 

Автор Studio Dumbar

 

Голландские дизайнеры часто рисуют концептуально. Один из моих любимцев — молодой голландский графический дизайнер Виктор Ван Гаасбек, работы которого типично голландские, современные, но с использованием натуральных и природных элементов.

Автор Виктор Ван Гаасбек

Автор Виктор Ван Гаасбек

 

Автор Виктор Ван Гаасбек

 

Грандиозный Голландский Веб-дизайн

Джаспер Джанссен

ZwarteKoffie

Мариус Роозендаал

Эвут Ван Ламбалген

Нидерланды и соседние с ними страны создают тенденции, когда дело доходит до графики и веб-дизайна. Их искусство совершенно, концептуально и шикарно. Это не значит, что оно насквозь серьезно и подвержено минимализму — голландский дизайн может быть игривым.

Возможно, из-за серьезной финансовой поддержки искусства со стороны правительства, или благодаря развитой экономике страны, или возможно, тяге местных жителей к искусству, голландский графический дизайн входит в число самых передовых в мире.

Заключение

Так как у разных культур разное прошлое и настоящее, мы имеем разный опыт, убеждения и нравы. Мы видим мир немного под разным углом. Графические дизайнеры во всем мире обладают своими собственными подходами к искусству. Несмотря на это, одно утверждение остается бесспорным: хороший дизайн всегда будет хорошим дизайном.

Даже если мы не понимаем смысла, символов и каллиграфии, которые используются, мы можем отличить хороший дизайн от плохого. Понимание искусства существует вне культурных и географических границ; и это больше, чем сумма наших культуры и убеждений. Понимание дизайна — интернациональное и универсальное чувство, которое ощущают все, вне зависимости от цвета кожи или национальности.

Автор: Rachel Arandilla

Современный интерьер. Гаэтано Пеше. «Дизайн — это новое искусство современности»

Дизайнер и архитектор Гаэтано Пеше — живая легенда, звезда мировой величины и один из самых ярких и последовательных представителей арт-дизайна — направления, приветствующего создание необычных, провокационных вещей. Много лет назад в одном из интервью Пеше очень точно сформулировал суть арт-дизайна, заодно выразив и свое творческое мировоззрение. Он сказал: «Если при взгляде на стул люди улыбаются — это прогресс, потому что стул перестает быть просто удобным для сидения предметом мебели. Дизайн — это не только вопрос комфорта, он превратился в развлечение, в способ думать и выражать себя». Сейчас Гаэтано Пеше 68 лет. Всю свою жизнь он проектировал непривычного вида вещи — стулья, которые складываются как зонтики; диваны в виде половинок лиц мужчины и женщины; светильники, похожие на горку красной икры; кресла в форме женского тела или гигантского мешка для мусора… Всякий раз он выступал как экспериментатор, работая с новыми материалами и создавая новые формы, образы и смыслы вещей.
Наш корреспондент встретилась с гениальным эстетом и экспериментатором в его нью-йоркском офисе. За восемь часов беседы Гаэтано Пеше рассказал все, или почти все, о себе, своем творчестве и своих взглядах на современную жизнь, культуру, архитектуру, дизайн.

Гаэтано Пеше

— Как бы вы описали характеры тех людей, которые предпочитают ваш дизайн? Это весельчаки, оригиналы, эстеты? Или напротив, довольно сдержанные люди, у которых вы стремитесь вызвать эмоции своими идеями?

— Они, по моим представлениям, определенно не консерваторы, приветствуют все новое и любят сюрпризы. В Нью-Йорке созданные мной предметы интерьера выставлены в магазине-галерее «Moss». От его владельцев я узнал, что из всех категорий посетителей они особенно нравятся детям. Думаю, как раз потому, что детей всегда притягивает неизвестное. Они более любопытны, чем взрослые. Мебель и аксессуары из моих коллекций вызывают желание к ним прикоснуться и не разочаровывают — на ощупь оказываются мягкими и приятными. Это многим доставляет удовольствие. И не только детям: каждый из нас глубоко внутри ребенок — кто-то больше, кто-то меньше. Мне сказали, что довольно часто владельцами этих вещей становятся туристы, которым ни мое имя, ни вывеска «Moss» ни о чем не говорят. Магазин их привлекает тем, что открыт в выходные дни, они заглядывают туда просто из любопытства и покупают то, что им действительно нравится. Для меня это большой комплимент.

— Вы много работаете как архитектор. Ваши дизайнерские взгляды пересекаются со взглядами на архитектуру?

— Да, если говорить об обязательном присутствии и в том, и в другом случае общей идеи и использовании новейших технологий и материалов. А вообще архитектура — это такое редкое явление. Музей Гугенхайма в Нью-Йорке — это шедевр архитектуры, а больше я и не смог бы назвать здание в Нью-Йорке настолько сильное по воздействию. Строительства много. А хорошей архитектуры очень мало. Разница — в содержании. Архитектура — это не только внешняя красота и комфортность здания, а что-тоеще — что за гранью практичности, материальности и больше относится к работе мозга. Если говорить обо мне лично, то я — точно не строитель. Но как минимум один из моих проектов могу назвать архитектурой, потому что он инновационный. Это офисное здание в японском городе Осака. Вмонтированные в стену трубы несут воду к контейнерам, которые размещены снаружи, на фасаде здания, один над другим. В контейнерах растут деревья и кустарники. Получается что-то вроде вертикального сада, а не горизонтальных посадок, к которым мы привыкли.

— Можно ли выделить какой-то типичный для вас архитектурный проект?

— Ни в коем случае. Ни архитектурный проект, ни дизайнерский. Когда, случается, меня спрашивают, чем я занимаюсь, я говорю, что проектирую мебель. За этим обычно следует вопрос: «Какого рода мебель?» «Моего рода,» — отвечаю я (улыбается). Если этого объяснения моим собеседникам оказывается недостаточно, то на дальнейшие вопросы я не знаю, как и отвечать. К какой категории могут принадлежать МОЯ мебель и построенные по МОИМ задумкам здания?

— И все-таки есть ли проект, который наиболее полно отражает ваши творческие воззрения?

— Не берусь утверждать, что он представляет меня лучше других, но для меня очень важен выставочный павильон в Милане, над которым я работаю в настоящее время. Это очень компактное сооружение — 7×7×7 метров. Когда строительство закончится, оно станет первым в своем роде, если говорить о технологии его возведения и использованном для строительства материале. Идея проста и состоит в следующем — поставить каркас из фанеры и укрепить его с помощью временных подпорок. Затем снаружи распылить на постройку жесткий полиуретан. Это очень легкий и в то же время очень крепкий материал. Следующий шаг — убрать внутреннюю конструкцию и в результате получить здание с надежным каркасом, но при этом невероятно насыщенное светом и воздухом.
Если говорить о предметном дизайне, то мою творческую позицию довольно хорошо представляет кресло в форме сидящей женщины из серии «UP».

— В своих интервью вы часто говорите о том, что женский способ мышления кажется вам более совершенным — он более радостный, более чувственный. Разве у мужского способа мышления — рационального и сдержанного — нет достоинств?

— Я их не вижу. Догматичный, однолинейный «военный менталитет», слишком жесткий для времени, в которое мы живем. Вся история человечества в большей или меньшей степени была под его контролем, он доминировал во всех сферах жизни. Этот тип мышления сыграл очень важную роль в истории, я этого не отрицаю, но сегодня он кажется пустым. Думаю, что он исчерпал себя.

— Какие преимущества открывает «женское» сознание?

— Наше время — это эпоха, когда смешиваются народы, когда можно наблюдать сосуществующие способы мышления. Нью-Йорк — прекрасный пример этому. Один думает в рамках ислама, другой — иудаизма, третий — испанец — носитель совсем другой культуры. Эта ситуация очень гибкая, своего рода магма, у которой нет какой-то одной законченной формы, а есть постоянно меняющаяся форма. Я называю это мультидисциплинарностью, потому что в такой действительности сегодня одна правда, а завтра уже другая. Нужно обладать очень подвижным сознанием, чтобы понимать и поспевать за этими переменами. А какой тип мышления лучше справится с такой задачей? Конечно, женский — гибкий и способный в один день адаптироваться к разного рода необходимостям и выполнять разные функции. Мужской мозг на это неспособен. Он выбирает для себя только одну роль, а все остальные отвергает. Именно поэтому я берусь утверждать, что завтрашний день — за женским способом мышления. Будущее — это все, многое, а не что-то одно. В нем разные формы, оно полно чувственности, радости и цвета. Только не подумайте, что я обсуждаю мужчин и женщин, я говорю о разных способах восприятия действительности. У женщины может быть мужское мышление и наоборот. Архитектор Заха Хадид, по?моему, обладает «мужским» сознанием.

— Если перенести все сказанное на архитектуру?

— Во все времена она была своего рода монументом власти, громоздкой, очень геометричной, очень властной. Сегодня очевидно, что это направление нужно менять. Оно не способно отразить всю сложность современного мира. Думаю, что если однажды мы будем способны делать в архитектуре то, над чем я сейчас работаю в области предметного дизайна — создавать проекты с помощью гибкого и открытого менталитета, мы сможем строить просто невероятные объекты. Попробуй высказаться с помощью другого типа мышления — и ты заговоришь совсем другим языком. Могу сказать, что мне лично этот эксперимент, который я начал годами раньше, удался.

— То, что вы предпочитаете экспериментировать с синтетическими материалами и почти не используете традиционные — это тоже часть теории о противопоставлении мужского-женского?

— Да. Как и, скажем, истинно «мужская» идеология марксизма, традиционные строительные материалы не оставляют возможности для интерпретации. Их можно использовать только для очень определенных, всем известных целей. Стекло, например, — фантастический материал. Но только пока находится в жидком состояний. Когда застывает — становится хрупким, а это — типично «мужская» характеристика. Сильное мышление всегда очень хрупкое и подвержено сбоям. Возьмем другой материал — дерево. У него «женская» природа, но она теряется, когда его высушивают и распиливают, потому что больше уже с ним ничего нельзя сделать. С другой стороны, с помощью современных материалов можно выразить многое. Я стараюсь дать им возможность самовыразиться, потому что если я откажу, то потеряю богатство и ценность материала.

— А как насчет новых функциональных возможностей?

— Конечно. Первое, что приходит на ум, — мои вазы из резины. Это хороший пример функциональности, которая подразумевает сопоставление физических свойств материалов — эластичность и хрупкость. Стеклянные вазы при падении разбиваются, а резиновые, конечно, нет. При этом резина способна выглядеть как стекло. Вплоть до того, что может быть прозрачной, как слеза.

— Следует ли из этого то, что при выборе материала для своих изделий вы обращаете внимание как на интересные с художественных позиций, так и на имеющие практические достоинства?

— Да, причем между этими категориями для меня нет различий. Я могу начать работу с новым материалом, когда открываю у него какие-то особенные функциональные или выразительные свойства. Кстати, иногда — просто потому, что никто из моих коллег никогда его не использовал, — хочу исследовать и продемонстрировать область его применения. Еще для меня чрезвычайно интересно и важно новое использование традиционных материалов. Посмотрите на кресло, на котором я сейчас сижу. Для его изготовления был использован фетр — великолепный текстильный материал. Он издревле известен тем, что в северных странах предохраняет от холода, а в жарком климате — спасает от жары. Я скомбинировал фетр с резиной. В чем состоит нововведение — резина, будучи нанесенной на внешнюю поверхность фетра в жидком состоянии, была частично абсорбирована им и придала ему необходимую жесткость. Но это только снаружи — для надежного каркаса, который держит структуру кресла. C внутренней стороны фетр остался «самим собой», и оттого сидение очень комфортное и мягкое.

— За что вы не любите минимализм?

— Последний большой стиль в истории под названием модернизм зародился почти сто лет назад. Если даже учесть то, что минимализм стал его заключительным этапом, все равно его эксплуатируют уже слишком и слишком долго… Кроме того, средствами минимализма просто невозможно выразить личность хозяина интерьера, что для меня очень важно. Для кого будет предназначена обстановка, созданная с помощью стиля, абсолютно лишенного характеристик? Отсутствие цвета, чистота, идеальные контуры — разве что для какого-нибудь стерильного человека. Не знаю, как вы, а я предпочитаю людей с характеристиками.

— А как вы относитесь к классическим домодернистским стилям?

— Каждый из них был великолепен в свое время. Но сегодня я совершенно не понимаю тех, кто выражает свои творческие воззрения с помощью классики. Единственно приемлемым заимствованием я считаю экстракт основной идеи, присущей тому или иному стилю. Но старые формы — их перенимать и использовать нельзя. Не было ли бы странным в наше время отправиться в поездку из Европы в Америку на пароме вместо того, чтобы воспользоваться услугами воздушного транспорта?

— Кажется, что сейчас не существует одной более-менее главной тенденции в интерьерном и предметном дизайне, в архитектуре. Что сейчас происходит с дизайном, с архитектурой? Можем ли мы ожидать появлениякакого-то определенного, четко выраженного нового стиля в ближайшее время?

— Одной тенденции нет, и я не вижу никаких предпосылок для ее появления. Современную ситуацию нельзя сравнивать с тем, что было в двадцатом веке, когда выделились, например, такие направления, как минимализм, поп-арт или экспрессионизм. Прошлое было более гомогенно, а сегодня одновременно происходит слишком много всего. Если все-таки есть необходимость как-то назвать процесс, который идет в дизайнерском мире, то это плюрализм: существуют разные аспекты одного и того же, разные ценности, подчас, противоположные. Современных дизайнеров не объединяют общие идеи. Скажем, между мной, работающим в Нью-Йорке, и дизайнером из Новосибирска — есть и должно быть большое отличие, обусловленное культурным, географическим контекстом. Мы совершенно разные, но в то же время каждый из нас имеет право высказаться.

— Интересно, почему это стало важным именно сегодня, в начале XXI века?

— Если разобраться, простым ответом будет — люди все больше стремятся к самовыражению через предметы. Еще пятьдесят лет назад они были к этому не готовы, хотя, думаю, уже тогда эта характеристика дизайна была заметна. Для меня она стала очевидной в начале семидесятых. Возможно, я был к этому подготовлен. Я с 19 лет начал путешествовать по разным странам и неожиданно для себя осознал, что в Хельсинки реальность была другой, чем то, что я увидел, когда в первый раз приехал в Москву. А Москва в свою очередь совсем не была похожей ни на Милан, ни на любой из городов Японии.

— Но если, скажем, ограничиться только итальянскими дизайнерами, неужели их тоже ничего не объединяет?

— Двадцать, тридцать лет назад я бы ответил утвердительно. Десять лет назад бы задумался. Сегодня скажу категорически «нет». Мои итальянские коллеги идут совершенно разными путями. Если посмотреть на новые работы Мендини, я с ним очень хорошо знаком, то складывается впечатление, что ему более всего интересна поверхность предметов. Энцо Мари привлекают политический аспект дизайна, абстрактные формы и элегантность исполнения. В мастерской Этторе Соттсасса, который двадцать-тридцать лет назад следовал тому, что мы называем языком школы «Мемфис», к моему большому изумлению, сегодня стоят предметы, которые можно принять за мои. Я знаю, что еще очень многие идут в этом направлении — не в моем направлении — а в том, которое открывает широкие горизонты для творчества. В нем предмет — это выражение свободы.

— Сейчас многие стараются придумать что-то оригинальное, экстравыразительное, не похожее ни на что — например, Том Диксон, Филипп Старк, Марсель Вандерс, Заха Хадид. С чем вы связываете такое общее увлечение необычными идеями?

— Не думаю, что названных вами дизайнеров можно назвать большими оригиналами, за исключением, пожалуй, Старка. Хотя жаль, что этот очень умный человек, который оказал огромное влияние на современный дизайн, сегодня занялся производством более заурядных предметов, рассчитанных на массовое производство.

— Кого бы назвали вы сами?

— Дизайнера света Инго Маурера. Он создает ни на что не похожие вещи. В сегодняшнем дизайне очень много новых лиц, много молодых. Я, к сожалению, не знаю их имен. Оригинальность сегодня в воздухе. Все больше людей начинают понимать, что искусство — это больше не то, что мы привыкли называть искусством, а дизайн в свою очередь — не то, что раньше называли дизайном. Искусство в традиционном понимании — продукт для очень узкого круга людей. Дизайн — это новое искусство, и оно для всех. Приведу хороший пример из истории. В 1835 году столица Франции была центром искусств. Одним из самых оживленно обсуждаемых на страницах газет вопросов был — какое оно, искусство завтрашнего дня. Одновременно с этим некая группа молодых итальянских живописцев была исключена из списка художественной выставки. Официальная критика заявила, что то, чем они занимаются, нельзя назвать искусством, хотя, как ни смешно, они делали как раз то, о чем так увлеченно дисскутировал Париж. Новое направление, созданное ими, впоследствии получило название «импрессионизм», открыло целую эпоху и стало очень важной вехой в истории искусств.
Я думаю, сегодня происходит нечто подобное — официальная критика признает за искусство покрытые пылью древности музейные экспонаты и не видит, что новое искусство уже существует. Это все, что создается силами современных дизайнеров одежды, мебели, а также фотографов и режиссеров. Все, что находится в процессе производства. Я в этом полностью убежден и начал говорить об этом еще лет сорок назад. И сегодня с удовлетворением отмечаю, что очень многие тоже начали обсуждать дизайн как новое искусство современности.

— Почему цвет в вашем дизайне всегда играет очень важную, одну из самых главных ролей?

— Этому есть очень простое объяснение. Цвет — это энергия. Предмет, лишенный цвета, ей обделен. Бесцветный интерьер — соответственно, тоже. Поэтому я часто использую цвет как одно из основных средств выражения своих идей. Цвет и материал. Я знаю очень многих дизайнеров, для которых самая важная категория — это стиль. Разве это сейчас важно? Когда-то — тридцать, сорок, пятьдесят лет назад — без сомнения, но не сегодня. Что имеет значение, так это индивидуальность человека, который будет жить в той или иной обстановке. Фактически, интерьер и даже экстерьер здания — это портрет его обитателя. Сегодня создать абстрактный проект жилья, безотносительный к хозяину, но имеющий отношение к определенному стилю, — это очень неверный и устаревший ход для интерьерного дизайнера.

— Как вы выбираете всегда те или иные цвета, сочетания. Чем это продиктовано — вашей личной потребностью как художника, вашим видением или модой, актуальностью тех или иных цветов?

— Модой — ни в коей степени. Мой любимый цвет — красный. За редким исключением я использую его, синий и желтый — то есть основные цвета спектра и их сочетания.

— В ваших предметах много цвета, но мало рисунка — цветов, полосок, геометрии, орнаментов. Почему вы предпочитаете расцветки, формы и фактуры?

— Во-первых, потому что не декорирую свои предметы. Меня не интересуют суеверия, а всякого рода орнаменты как раз из этой серии. Но если мне однажды будет что передать через форму ромашки или кленового листа, я обязательно это сделаю. Но не буду использовать их для стандартного выражения. То же и с геометрическими рисунками. Что мне прикажете с ними делать? Хотя в моем офисе?мастерской можно найти примеры использования орнамента. Скажем, дизайн ткани, которой обит диван напротив нас. Я назвал ее «People», а идею, кстати, привез из России. Там однажды я увидел узор, который был создан в годы октябрьской революции и изображал солдат с красными флагами в руке. То есть выражал характерную для того времени идею — позволять только один способ выражения, иметь один вид общества. На своем полотне я, напротив, разместил людей разных возрастов и с флагами разного цвета.
Но и цвет, и материал — это не цель, а только средства дизайна. К примеру, для этого кресла был выбран красный оттенок, потому что его спинка прозрачная, как будто нематериальная. Я был просто обязан использовать яркий цвет для сидения, чтобы этот предмет не потерялся в интерьере. Вообще, когда я начинаю проект, я не думаю о том, будет ли предмет красным или синим, также, как и о том, будет он простым или сложным.

— А о чем думаете?

— Я думаю над идеей. И она рано или поздно приходит. Например, позавчера в такси я думал о том, что в основу моей следующей коллекции стульев, если таковая появится, ляжет идея тюремных заключенных. Это один из аспектов реальности — очень многие сидят в колониях, только в России таких людей почти девятьсот тысяч.

— Довольно печальная идея для интерьера…

— Согласен, но ведь ее можно преподать в такой форме, которая понравится людям. А если понравится — они получат и послание. Как, например, мое кресло, изображающее женщину на цепи, — разве можно назвать его грустным? Нет. Только его идею. То есть сначала ты получаешь удовольствие от увиденного, а потом думаешь над содержанием. Или, что тоже возможно, пользуешься, но никогда не раскрываешь задумки автора. Я помню, как кто-то признался мне: «Ты знаешь, твое кресло стояло у меня годами, но мне никогда не приходило в голову, что оно представляет собой женщину-пленницу». Вероятность непонимания, конечно есть, но это ничего не меняет. Я все равно уверен, что для дизайна важно двигаться именно в этом направлении. Хотя бы потому, что другого варианта просто нет. Что еще нового может сделать дизайнер — в очередной раз скопировать и немного изменить какую-нибудь красивую форму? Но жизнь — это не повторение. Вы не одеты так, как одевалась ваша бабушка. Это важно — меняться вместе со временем. Также важно иметь отношения со временем. Не то чтобы ты когда-нибудь однозначно его поймешь, но его можно чувствовать, причем просто смотря на улицу, на то, как люди едят, во что одеваются, как разговаривают. Все участвует в создании духа времени.

— Несколько лет назад вы спроектировали образ «Московской комнаты» — ковры с рисунком серпа и молота, с доминирующим в интерьере красным цветом, с подушками в форме маковок церквей, с покрывалом на кровати, которое изображает карту города Москвы. Какие бы ассоциации вы выбрали, если бы вам пришлось придумывать «Сибирскую комнату»?

— Никогда не был в Сибири, поэтому не могу сказать. Но у нее, как и у любого другого уголка планеты, есть свое лицо. Задача — выбрать такие выразительные средства, которые могли бы это передать. Вообще, умение найти, почувствовать своеобразие города, района, страны очень важно для архитекторов. Именно поэтому я был так воодушевлен идеей, предложенной организаторами выставки. Странно то, что из всех участников, я, по?моему, был единственным, кто справился с задачей. Один из дизайнеров зачем-то повесил кимоно в «Римскую комнату», другой «состряпал» интерьер всего за пару минут. Я так и сказал коллегам на последовавшей конференции: «Друзья, вы упустили фантастическую возможность! Современная архитектура не может быть абстрактной и безличной, она просто обязана передавать особенность того места, где и для которого она создается. Но не стиль, а сущность этого места».

— Создавали ли вы когда-нибудь театральные декорации?

— Никогда, но мне говорили, что мои работы очень театральны. Я бы с удовольствием выступил в роли сценографа.

— Какой-то определенной постановки?

— К чему-нибудь по произведениям Буковски или Гоголя. У этих авторов очень сильная, напряженная аура. Они новаторы, и я бы смог это выразить.

— Как бы это выглядело? Были бы эти декорации узнаваемыми, с вашим фирменным почерком, или вы бы постарались выступить в новом качестве, с новой эстетикой?

— Нет, я бы не следовал моим учениям, а опирался бы на содержание сценария и пьесы. У каждой пьесы своя атмосфера, и для сцены нужны не те выразительные средства, которые ты как дизайнер привык использовать, а те, которые смогли бы передать эту атмосферу. Например, довольно характерный для меня прием в дизайне — это создание эффекта текучести предмета, обстановки. Но такой элемент, как вода, не смог бы передать своеобразную ауру пьес Гоголя. Гоголевская среда не жидкая, она намного более напряженная, я бы сказал газообразная. У него все всегда в тумане, он не прозрачен, нет ощущения законченности. То есть, я не думаю, что использовать фирменный стиль в этом случае было бы удачным ходом.

— С какими материалами ассоциируется у вас интерьер гоголевских пьес, раз уж разговор зашел именно о них?

— С фетром.

— В 1972 году на выставке «Италия: новый жилой ландшафт» вы представили образ подземного города, который якобы возник в «Период Великого Загрязнения» после 2000 года. Это было убежище для двух людей в условиях полного одиночества. Сейчас, когда прошло почти семь лет с начала нового тысячелетия, насколько актуальной, с вашей точки зрения, остается ваша фантазия?

— В какой-то мере тот проект был работой архитектора, который с пессимизмом смотрит на будущее. То будущее. Он понимает, что реальность полна серьезных проблем. Но он не просто наблюдает, а говорит об этом, раздосадованный индиферентностью окружающих людей. В то время подземное жилище, где двое скрываются от якобы плохой экологии, было представлено как археологическая находка из далекого будущего. Но несколько лет спустя мир захлестнула волна реальных проблем. В мире начался затяжной нефтяной и экономический кризис. В Италии — десятилетний период террора «Красных бригад». В России — последний этап довольно жестокого политического режима. То есть сутью проекта было то, что с помощью архитектуры можно выразить свое отношение ко всему происходящему: к политической, социальной, религиозной ситуации. Вот что я хотел тогда сказать.
Тогда я преподавал в Школе Архитектуры во Франции. Однажды я предложил студентам выполнить проект здания суда в Москве. В те годы политическая ситуация в России была довольно напряженной, на занятиях мы обсуждали газетные материалы на эту тему, и задание было своего рода тестом. Как выразят свое отношение к этому новоиспеченные архитекторы? И выразят ли? Я пытался подтолкнуть их к той мысли, что в этом случае здание суда — это не просто строение, это средство существующего режима. Это мой преподавательский метод, я считаю его очень хорошим — учить студентов иметь свой взгляд на вещи и уметь его выразить.

— Что важнее — передать студентам собственную философию или практические умения?

— Я не думаю, что одно важнее другого. Обе составляющие должны быть на уровне — практические умения и теоретическая составляющая. Знать техническую составляющую любой вещи — это тоже очень важно. Когда меня пригласили преподавать в Страсбургский университет во Франции, я заметил, что в пяти-, шестилетней академической программе студентов не стоит предмета, который бы рассказывал о материалах. Точнее сказать, о современных материалах. Я попросил ректора создать новый курс, в рамках которого я мог бы этому обучать. В то время мне пошли навстречу. Занятия проходили следующим образом: я представлял материал, показывал, как его можно использовать, и у студентов была неделя, чтобы к следующему занятию сделать из него какое-нибудь изделие. Жаль, что когда я в свое время получал диплом архитектора, я не имел знаний в этой области.

— Важно ли вам, в каком пространстве вы работаете и живете, имеет ли значение, какие предметы окружают лично вас? Пользуетесь ли вы изобретенными вами вещами в повседневной жизни?

— В моей нью-йоркской квартире очень мало мебели. Все предметы в ней — из моих коллекций, просто потому, что они достались мне бесплатно.

— А как же то, о чем вы говорили раньше, — дом как портрет хозяина?

— Не в моем случае (улыбается). Всегда, делая что-то для других, о себе вспоминаешь в последнюю очередь. Почему, не знаю. Хотя в доме, который я построил в Бразилии на берегу океана, есть своего рода самовыражение. В Бразилии — потому что там не надо ходить по инстанциям, чтобы утвердить проект. Ты волен делать то, что хочешь. Вот это строение на фотографии — домик для гостей. А здесь живут мои собаки. Их шесть — две дворняжки, три немецкие овчарки и ротвейлер. Архитектура дома и абсолютно все в нем сделано мной. Если вы посмотрите на снимки интерьера, то поймете, что я имею в виду, когда говорю, что он, как и квартира в Нью-Йорке, почти пуст. Вот, например, изображение гостиной.

— А где мебель?

— Если посмотреть внимательно, там есть очень маленькие стол и стул.

— Точно есть, а я бы и не заметила. Наверное, потому что очень много ярких красок на полу и стенах. А использованные материалы — тоже из ваших любимых?

— Да. Стол и стул сделаны из резины и дерева.

— Любите ли вы кино, литературу, театр? Физику, математику, философию?

— Люблю читать: и прозу, и поэзию. Если говорить об отдельных авторах, то это в первую очередь Буковски. Он открыл для меня интерес к обычной жизни. Не только экстраординарное, но и обыденное может быть красивым, интересным и важным. Как у импрессионистов, которые вместо исторических персонажей начали изображать гуляющие влюбленные пары. Трансформировать повседневную жизненную сцену в нечто необыкновенное — думаю, что Буковски в этом очень преуспел. Из других прозаиков люблю инноваторов Джойса, невероятно умную французскую писательницу Маргарит Юсенар. Люблю танцевальное искусство. Центр искусств «Brooklyn Academy of Music» в Нью-Йорке иногда удивляет очень элегантными постановками. Очень люблю музыку, особенно оперную и этническую. Также Дэвида Боуи, «Битлз», «Роллинг Стоунз», Майка Джаггера. Из новых стилей — направление «компилляция» — это вид «атмосферной» музыки. Не особенно интересно то, что называют современным классическим жанром. Меньше люблю живопись и скульптуру.

— Кто ваши кумиры?

— Мои кумиры — в истории искусств. Это мультидисциплинары. Люди, которые могли выразить себя в разных областях и разными средствами. Леонардо да Винчи, Микеланджело — он тоже был великолепным поэтом, скульптором, архитектором, живописцем и писателем. Оба они — представители типа личности, которая, по моему мнению, очень важна в истории. Могу назвать великим человеком Ле Корбюзье, который, несмотря на свои утопические идеи, был хорошим архитектором, писателем и поэтом. Мисса ван дер Роэ я очень ценю как архитектора, хотя дизайнером, надо сказать, он был неважным. Спроектированное им кресло просто ужасно — некомфортное, очень тяжелое, неудобное, и при этом еще, так сказать, «стильное», что мне никогда не нравилось. Кто еще? Марсель Дюшан — великий мозг, он был художником с очень прогрессивными идеями для его времени.

— Я знаю, что кроме дизайна и архитектуры вы работали в других сферах, например, в фильмографии. С чем был связан этот интерес и остался ли он сегодня?

— Я всегда считал идею того, что молодой человек заканчивает образование, получает диплом и становится тем-то или тем-то: архитектором, писателем, юристом или, скажем, доктором, — очень удручающей. Мне больше по душе, когда ты вместо этого следуешь своей реакции на действительность и вырабатываешь идеи, которые хороши для выражения теми или иными способами. Эта подойдет для театральной постановки, а эта — для архитектуры или мебели. И именно в такие моменты ты являешься режиссером или дизайнером. Во все остальное время человек — это просто человек. Например, сейчас я не архитектор, потому что не работаю над проектом, а беседую с вами. Завтра, если решу поехать куда-нибудь, опять не смогу назвать себя архитектором, а буду путешественником. Для меня это слишком статично — закреплять себя в определенной роли. В определенные этапы жизни у меня просыпалось любопытство к разным направлениям, в том числе и к фильмографии — поэтому я снимал фильмы. Все три моих работы я могу назвать более или менее хорошими.

— О чем они были?

— Один, идеологический, был снят примерно в 1969 году. Задумка была следующей — экран разделен на девять частей. В каждой из них происходит отдельный сюжет. В определенный момент все девять частей постепенно становятся красными и в финале экран полностью приобретает этот цвет. Затем камера отъезжает, и становится понятно, что красное пятно — это фрагмент красного флага. До этого сюжеты говорили о политическом насилии. Фильм попал на фестиваль в Швейцарии. Зрители отнеслись к нему по-разному, многие восприняли как критику коммунизма. Было много негативных рецензий. Но часть публики приняла мою позицию, а организаторы представили к награде. Это я к тому веду, что была у меня в то время идея красного флага. Для ее воплощения лучше всего подходили средства киноискусства. Поэтому я сделал фильм. В другое время меня посетила мысль рассказать об Италии с позиций итальянской кухни. Блюдо под названием полента — очень традиционная, популярная и важная составляющая итальянской культуры — мне представляется уже не запечатленным на кинопленке, а отлитым в форме стола. Вот он, справа от нас. Обычно, когда мы готовим поленту, посередине на нее выкладываем грибы и сыр. Получается по виду нечто вроде того, что вы видите. Таким образом, мне не хотелось бы повторяться в работе. Не хочу давать кому-то повод меня фиксировать, привязывать к чему-то одному — он тот, он этот. Я предпочитаю, если это возможно, меняться и не зацикливаться.

— Ирония, смех, чувственность, органика — почему эти категории оказались для вашего творчества самыми важными? Не функция, не эргономика, а именно эмоция? Что есть дизайн вообще — создание практичных, утилитарных вещей или эстетика в чистом виде?

— Думаю, что ни то, ни другое. Начну издалека. В эпоху итальянского Возрождения «продукты дизайна», говоря современным языком, тоже существовали, но назывались «предметами искусства». Это потому, что в то время их создатели — художники Рафаэль, Монтеня, Пиччелини — не проводили границ между эстетикой и функцией предметов. Они не разделяли «важное» и «неважное» направление в искусстве, например, живопись и проектирование костюмов. Со временем дизайн стал восприниматься как нечто утилитарное, сугубо функциональное. Однако у него всегда оставался другой смысл и назначение.
Например, существует такая вещь как ваза — предмет, наполненный водой и используемый как контейнер для цветов. Но в ее форме, цвете, материале запечатлены еще и личность ее творца, историческое время и место создания, возможно, ирония и чувственность. В Китае ваза — это символ удачи. Она стоит у каждого выхода в доме для поддержания этой идеи. Для меня как носителя другой культуры она представляет собой место, где зарождается жизнь. По сути, жизнь каждого из нас начинается в сосуде. Так вот, я думаю, сегодня функциональная сущность дизайна уходит на второй план. Он больше не прикладное искусство, а искусство с большой буквы. Вполне возможно даже большее чем то, что принято называть этим термином, потому что доступен каждому; послание, которое несет тот или иной предмет, идет ко всем. Идеи же искусства в классическом понимании постигают лишь те, кто ходит в музеи. А большинство из нас, включая меня, этого не делает.

— А люди сегодня готовы принять дизайн в этой роли? По?моему, люди по-прежнему интересуются практической стороной вещей и не готовы принять их как нечто большее…

— А разве это важно? Меня не волнует, понимают ли люди идею, которой я наделил стол, стоящий у них в гостиной. Главное, чтобы он им нравился.

Гаэтано Пеше родился в 1939 году в итальянском городе Ла Специя. В 1956 — 1965 годах изучал архитектуру в университете Венеции. Первый серьезный успех Пеше принесла серия «надувных» кресел «UP», которые по его проекту в 1969 году изготовила фабрика «C&B Italia». Дизайн кресел был воспринят как сенсация. Сделанные целиком из полиуретана, без жесткого каркаса, кресла «UP» упаковывались под давлением и поступали к потребителям в сплющенном виде. Стоило вскрыть упаковку — и кресла начинали надуваться на глазах у изумленных людей, принимая заданные объем и форму.
В последующие годы Гаэтано Пеше продолжал экспериментировать с новыми для своего времени материалами — резиной, пластиком, силиконом, папьемаше, использованной бумагой. Мебель и предметы интерьера по его проектам производили фабрики «Cassina», «B&B Italia», «Bernini», «Venini», «Meritalia» и другие.
В 1970х Пеше покинул Италию. Жил в Падове, Венеции, Лондоне, Хельсинки, Париже. В 1980 году поселился в Нью-Йорке, открыв здесь собственное проектное бюро. Пеше преподавал во многих престижных университетах Америки и Европы, в том числе в институте Cooper Union в Нью-Йорке и в Институте архитектуры Страсбурга.
Начиная с 80х годов, Гаэтано Пеше много работал в архитектуре, создав ряд нетрадиционных архитектурных проектов, на которых с полным правом можно поставить гриф «впервые». Среди них: «Children «s House» (Дом для детей) в Парке ля Виллет в Париже — первый пример фрагментарной архитектуры; «Organic Building» (Органическое здание) в Осаке в Японии (1993 год) — первый пример городского здания с вертикальным садом; «Gallery Mourmans» (арт-галерея Мурманса) в Кнокке-Зут в Бельгии (1994 год) — первый опыт интерактивной пространственной галереи.
Сейчас Гаэтано Пеше живет и работает в Нью-Йорке. Его работы выставляются в музеях и галереях по всему миру: в M узее современного искусства и Метрополитен музее в Нью-Йорке; в Музее декоративного искусства и Центре Жоржа Помпиду в Париже; в Музее современного искусства в Турине; в Центре канадской архитектуры и Музее декоративного искусства в Монреале.

текст: Татьяна Фазано
Журнал «Современный Интерьер — Сибирь» №9(23) 2007

Графический дизайн

Автор: Джордж Нельсон

2799 ₽

Автор: Майкл Джанда

1199 ₽

Автор: Кассия Сен-Клер

999 ₽

Автор: Александр Шклярук

1749 ₽

Автор: Иоханнес Иттен

1149 ₽

Автор: Артемий Лебедев

1999 ₽

Автор: Ян Чихольд

649 ₽

999 ₽

Автор: Конни Маламед

1799 ₽

Авторы: Александр Снопков, Павел Снопков, Александр Шклярук

1199 ₽

Авторы: Александр Шклярук, Александр Снопков, Павел Снопков

1099 ₽

Автор: Мауни Феддаг

599 ₽

Автор: Юрий Гордон

1999 ₽

Автор: Яна Франк

349 ₽

Составитель: Анна Петрова

1599 ₽

Автор: Ральф Каплан

449 ₽

2399 ₽

Автор: Евгений Ковтун

599 ₽

Книга и компакт-диск

699 ₽

Автор: Татьяна Толстая

1099 ₽

Автор: Юрий Герчук

699 ₽

Автор: Юрий Герчук

599 ₽

Автор: Владимир Бисенгалиев

699 ₽

Автор: Владимир Кричевский

699 ₽

Автор: Натали Ратковски

1549 ₽

Автор: Феликс Шайнбергер

899 ₽

Составители — А. Снопков, П. Снопков, А. Шклярук

1399 ₽

Автор: Натали Ратковски

1599 ₽

Автор: Яна Франк

449 ₽

Автор: Ян Чихольд

349 ₽

Автор: Артемий Лебедев

499 ₽

Автор: Ян Чихольд

449 ₽

2099 ₽

Авторы: Джон Т. Дрю, Сара А. Мейер

1899 ₽

Автор: Тони Седдон

1699 ₽

1499 ₽

Автор: Анн Виллоугхбы

2099 ₽

1899 ₽

Авторы: Милтон Глэйзер, Мирко Илик

2099 ₽

Автор: Стивен Ласка

2099 ₽

Автор: Шарлотта Риверз

1399 ₽

Автор: Шарлотта Риверз

1399 ₽

Авторы: Кэтрин Фишел и Билл Гарднер

1599 ₽

Авторы: Кэтрин Фишел и Билл Гарднер

1599 ₽

Авторы: Кэтрин Фишел и Билл Гарднер

1399 ₽

Авторы: Кэтрин Фишел и Билл Гарднер

1399 ₽

1899 ₽

1699 ₽

Автор: Патрисия Болтон

1699 ₽

Автор: Петр Коломнин

999 ₽

выбор Кейт Хьюм • Интерьер+Дизайн

Кейт Хьюм, основательница бюро Kate Hume Interiors — автор сдержанных, буржуазных и элегантных интерьеров. В Москву Кейт приехала в 2004 году. А в марте 2006-го ИНТЕРЬЕР+ДИЗАЙН опубликовал ее первую русскую квартиру, где произведения искусства соседствовали с отменным предметным дизайном. С тех пор Москва наряду с Парижем, Амстердамом, Лондоном, Прагой входит в список ее рабочих адресов. Какое искусство Кейт Хьюм выбирала на брюссельской ярмарке BRAFA?

По теме: Кейт Хьюм: из Европы в Москву

«Как правило я работаю с тем, что есть у клиентов — произведения из коллекции помогают выстраивать образ пространства, его палитру, именно поэтому я предпочитаю увидеть их на самой ранней стадии проекта. Конечно, мне интересно участвовать в формировании собрания.

Гостиная. Проект Kate Hume Interiors в Москве.

Но выбор искусства дело очень индивидуальное. Вряд ли кто-то их моих клиентов будет покупать то, что покупаю я, и наоборот. Скорее я думаю о том, как комбинировать вещи, которые им нравятся. Независимо от ярмарок я всегда не против пройтись по галереям, продающим современное искусство. Последнее время мне нравится Берлин — разнообразное предложение, хорошие цены.

Хуан Миро. Nid d’alouettes. Литография. Galerie Maeght.

Литография Для меня ярмарка BRAFA в Брюсселе привлекательна своей простотой. Она разнообразна, но компактна, вещи очень высокого уровня и при этом цены разумны. Если на TEFAF клиенты и галеристы оперируют миллионами, здесь речь идет о сотнях тысяч. Что ценно? Даже небольшие бюджеты позволяют гостям ярмарки проявить вкус и фантазию. Мне очень понравился стенд Galerie Maeght, которая привезла тиражные вещи знаменитых художников вроде Матисса, Хуана Миро — прекрасные отпечатки всего за 2-3 тысячи евро. 

Юбер Мальфе. Sunday afternoon. ок. 1925. Galerie Oscar de Vos.

Живопись Если выбирать фигуративную живопись или выразительный пейзаж, то прекрасна работа Юбера Мальфе «Воскресный полдень» 1925 года на стенде брюссельской галерея Oscar de Vos. У Мальфе особенный рисунок и универсальный колорит. Увидив его картину однажды, вы помните ее долго. Конечно, живописное полотно может задать палитру и образ всему интерьеру. 

Лин Чэдвик, Beast IX, 1956, Osborne Samuel Gallery.

Скульптура Почти всегда хорошие скульптуры — показатель особого качества проекта. Мы думаем о покупке двух больших работ Маноло Вальдеса. На стенде Galerie Patrice Trigano я присмотрела отличный бюст, выразительный и по силуэту, и по работе с материалом. Но, главная моя любовь — британские скульпторы 60-70-х годов. Я выросла на их искусстве, меня до сих пор волнуют вещи Генри Мура, Барбары Хейпуорт, Энтони Каро. Я близко дружила c иcпанским скульптором Хавьером Карберо. Он был уникальным монументалистом, но, к сожалению, ушел недооцененным. Выделю работу Линна Чэдвика (Osborne Samuel Gallery), которая была сделана для павильона Великобритании на Венецианской биеннале. Он тогда получил приз и был настоящим героем. Вещь очень английская, слегка экстравагантная, вряд ли она понравится многим. 

Шкаф, диз. Франк Эвенну. Galerie Mathivet

Коллекционный дизайн Конечно я увлечена дилерами вроде Carpenters Workshop Gallery — слежу за галереями, представляющими коллекционный дизайн. Из коллекционного дизайна мне понравился книжный стеллаж Франка Эвенну на стенде Galerie Mathivet. Шкаф необычный, аналогичный представленому нафото. Предмет — многодельный, его интересно рассматривать и без сомнения он cтал бы героем любого пространства. Но вещь очень дорогая, для богатых клиентов.

Пабло Пикассо. Visage n°197, 1963, Helene Bailly Gallery.

Керамика — моя страсть, будь моя воля, я бы накупила тысячи керамических ваз, сосудов, плошек и блюд. Конечно есть универсальные вещи, к ним я отношу керамические тарелки Пикассо. В них есть что-то привычное для парижских интерьеров ХХ века, но я понимаю, почему все хотели видеть их у себя в гостиных. Они сразу приковывают внимание. Всеобщее увлечение mid-century modern отлично реализуется в винтажной авторской керамике и фотографии. Иногда я покупаю живопись, но редко. Для интерьера предпочитаю ХХ век, не современные вещи. Работы, которые «отстоялись» во времени лучше входят в жилые пространства. Это общее ощущение, но не правило: все зависит от художника и его стиля.

 

 

Пол Рэнд. Искусство дизайнера (конспект) | by Vova Wolmeer

Политика и дизайн

Мир, в котором работает дизайнер по большей части является миром бизнеса, а не искусства. Именно продажи товар и услуг, а не дизайн являются смыслом существования любого бизнеса. В то же время дизайнер отличается от продажника тем, что его первоочередной мотивацией является искусство: искусство, которое служит коммерции, которое делает более позитивным наше восприятие мира.

Дизайн — это стиль жизни, точка зрения.Он подразумевает весь комплекс визуальной коммуникации: талант, творчество, квалификацию и технические знания. Эстетика, технология и психология органически вписаны в этот процесс.

Одна из наиболее распространенных проблем дизайна, — это ожидание руководителя, что дизайнер предложит не одно, а несколько решений задачи. Зачастую неопытный руководитель ищет успокоения в количестве и возможности реализовать свои собственные предпочтения. И именно он будет тем человеком, которые требует дополнительные правки и ставит нереальные сроки. Но такая организация процесса препятствует работе дизайнера и, как правильно, приводит к появлению посредственных дизайнерских решений.

Дизайнер, который по своей воле представляет клиенту набор вариантов дизайна, делает это не из идейной плодовитости, а из неуверенности и страха. Хороший дизайнер, конечно, может при необходимости предложить нескольких решений сразу. Но одно дело необходимость, а другое — осознанный выбор.

В свою очередь дизайнер — профессионал, мир которого разделен на лирическую и прагматическую половины. Его стремление стоять на своем — это не упрямство, а проявление убеждений. Он понимает, что хороший дизайн должен противостоять тяготам рынка, но в то же время считает, что без хорошего дизайна рынок превратиться в сплошную безвкусицу.

Содержательный дизайн, качественный и остроумный, является большим достижением даже в благоприятной среде, где хороший дизайн ценят, понимают и воодушевленно принимают, когда извлечение прибыли является не единственной движущей силой бизнеса.

Пол Рэнд

31 удивительный пример графического дизайна, который поразит вас

Показывать себя примерами хорошего графического дизайна — это здоровая практика, независимо от того, кто вы. Может быть, вы студент, обдумывающий следующий шаг на своем пути. Или вы — отмеченный наградами графический дизайнер, который смотрит в пустой экран компьютера и покрывается холодным потом.

Независимо от того, находитесь ли вы в начале своей карьеры или наслаждаетесь видом с вершины, иногда всем нам нужен заряд творческого вдохновения.Наш любимый способ дать толчок воображению — двоякий: вернуться к основам дизайна и посмотреть, как их используют профессионалы.

Исключительный графический дизайн сочетает в себе использование нескольких элементов для создания визуально привлекательного произведения. Графические дизайнеры используют цвета, текстуры, линии, формы, размеры, значение и пространство для создания своей работы.

Часто конечный результат вызывает у зрителя эмоции или реакции, которые определяют идентичность бренда. Великолепный дизайн — это наука, а — искусство.

Он создает визуальное представление идеи и передает невысказанное, устанавливая отношения между дизайном и его аудиторией.

Пять основных столпов графического дизайна включают Баланс (для стабильности и структуры), Выравнивание (для ясности и резкости), Повторение (для единства и силы), Контраст (для воздействия и фокусировки) и Иерархия (для организации и направления).

Мы составили список из 31 удивительного примера графического дизайна для дизайнеров, которым нужно вдохновение.Студенты и дизайнеры оценят просмотр этих потрясающих примеров, чтобы увидеть, как художники использовали один или несколько из пяти основных принципов в своем искусстве.

Они отлично демонстрируют, как инновационный дизайн может помочь сформулировать цель, основные ценности, личность и позиционирование компании.

1. Промоакции кинофестиваля BFI от Кори Шульц

Кинофестиваль BFI состоит из классических фильмов ужасов, поэтому брендинг фестиваля, выпускник Шиллингтона Кори Шульц, включал жуткие иллюстрации классических фигур ужасов, таких как Дракула, Франкенштейн и невеста Франкенштейна.Дизайн чистый, но угрюмый, с элементами дизайна, характерными для жанра. Кори получил за проект премию GDUSA.

Эта акция состоит из кинетического логотипа и брендинга события «Как получить работу в Нью-Йорке». Дизайн смелый, в нем используется скудное словоблудие, но название, объяснение и дата мероприятия написаны большими заглавными буквами, что выделяет их на фоне более крупного дизайна. Рекламные акции отражают основную идею внесения ясности в тему, запутанную путаницей и тревогой.Энтони, глобальный управляющий директор Shillington Education, получил за эту работу премию GDUSA.

3. Приложение для цифровой идентификации растений от Бекки Вуд

Примеры графического дизайна, такие как это приложение для идентификации растений, используют простую и понятную презентацию, чтобы рассказать историю. Сначала сделайте снимок; во-вторых, просканируйте это. Приложение определит растение и даст советы по выращиванию. Бекки Вуд иллюстрирует иерархию, которая направляет зрителя переходить через три уровня действия.Ее использование повторения объединяет историю. Этот проект выпускника Шиллингтона стал финалистом награды AGDA.

Judit Besze представляет собой прекрасный пример контраста через текстуру, устанавливая геометрические формы, текст и линии на цветочном фоне. Она создает дополнительную глубину и интерес через иерархию.

5. Мероприятие Vice Media «Преодолей потолок», автор: Ариана Луиза Вильегас

Промоакции

требуют повторения и большого количества пустого пространства, чтобы достичь своей цели.Vice Media необходимо было оправиться от обвинений в сексуальных домогательствах и культуры «клубов мальчиков». На этом мероприятии чествовали женщин, пробивших корпоративный стеклянный потолок. Подрывная типографика использовалась для того, чтобы предложить отойти от истории несправедливых действий в отношении женщин. Проект этого выпускника Шиллингтона стал победителем премии GDUSA 2018 в области графического дизайна.

Выпускник

Shillington Брэндон Ли мастерски использует контраст и повторение, чтобы выделить три сорта кофе из разных стран в этом дизайне упаковки продукта.Он использует смелые цвета и простые геометрические формы, чтобы противопоставить текст и значки. Каждое изображение заставляет вас узнать, что отличает следующее. Первое заметное отличие — это регион. Этот пример графического дизайна показывает, что Lighthouse Coffee Co. производит качественный кофе с ярким вкусом. Проект получил премию GDUSA в области графического дизайна.

8. Кампания MTA, автор Джен Бишоп

Эта трехдневная кампания была нацелена на любителей метро Нью-Йорка.Всадников просили голосовать за известных дикторов метро каждый день. Он был разработан, чтобы оживить повседневные поездки наездников, сделав их более интерактивными. В дизайне использованы яркие цвета и единый дизайн всех плакатов и рекламных материалов. Использование разделительных линий привлекает внимание зрителей к каждому призыву к действию. Джен Бишоп, выпускница Шиллингтона, получила премию GDUSA за этот дизайн.

9. Mondo Artisan Bread Mexico by Карла Лопес

Это международное произведение выпускницы Шиллингтона Карлы Лопес демонстрирует контраст и иерархию, используя силу цвета и геометрии.Все в этом дизайне привлекает внимание к кофе и макарунам. Контраст серой карты с белым логотипом наводит взгляд на следующий важный вопрос: где взять кофе и печенье? На красочной чашке тоже отображается название. На этот раз цвета поменялись местами — добавление интереса без ущерба для сплоченности. Карла выиграла премию GDUSA за этот проект.

10. Представьте — Фестиваль № 6 Идентификация Jieli Wu

Эта концепция была предназначена для создания идентичности Festival N ° 6, ежегодному фестивалю искусства и музыки, проводимому в Северном Уэльсе.Цель брендинга заключалась в создании чего-то, что выходит за рамки нового измерения и в то же время отражает изысканные вкусы своего целевого рынка. Шрифт выглядит гладким и современным, но при этом немного несвязным, что намекает на его тему превосходства. Этот выпускник Шиллингтона получил премию GDUSA за дизайн.

11. Брендинг SPAM Food Truck Festival от Judy DeMarco

Этот проект, задуманный выпускницей Шиллингтона Джуди ДеМарко, был направлен на ребрендинг консервированной ветчины от СПАМа и ее сбыт среди миллениалов.В проекте использовался слоган «это то, что есть», чтобы усилить намерение кампании продемонстрировать прозрачность. Красочный шрифт выглядит современным и необычным и привлекает смелых и любопытных посетителей. Джуди получила премию GDUSA за свою работу.

12. Комнаты дома — спор в Лос-Анджелесе, автор: Хэмиш Хантер

Сделанные вручную рисунки, подобные этой обложке альбома, выводят графический дизайн на новый уровень. В дизайне используется выравнивание для четкости и контраст для воздействия. Идея этого картонного дизайна возникла из темы в текстах альбома.Музыкальный артист поет о картонных коробках, когда семья переезжает, а дети играют в подвале. На первый взгляд очевидно, что история этого дизайна — это больше, чем вы могли бы рассказать, не слушая альбом. Обложка успешно пробуждает любопытство у непосвященных и дает момент «ага» для инсайдеров.

Бекки Маккалок использует баланс, чтобы рассказать историю первой личной встречи. Ее дизайн иллюстрирует суть проблемы, которая является важнейшим качеством хорошего дизайна.Он тонко задает и отвечает на этот вопрос: о чем мы будем говорить, когда наконец встретимся? Контрастные цвета слева привлекают внимание зрителя и вызывают любопытство у наблюдателей. Естественно, им захочется узнать остальную часть истории, которая приведет их к следующему высококонтрастному предмету: картам тигра. Карточки содержат идеи для обсуждения при личной встрече, ответе на вопрос и решении проблемы. Она была финалистом конкурса AGDA Awards 2018 за этот проект.

14.Этикетка продукта премиум-класса Joker’s Gin от Esteban T

Esteban T разработал несколько первоклассных этикеток для бутылок с алкогольными напитками. Эта бутылка Joker’s Gin использует контраст по глубине, чтобы создать акцент в этой привлекательной бутылке элитного джина. Художник использует цвет, чтобы создать стабилизирующий баланс в дизайне, укрепляя доверие к бренду, несмотря на название Joker’s Gin.

15. Натуральные продукты от Хиро Окуда

Подобные пьесы, демонстрирующие баланс и согласованность, помогают зрителям «почувствовать» целостность презентации.Розмарин обеспечивает мгновенный контраст с нейтральными цветами и привлекает внимание к другим зеленым тонам в проекте. Проект выпускника Шиллингтона Хиро Окуда стал финалистом премии AGDA.

16. Fruitea Friends Berry Boo и тропическое танго от Wai San Woo

Вай Сан Ву владеет выравниванием и балансом для дизайна этой упаковки продукта Fruitea. Открытая крышка привлекает внимание и подчеркивает, что компания заботится об упаковке, что говорит о том, что они также заботятся о качестве того, что находится внутри.Изображения чайных пакетиков в правом нижнем углу идеально сочетаются с открытой крышкой и смыслом, стоящим за ней. Этот проект, завершенный выпускником Шиллингтона, стал финалистом AGDA.

16. Дизайн циферблата часов Android от Gmbh

Вот два примера графического дизайна с цифровыми и практическими приложениями. Циферблаты для умных часов Android Wear используют контраст и выравнивание для создания потрясающего, но удобного отображения часов. Этот пример сочетания старых идей, таких как римские цифры, с современными технологиями, делает эти циферблаты мгновенной классикой.

Микаэла Эрли в дизайне продукта Duet использует повторение для создания единства и силы бренда. Выравнивание и контраст обеспечивают ясность и эффектность, демонстрируя один бренд с множеством вкусов. Использование одного цвета на этикетке продукта так же ясно, как и простой, но мощный дизайн. Можно ожидать, что дуэт джина и вкуса будет столь же гладким, как и рисунок. Микаэла, выпускница Шиллингтона, получила награду GDUSA за свою работу.

Катринка использует повторение для создания динамической системы рекламы службы перевозки домашних животных под названием Chauffur.Хотя каждая реклама немного отличается, она привлекает владельцев различных животных, но в каждой используются одинаковые элементы для создания идентичности и целостности бренда. Катринка — выпускница Шиллингтона и финалист AGDA этого проекта.

Это еще один пример графического дизайна, который использует повторение и выравнивание для представления торговой марки продукта. Marusa Rimc вызывает интерес к продукту Infinite Brew, подчеркивая единообразие бренда и пробуждая любопытство к новым вкусам.Художник по упаковке продукта создает причудливые выражения характеристик, чтобы заставить потребителей спросить: что это за вкусы с ограниченным выпуском? Дизайн яркий и загадочный. Эта работа выпускницы Шиллингтона принесла ей награду GDUSA.

20. Обложка книги в пустоту, автор: Bob 2412

Обложки книг — прекрасные примеры возможностей графического дизайна, которые существуют в мире публикации в Интернете и в печати. Bob2412 использует выравнивание, чтобы заставить читателя почувствовать, что он может ускользнуть в пустоту с автором.Этот прием дает ясность в отношении цели книги. Задняя крышка тоже опрокидывается в опасную зону. Контраст света и тьмы создает сильный акцент на названии книги, особенно на слове «пустота». Использование человека в качестве буквы в этом слове дает нам понять, что кто-то может ускользнуть.

Даниэла Томанова сочетает иерархию и контраст, чтобы создать интерес, организацию и фокус в этом примере графического дизайна. Идея ясна: 4U для вас, и это часть вас, несмотря ни на что.Положение руки испытуемого внутри и снаружи логотипа создает ощущение плавности дизайна, отражающего динамичный характер провайдера мобильной сети 4U. Подростки мгновенно подключаются к бренду. Даниела — выпускница Шиллингтона и финалистка AGDA.

Все мы пользуемся календарями каждый день — чаще всего на наших компьютерах или телефонах, но другие предпочитают иметь физические календари на рабочем месте или дома. Кацуми Тамура поднял дизайн календаря на новый уровень, когда он создал (и получил награду) свой 3D-календарь, который вы должны собрать самостоятельно.Его формы просты: состоящие из кругов, треугольников и квадратов. Но люди могут преобразовывать свои календари в различные формы, делая их красивым и полезным аксессуаром.

23. Облегченная упаковка хлеба от Джессика Баккер

Джессика Бейкер использует контраст, чтобы подчеркнуть забавный характер этой упаковки продуктов для натуральной, здоровой домашней выпечки для детей. Облако пика-а-бу вызывает интерес и переключает внимание на продукт под ним, приглашая зрителей представить, насколько восхитительны вкусовые качества буханок внутри.Более того, идея небес способствует чистоте бренда. Джессика — выпускница Шиллингтона, и ее упаковка Lite Loaves позволила ей стать финалистом AGDA.

24. Реквием J Fashion Event от Эрни Холидей

Эта кампания, состоящая из веб-сайта, плакатов, наклеек и прочего, рекламировала модную инсталляцию в Нью-Йорке. В проекте использованы яркие цвета, чистый дизайн и геометрические формы, чтобы создать причудливый, но изысканный дизайн.Эта работа одновременно эксцентрична и сбалансирована и игриво взаимодействует со зрителями, сочетая традиционную модную иконографию с оригинальными элементами. Эрни — выпускник Шиллингтона, и этот проект стал полуфиналистом премии Adobe Design Achievement Awards 2018.

25. Летний фестиваль Satchmo в Новом Орлеане, автор: Альфред Сервантес

Вот три примера произведений графического дизайна, которые призваны продвигать летний фестиваль в Новом Орлеане в честь Луи Армстронга по имени Сатчмо.Этот студенческий дизайн Шиллингтона получил награду American Graphic Design Award 2018 от Graphic Design USA. В дизайне используется выравнивание для создания интереса и контраста для обеспечения ясности. Синий и розовый олицетворяют лето, а фотография Луи Армстронга по прозвищу Сачмо напоминает о богатой джазовой истории города. Альфред, выпускник Шиллингтона, получил награду GDUSA 2018 года.

26. Зачарование под морским танцем Саймона Пирса

Саймон Пирс использует контраст как с цветами, так и со шрифтами, чтобы привлечь внимание к этому захватывающему дизайну.С таким загруженным дизайном легко потерять информацию. Используемый здесь контраст гарантирует, что все, что нужно увидеть, появится у зрителя.

Эти три примера графического дизайна упаковки от Forough Abadian используют контраст и повторение, чтобы передать послание простоты и аутентичности. Похоже, что посылка отправлена ​​прямо из Италии с этикеткой, похожей на почтовую. Вы сразу же знаете, как его приготовить и из чего он сделан, не оставляя никаких вопросов без ответа.Упаковка также является отличным примером того, как выравнивание способствует ясности. Этот выпускник Шиллингтона является лауреатом премии GDUSA.

28. 2 Ginger Irish Whisky от VSA Partners

Целью этого дизайна было вызвать интерес к новому бренду ирландского виски. Дизайнерская фирма использовала повторение для силы и контраста для фокусировки. Рыжие на изображениях представляют бренд. Точно так же декорации (девушки на камнях, в доме и на велосипедах, вызывающих ностальгию) представляют характеристики виски.

29. Плакаты Inject Hope от Landor

Эти примеры графического дизайна Inject Hope убедительно отражают реалии наркозависимости, особенно героиновых наркоманов. Кампания вдохновила комиссаров округа Огайо выделить более 2 миллионов долларов на помощь в борьбе со злоупотреблением наркотиками. Заказчиком была героиновая коалиция округа Гамильтон. Использование повторения в этой серии дизайнов обеспечивает единство единой идеи, в то время как контраст создает фокус и оказывает существенное влияние на наблюдателя.

30. Концепция брендинга модной одежды CI от Nnorth

Здесь Nnorth использует дизайн, чтобы определить идентичность бренда для CI. Этот пакет был выбран из 1272 других концепций визуального дизайна. Клиент запросил умопомрачительный дизайн, и они его получили. Художник блестяще использует цветовой контраст с достаточным количеством цвета для создания эффекта. Логотип CI выделен жирным шрифтом, что мгновенно создает сильное присутствие бренда, которое легко идентифицировать.

31. Дизайн электронного письма Brookson One от Charlim888

Примеры графического дизайна электронной почты отлично подходят для вдохновения.Этот дизайн Charlim888 кристально чистый с идеальным сочетанием баланса, выравнивания и контраста. Женщина вверху страницы занимается тем, что хочет вызвать электронное письмо. Этот дизайн рассказывает простую историю: пригласите друга и получите вознаграждение. Кнопка внизу страницы позволяет сразу же начать зарабатывать награды.

Чем больше вы изучаете работы других, тем лучше вы сможете идентифицировать элементы отличного дизайна и знать, когда они присутствуют в вашей собственной работе.Не нужно снова страдать от дизайнерского затора. Добавьте эту страницу в закладки для вдохновения в будущем и поищите портфолио талантливых художников, представленных в этом посте. Удачный дизайн всегда на расстоянии одного клика.

Хотите создать такую ​​работу? Подумайте об обучении в Шиллингтоне и записи на онлайн-курс графического дизайна, чтобы вы могли учиться из любой точки мира!

34 книги по графическому дизайну, которые необходимо прочитать

Лучшие книги по графическому дизайну: быстрые ссылки

В мире полно фантастических книг по графическому дизайну, каждая из которых предлагает мудрые слова, идеи для дизайнерского вдохновения и освежает знания по ключевым принципам и методам.Возможно, вы хотите углубиться в теорию дизайна, изучить новые навыки или просто зарядить свои творческие силы. Что бы вы ни захотели, для вас найдется что-то особенное.

В этой статье мы собрали лучшие книги по графическому дизайну на рынке, от вневременной классики до современных шедевров. Вы также можете ознакомиться с нашей подборкой лучших книг по брендингу. Но пока что добро пожаловать в ваш основной список для чтения. Воспользуйтесь ссылками напротив, чтобы перейти к интересующему вас разделу.

Обновляете свой арсенал графического дизайна? Попробуйте наш выбор из лучших инструментов графического дизайна .Или, чтобы получить больше вдохновения для чтения, см. Наши лучшие книги по брендингу или лучшие книги по искусству .

Логотипы и книги по брендингу

01. Разработка фирменного стиля

Этот бестселлер по брендингу был обновлен, чтобы обновить его.

Издатель: Wiley | Автор: Алина Уиллер | Дата публикации: 2017

Выдающийся ресурс

Интересное письмо

Актуальное

Бестселлер Алины Уилер по брендингу был обновлен в пятый раз, чтобы включить новое и расширенное освещение межканальной синергии в социальных сетях , краудсорсинг, поисковая оптимизация, брендинг опыта, мобильные устройства, навигация и размещение.Разделенный на три раздела — основы бренда, основы процесса и примеры из практики — Designing Brand Identity предоставляет подробные рекомендации как для дизайнеров, так и для целых групп брендинга, проходя через универсальный пятиэтапный процесс разработки и внедрения бренда.

Партнер Pentagram Паула Шер рекомендует это: «Алина Уилер лучше, чем кто-либо другой, объясняет, что такое дизайн фирменного стиля и как он функционирует, — говорит она. — Есть причина, по которой это 5-е издание этой классической книги». А благодаря предисловию ведущей подкаста Design Matters Дебби Миллман вы знаете, что находитесь в надежных руках.

02. Брендинг: за пять с половиной шагов

Полное пошаговое визуальное руководство по созданию успешной идентичности бренда

Издатель: Thames and Hudson | Автор: Майкл Джонсон | Дата публикации: 2016

Серьезная книга по брендингу

Открывает процесс брендинга

Действительно полезно

Ведущий графический дизайнер Майкл Джонсон в своей последней книге «Брендинг: за пять с половиной шагов» демистифицирует процесс брендинга.Разделив процесс на пять ключевых этапов — исследование, стратегия и повествование, дизайн, реализация и взаимодействие — Джонсон также признает нелинейный характер брендинга с решающим полушагом, который отмечает подвижную взаимосвязь между стратегией и дизайном.

Серьезная модель из шести вопросов структурирует первую половину книги; Вторая часть анализирует процесс дизайна с использованием более 1000 современных брендов со всего мира.

Это исчерпывающее пошаговое визуальное руководство по созданию успешной идентичности бренда.Это важное чтение для всех, кто работает в индустрии брендинга, и особенно ценный ресурс для студентов и начинающих дизайнеров.

03. Logo Modernism

Беспрецедентный каталог современных торговых марок.

Издатель: Taschen GmbH | Автор: Йенс Мюллер | Дата публикации: 2015

Множество украшений с логотипом

Невероятный ресурс

Сосредоточено на 1940–1980

Ташен выпускает действительно впечатляющие книги, и модернизм логотипов не исключение.Объединив около 6000 товарных знаков, зарегистрированных в период с 1940 по 1980 год, Йенс Мюллер исследует, как в графическом дизайне произошел модернизм, и как эти отношения и императивы породили фирменный стиль.

Müller включает в себя множество логотипов, разделенных на три части — геометрическую, эффектную и типографскую — для того, чтобы как обучить вас, так и предоставить исчерпывающий указатель вдохновляющих дизайнов логотипов для вашей собственной работы.

04. 50 лучших логотипов когда-либо

За кулисами самых знаковых логотипов мира

Издатель: Future Publishing | Автор: Разное | Дата публикации: 2018

Перегрузка для вдохновения в дизайне логотипов

Углубленный анализ знаковых логотипов

Группа ведущих экспертов по брендингу и дизайну идентичности собралась вместе, чтобы представить вам окончательный список из 50 лучших логотипов, когда-либо существовавших.Получите эксклюзивное представление о творческих процессах, стоящих за самой узнаваемой работой по дизайну идентичности в мире. И узнайте, попадет ли ваш любимый логотип когда-либо.

Типографские книги

05. Элементы типографского стиля (v4)

Незаменимая книга для всех, кто использует шрифт в дизайне

Издатель: Hartley & Marks | Автор: Роберт Брингхерст | Дата публикации: 2013

Окончательное руководство по шрифтам

Охватывает все основы, плюс дополнительные

Прекрасно написано

Впервые опубликованная в 1992 году, эта история и руководство по типографике от канадского типографа, поэта и переводчика Роберта Брингхерста быстро стали популярными. главный типографский ресурс.Ведущие типографы Джонатан Хефлер и Тобиас Фрер-Джонс называют эту книгу «лучшей книгой о типографике из когда-либо написанных» — и нетрудно понять, почему.

Элементы типографского стиля — это прекрасно написанное руководство, сочетающее практическую, теоретическую и историческую информацию, а также более глубокое понимание темы и философию. Если вы ищете книгу, посвященную тонкостям шрифта и типографики, вы сэкономите много денег, начав с этой.

«За эти годы эта маленькая библия дизайна оказалась бесценной», — говорит арт-директор Сара Лай.«Он включает в себя все 360 градусов типографики и пригодился практически для всего, над чем я работала», — говорит она. «Он не только охватывает основы правил типа и сетки, но и предлагает идеи философского и исторического характера».

«Одна из глав, которые мне больше всего понравились, была посвящена типографике музыкальных систем по отношению к сеткам макетов», — добавляет она. «О, и добавление латинского алфавита и его букв — это прекрасное украшение, которое понравится всем дизайнерам.”

06. 100 лучших гарнитур когда-либо

Все великие в одном месте.

Издатель: Future Publishing | Автор: Разное | Дата публикации: 2018

Все шрифты, которые вам когда-либо понадобятся

Перегрузка вдохновения

Сегодня создание шрифта может быть столь же трудоемким, требующим часов изучения и многочисленных этапов оценки и уточнения. Для рабочего цифрового шрифта также может потребоваться более 500 символов.Программное обеспечение теоретически означает, что любой дизайнер может стать типографом. FontShop AG, известное шрифтовое предприятие, провела исследование, основанное на исторической актуальности, продажах на FontShop.com и эстетическом качестве. С некоторыми дополнениями от экспертов журнала Computer Arts были отобраны лучшие шрифты для этой книги. Помимо определения списка, мы предоставили вам полезную информацию по каждому из них.

(Изображение предоставлено Virgin Books)

07. Почему шрифты имеют значение

Отлично подходит для изучения науки о шрифтах

Издатель: Virgin Books | Автор: Сара Хайндман | Дата публикации: 2016

Изучает науку о шрифтах

Узнайте, как использовать выбор шрифта, чтобы повлиять на вашу аудиторию

В книге «Почему шрифты важны» графического дизайнера и типографа Сары Хайндман исследуется влияние шрифтов на то, что мы читаем, и на наш выбор .Книга погружается в науку, лежащую в основе дизайна шрифтов, и раскрывает, почему разные стили вызывают разную реакцию. Это жизненно важное чтение для всех, кто хочет понять, как использовать дизайн шрифтов, чтобы влиять на свою аудиторию. Гайндман даже обещает объяснить, как шрифты могут даже изменить вкус вашей еды.

08. Just My Type

Развлекательное и информативное руководство по истории типа

Издатель: Профильные книги | Автор: Саймон Гарфилд | Дата публикации: 2011

Информативный

Подробная история

Очень увлекательное чтение

Графических дизайнеров учат смотреть на шрифты, но книга Саймона Гарфилда Just My Type побудит вас присмотреться еще ближе и познакомится с богатыми история шрифтов, а также их возможности.Хорошо подобранный шрифт общается с читателем почти на подсознательном уровне и может создать (или сломать) дизайн. Узнайте больше об истории типографики из этой фантастической книги.

Как стать графическим дизайнером

(Изображение предоставлено Pop Press)

09. Работайте усердно и будьте милы с людьми

Твердый совет от легенды дизайна — чего еще вы хотите?

Издатель: Pop Press | Автор: Энтони Беррилл | Дата публикации: Август 2020

Очень интересно

Множество полезных советов

Вдохновляет

Вдохновленный всемирно известными типографскими принтами, труд Энтони Беррилла «Работай усердно и будь милым с людьми» краток и точен в своих советах и ​​их изложении.Его краткий афористический совет, убирающий весь жир из сообщения, может иметь большое значение благодаря полному отсутствию претензий и полному сердцу.

Work Hard … — это переработанная версия предыдущей книги Энтони «Сделай это сейчас» в мягкой обложке с совершенно новым материалом. Это поистине вдохновляющий личный рассказ о том, что этот международный дизайнер ценит в творчестве, и о том, как вы можете извлечь максимум из себя, не продавая свою душу и не ведя себя ужасно с людьми на этом пути.

(Изображение предоставлено Остином Клеоном)

10.Показать свою работу!

Лучшие советы по созданию имени в творческих отраслях

Издатель: Издательская компания Workman | Автор: Остин Клеон | Дата публикации: 2014

Важные уроки

Полезные идеи

Творчески написано

Покажи свою работу! 10 вещей, которые вам не рассказывал Остин Клеон о том, что вас открыли, вдохновили многих на карьеру фрилансера. Наличие таланта — это хорошо и хорошо, но даже самые лучшие дизайнеры ничего не добьются, если никто не увидит их работы.Эта книга по дизайну покажет вам, как найти свою аудиторию и создать себе имя.

«В книге Клеон говорит не только о том, чтобы делиться своей работой, но и с процессом; чтобы убедиться, что вы можете что-то произвести и с этим справиться», — говорит моушн-дизайнер и 3D-иллюстратор Хашмук Кераи. «Я считаю, что большинство творческих людей слишком дорожат своей работой, и вы чувствуете себя уязвимым, когда она, наконец, будет готова к публикации. Эта книга помогла мне начать публиковать свои работы в социальных сетях, дать обратную связь и перейти к следующему проекту.«

Клеон также является автором чрезвычайно популярного бестселлера New York Times« Укради, как художник и продолжай идти »(27-е место в этом списке) — тоже заслуживает внимания.

(Изображение предоставлено Amazon)

11. Каким образом делать отличную работу, не будучи засранцем

Веселые, полезные советы о том, как преуспеть в творческой индустрии

Издатель: Laurence King Publishing | Автор: Paul Woods | Дата публикации: 2019

Отличная инфографика

Веселые и понятные советы

Полезные разделы

Пол Вудс «Как делать отличную работу, не будучи засранцем, — это одновременно забавно и практично.Его инфографика и блок-схемы помогают читателям определить, что происходит в общих головоломках в творческих отраслях, включая обсуждение и обратную связь, а его короткие и четкие главы помогают им ориентироваться в жизни агентства. Если вам нужны откровенные советы, как сделать это в графическом дизайне, эта книга для вас. Есть даже предисловие короля откровенного разговора Эрика Спикерманна.

Здесь вы можете прочитать отрывок из книги Вудса о том, как дать обратную связь, не будучи засранцем.

12.Как стать графическим дизайнером, не теряя души

Основной продукт для любого нового графического дизайнера

Издатель: Laurence King Publishing | Автор: Адриан Шонесси | Дата публикации: 2010

Главный практический совет

Философское руководство

Интеллектуальное письмо

Полезный совет Адриана Шонесси по трудоустройству, созданию фрилансера, созданию компании, работе с клиентами, продвижению и множеству других вещей, заполняющих это книга.

Книга по графическому дизайну «Как стать графическим дизайнером, не теряя души» — проницательная, интеллектуальная, доступная и просто полная замечательных советов. Автор обращается к таким светилам, как Невилл Броуди, Натали Хантер, Джон Уорвикер и Энди Круз. чтобы помочь собрать воедино его идеи.

13. Как …

Монография, руководство и манифест одного из ведущих графических дизайнеров мира

Издатель: Harper Design | Автор: Михаил Берут | Дата публикации: 2015

Профессиональный взгляд на отрасль

Красиво написано

Бесценный ресурс

Ветеран-дизайнер и партнер Pentagram New York Майкл Берут выпустил эту вдохновляющую, удобочитаемую монографию, руководство и манифест в 2015 году.Представляя 35 проектов, Берут — протеже легенды дизайна Массимо Виньелли — иллюстрирует разнообразную роль, которую графический дизайн играет в современном мире.

Черновые наброски и отвергнутые идеи находятся рядом с готовой работой. В книге «Как сделать» (полное название «Как использовать графический дизайн для продажи вещей, объяснения вещей, улучшения внешнего вида, рассмешить людей, заставить людей плакать и (время от времени) изменить мир») содержится глубокое понимание творческого процесса. , что делает его ценным ресурсом как для начинающих, так и для опытных дизайнеров.

14. Графический дизайн для …

Подробное руководство о том, как думают и работают дизайн-студии

Издатель: Prestel | Автор: Энди Кук | Дата публикации: 2018

Отличные идеи

Прекрасный дизайн

Взрыв в ногу со временем

Графический дизайн Энди Кука для искусства, моды, кино… объединяет кампании по брендингу некоторых из лучших мировых дизайнерских студий, а также дает интересные интервью с многие из креативщиков, которые являются незаменимым путеводителем по современному коммерческому дизайну.

Как дизайнер, Кук знает все правильные вопросы, которые нужно задать, и потрясающие работы, включая Studio Makgill (для GF Smith), Freytag Anderson (для Fraher Architects) и Ico Design (для David Rowland), прекрасно подобраны и представлен. С упором на творческое сотрудничество и разработку дизайна для работы с несколькими точками соприкосновения, эта книга является самым современным и информативным руководством по современному дизайну.

15. Работа за деньги, дизайн для любви

Отвечает на наиболее часто задаваемые вопросы о ведении успешного дизайнерского бизнеса

Издатель: Новые райдеры | Автор: Дэвид Эйри | Дата публикации: 2012

Хороший совет

Отличные тематические исследования

Свежо написано

Вдохновленный множеством вопросов, которые Дэвид Эйри, автор логотипа Design Love, получает ежедневно, Work for Money, Design for Love — это Освежающее и простое руководство, в котором рассказывается об основах создания собственного дизайнерского бизнеса.Касаясь всего, от образа мышления, необходимого для того, чтобы быть дизайнером, и того, как сделать первый шаг к тому, чтобы стать вашим собственным начальником, до основ бизнеса, это обязательное чтение для всех, кто думает о том, чтобы действовать в одиночку.

16. Искусство смотреть сбоку

Самый лучший учебник по визуальному интеллекту

Издатель: Phaidon Press | Автор: Алан Флетчер | Дата публикации: 2001

Эссе, наводящие на размышления

Полные мудрости

Красивая графика

Алан Флетчер, легендарный соучредитель Pentagram, за время своей выдающейся карьеры графического дизайнера написал различные заставляющие задуматься книги, но The Art «Взгляд сбоку», пожалуй, самый известный — он ставит под сомнение то, как дизайнеры думают обо всем, от цвета до композиции.

После того, как вы переварите его основополагающий текст, попробуйте Рисовать и Поэтинг, исследуя связь между образами и смыслом с помощью серии визуальных головоломок, игр и визуальных каламбуров, собранных из его личных записных книжек и дневников. Еще одна замечательная работа Флетчера, «Остерегайтесь влажной краски», представляет собой более традиционную монографию, в которой рассказывается о 35-летней вдохновляющей работе и помещается все это в контекст замечательного мыслительного процесса Флетчера.

17. Искусство дизайнера

Манифест Пола Рэнда 1995 года следует читать, а не листать

Издатель: Princeton Architectural Press | Автор: Пол Рэнд | Дата публикации: 2016

Невероятный ресурс

Проницательные эссе

Послесловие Стивена Хеллера

Многие считают, что Пол Рэнд является одним из отцов современного брендинга. Его имя написано несколькими вдохновляющими книгами.«Дизайн, форма и хаос» — это фантастика, позволяющая погрузиться в его талант к простоте и исследовать мысли, лежащие в основе некоторых из его самых известных личностей. Между тем, A Designer’s Art более глубоко исследует процесс графического дизайна в целом: почему это важно; влияние, которое он может оказать на общество; что работает, что нет и, самое главное, почему.

18. Графический дизайн: руководство пользователя

Руководство для инсайдеров по сложностям современной практики дизайна

Издатель: Laurence King Publishing | Автор: Адриан Шонесси | Дата публикации: 2009

Богатство понимания

Широкий спектр тем

Профессиональное руководство

Еще один полезный ресурс от дизайнера и отраслевого комментатора Адриана Шонесси, Graphic Design: A User’s Manual, дает вам все, что вам нужно знать, чтобы выжить и процветать в сложном, постоянно меняющемся мире графического дизайна.Темы, организованные от А до Я, включают годовые отчеты, бюджетирование, кернинг, презентацию, работу с отклонениями и многое другое. Это занимательный и бесценный ресурс, в котором есть профессиональные советы по всему тому, чему вас не учили в школе дизайна.

19. Маленький всезнайка

Содержит фундаментальную информацию, которую должны знать все дизайнеры

Издатель: Die Gestalten Verlag | Автор: Роберт Клэнтон | Дата публикации: 2007

Незаменимое руководство

Включает социальные сети и SEO

Краткое

Не судите «Маленький всезнайка: здравый смысл для дизайнеров» по ​​обложке или размеру — это, пожалуй, самая полезная книга вы будете владеть собой как дизайнер.Все, от света, цвета и перспективы до закона и маркетинга, охвачено краткими, красиво вырезанными главами. Это такая книга, которую вы никогда не перестанете читать, начав читать; тот вид, к которому вы всегда будете возвращаться, что делает его победителем практически на всех уровнях.

Теория и история дизайна

20. Графический дизайн: история (третье издание)

Информативная и красиво изложенная история дисциплины

Издатель: Laurence King Publishing | Автор: Стивен К. Эскилсон | Дата публикации: 2019

Очень тщательно

Красивые визуальные эффекты

Обновлено для новой редакции

Эта информативная и увлекательная история графического дизайна была обновлена ​​до последней редакции.Graphic Design: A History (третье издание) включает более 500 новых изображений, новую главу о текущих тенденциях в цифровом дизайне и расширенное введение. Этот объемный учебник должен быть на книжной полке каждого студента и журнальном столике каждого агентства.

21. Сеточные системы в графическом дизайне

Подробное руководство по использованию сеточных систем в графическом дизайне

Издатель: Verlag Niggli | Автор: Йозеф Мюллер-Брокманн | Дата публикации: 1999

Бесценный ресурс по сеткам

Подробные примеры

Очень информативный

Сеточные системы в графическом дизайне остается решающим словом в использовании систем сеток в графическом дизайне.Написанное легендарным швейцарским графическим дизайнером Йозефом Мюллером-Брокманном, это руководство по визуальной коммуникации для графических дизайнеров, типографов и 3D-дизайнеров содержит примеры того, как правильно работать на концептуальном уровне. Это ресурс, который необходимо прочитать любому студенту или практикующему дизайнеру — независимо от того, предпочитаете ли вы подход Дэвида Карсона.

(Изображение предоставлено Джоном Бергером)

22. Способы видения

Классическая книга по графическому дизайну, открывающая новые возможности видения

Издатель: Penguin Modern Classics | Автор: Джон Бергер | Дата публикации: 2008 (оригинал 1972 г.)

Открывающая глаза

Книга классического дизайна

Заставляющая задуматься

Как дизайнер, вы в основном занимаетесь созданием визуальных материалов.Если вы хотите создать произведение, чтобы его могли видеть люди, вам нужно понимать, как люди его видят — и именно здесь на помощь приходит искусствовед и художник Джон Бургер «Способы видения». Этот бестселлер, основанный на сериале BBC TV, исследует путь мы смотрим на искусство.

Эта книга привела к «поворотному сдвигу» в исследованиях дизайна Грега Банбери. «Лектор записал несколько страниц из книги« Пути видения », и тут же мне открылся весь мир. Когда я вернулся в класс на следующий день, я был другим учеником», — вспоминает он.«Я начал понимать композицию и контекст в каждой рекламе, которую видел. Я осознал внутреннее напряжение, которое создает реклама, и то, как его воспроизвести. Но самое главное, это заставило меня захотеть создать значимые коммуникации: изображения, которые стоит увидеть».

23. Взаимодействие цвета

Одна из самых важных книг по теории цвета, когда-либо написанных

Издатель: Yale University Press | Автор: Йозеф Альберс | Дата публикации: 2013

Увлекательный

Учебник, обязательный к прочтению

Познавательные упражнения

Взаимодействие цвета, задуманное как руководство и учебное пособие для художников, преподавателей и студентов, является влиятельной книгой, которая представляет уникальное объяснение комплекса Йозефа Альберса принципы теории цвета.С момента первой публикации этого фолианта прошло более 50 лет, но он остается важным источником информации о цвете, демонстрирующим такие принципы, как относительность цвета, интенсивность и температура; колеблющиеся и исчезающие границы; и иллюзия прозрачности и перевернутых позиций.

24. Графический язык Невилла Броуди

Лучшие разработки Броуди

Издатель: Thames and Hudson Ltd | Автор: Джон Возенкрофт | Дата публикации: 1988

Невероятно вдохновляюще

Углубленное введение в Brody

Текст о классическом дизайне

Вы найдете эту книгу в списке обязательных к прочтению на каждом уважающем себя курсе графического дизайна, и не без оснований .Невилл Броуди, возможно, был президентом D&AD и главой глобальной сети студий Research Studios, но, возможно, именно его расцвет в 1980-х годах оказал наибольшее влияние на современный графический дизайн. Впервые опубликованный в 1988 году, «Графический язык Невилла Броуди» исследует мыслительный процесс, лежащий в основе некоторых из его самых известных работ, включая его определяющее жанр художественное руководство журналом The Face.

25. Слева направо

Углубленное исследование влияния технологий на коммуникацию

Издатель: AVA Publishing | Автор: Дэвид Кроу | Дата публикации: 2006

Основополагающий текст

Охватывает широкий круг предметов

Визуальная коммуникация основана на силе семиотики, концепции, которую Дэвид Кроу подробно исследует в этом основополагающем тексте.Работа «Слева направо», посвященная принципам письменного общения и его связи с изображениями, и завершенная проверкой понимания аудиторией, представляет собой ценную оценку академической, но важной теории дизайна.

Дизайнерские монографии

26. Двумерный человек

Пол Сахре представляет новый взгляд на монографию классического дизайна

Издатель: Abrams Press | Автор: Пол Сахре | Дата публикации: 2017

Частичные мемуары

Частичные художественные книги

Частичные размышления о творчестве

Пол Сахре — один из самых влиятельных графических дизайнеров своего поколения и с 1997 года руководит собственной консультационной фирмой по дизайну.Работая в его офисе в Нью-Йорке, среди его клиентов были The New York Times, Google и Marvel Comics, и он читает лекции о графическом дизайне по всему миру. Его книга «Двухмерный человек» — это частично монография, частично автобиография, частично художественная книга и частично размышления о творчестве. Комбинируя личные эссе, в которых обсуждаются реалии живого творчества за свою 30-летнюю карьеру, он доказывает, что юмор может быть спасительной благодатью на всех взлетах и ​​падениях.

27. Вещи, которые я узнал в своей жизни до сих пор

Вдохновляющая книга, наполненная визуальными конфетами от живой легенды

Издатель: Abrams Press | Автор: Стефан Загмайстер | Дата публикации: 2013

Взгляд на гения дизайна

Захватывающие проекты

Очень вдохновляющие

Дизайнер Стефан Загмайстер, уроженец Австрии, Нью-Йорк, за последние несколько лет несколько раз попал в заголовки газет своей обнаженной фигурой рекламные махинации, но две его монографии, опубликованные в 2008 и 2009 годах, полностью посвящены его творческому подходу и результатам.«То, что я узнал в своей жизни до сих пор», вращается вокруг 21 фразы, заставляющей задуматься, преобразованных в типографские работы для различных клиентов по всему миру и с тех пор обновленных. Его второй текст, Made You Look, полностью иллюстрирован красным футляром из ПВХ и охватывает 20 лет его глубокого графического дизайна. Эти двое прекрасно дополняют друг друга.

(Изображение предоставлено: Малика Фавр / Counter Print)

28. Малика Фавре

Празднование иллюстрации Фавра

Издатель: Counter-Print | Автор: Гаррик Вебстер и Малика Фавр (текст), Джон Доулинг и Селин Летерм (дизайн) | Дата публикации: 2018

Большой формат

Отличное понимание графического дизайнера-иллюстратора

Работа Малики Фавр отличается простыми формами и яркими цветами в умных комбинациях, которые создают визуальный двусмысленность, прекрасно воплощенную в ее новой одноименной монографии.

В широкоформатной книге представлены работы французского иллюстратора Фавр, разделенные на некоторые из ее наиболее часто используемых тем, например, женщины с потрясающими обложками для жителей Нью-Йорка; и эротика, в том числе ее блестящий алфавит на основе Камасутры 2013 года. Фавр — иллюстратор графического дизайнера. Смысл — в визуальном послании, и ее работа подкреплена «сетками и геометрическими структурами как основой каждой композиции», как выразился художник.

Обложка книги — идеальное воплощение того, что делает ее иллюстрацию такой привлекательной: небольшой отверстие для пятна красоты и вырезанные надутые губы открываются, чтобы показать другое изображение, хотя и ссылающееся на это лицо, похожее на лицо: лицо женщины в профиль, губы приоткрыты, как будто посылают читателю легкий поцелуй.

(Изображение предоставлено: Роза)

29. Роза: два десятилетия

Обеспечивает качественную работу в элегантной обстановке

Издатель: Rose | Автор: Rose | Дата публикации: 2019

Работа позволила говорить сама за себя

Разнообразное портфолио брендов

Консультационная компания Rose, расположенная на юго-востоке Лондона, уже два десятилетия выполняет превосходную работу. Это долговечность может удивить некоторых, потому что студия, в которой работает всего шесть штатных сотрудников, на сегодняшний день имеет относительно сдержанный профиль.Но в год 20-летнего юбилея компания делает исключение — запускает Rose: Two Decades. Это потрясающая 352-страничная монография, демонстрирующая, почему дизайнерская фирма получила более 150 международных наград за творчество.

Работа может говорить сама за себя посредством изображений на всю страницу и минимального текста (цитата Боба Дилана, одностраничное предисловие и кредиты на обороте). И какая это отличная работа. Демонстрация лучшей идентичности бренда Rose, маркетинговых кампаний, выставочного брендинга и дизайна публикаций для более чем 90 избранных клиентов — таких как BAFTA, Tate Modern, NFL, Royal Mail и 10bet — это одновременно удовольствие для глаз и вдохновение для дизайнерская душа.Кроме того, каждая копия поставляется с сделанной на заказ крышкой с фольгой и переплетом. это вдохновенный и оригинальный подход, который добавляет индивидуальности этому уверенному и элегантному изданию.

Идеи и вдохновение

30. Книга идей, том 2

Вдохновляющее руководство по работе в творческих отраслях

Издатель: Brand Nu Limited | Автор: Радим Малинич | Дата публикации: 2018

Потрясающая работа с трехмерными иллюстрациями

Фрэнк, полезный совет

Более крупный формат может работать лучше

Слишком много перевернутого шрифта

Второй том вдохновляющего журнала «Книга идей» графического дизайнера Радима Малиника набит совет по работе в быстро меняющихся творческих отраслях.Дизайнер, работающий под названием Brand Nu, объединился с Adobe Stock, чтобы создать иллюстрацию обложки, вдохновленную масляной живописью. «Я хочу, чтобы эти книги выглядели на полках немного странно, — говорит он. В «Книге идей 2» рассказывается о размышлениях Малиника о творчестве и работе в дизайне, а также о его ключевых карьерных выводах. «Я хотел бросить вызов традиционной модели книги по дизайну, выпуская свои собственные книги, в которых обсуждаются вещи, которые не обсуждаются другими», — объясняет он. «Увидеть первую копию никогда не устареет. Распечатать и переплести это нечто особенное.»Прочтите наш полный обзор здесь.

31. Продолжайте движение

Подкрепите свое творчество этой вдохновляющей книгой

Издатель: Workman Publishing | Автор: Остин Клеон | Дата публикации: 2019

Битовый совет

Простые советы

Эта короткая и милая книга Остина Клеона станет хорошим подспорьем, если вы когда-нибудь застряли в творческой колее. Продолжайте двигаться: 10 способов оставаться творческими в хорошие и плохие времена дают практические советы для подпитки вашего творчества и могут помочь вам взглянуть на вашу ситуацию или творческую проблему в ином свете.Он содержит забавные диаграммы и рисунки и дает беззаботный, но внимательный взгляд на то, как проявлять творческий подход. Это тот, который нужно держать в сумке на случай творческой необходимости.

(Изображение предоставлено Laurence King Publishing)

32. Книга идей графического дизайна

Фантастическое введение в ключевые элементы хорошего дизайна

Издатель: Laurence King Publishing | Авторы: Стивен Хеллер и Гейл Андерсон | Дата публикации: 2016

Идеи от 50 ведущих дизайнеров

Предотвращает творческий блок

Очень проницательно

Книга идей графического дизайна: Вдохновение от 50 мастеров охватывает все ключевые элементы отличного дизайна, включая плодотворные работы известных дизайнеров, таких как в роли Пола Брэнда, Невилла Броуди и Стефана Загмайстера.Это обязательно вызовет вдохновение и сохранит текучесть творческих соков. Оттачивая эти профессиональные методы, авторы Стивен Хиллер и Гейл Андерсон освежают ваши знания о цвете, повествовании, иллюзиях, юморе, простоте, орнаментах и ​​многом другом.

33. Игра иллюстраций

Предлагает долгожданный отход от цифровой графики

Издатель: Мастерская дизайна Viction | Авторы: Gingko Press | Дата публикации: 2007

Необычные идеи иллюстраций

Эксклюзивные интервью

Яркий дизайн обложки

Во-первых, у Illustration Play одна из самых красивых, особенных и интригующих обложек, которые вы увидите, каждая из которых индивидуально наклеена вручную .Это перекликается с исследовательским подходом, принятым всеми иллюстраторами, представленными в книге, — они ищут новые идеи и способы воплощения концепций в современной иллюстрации. Прекрасный объект.

34. Super Graphic

Обширное визуальное руководство по вселенной комиксов.

Издательство: Хроники | Автор: Тим Леонг | Дата публикации: 2013

Безумно подробный

Потрясающая инфографика

Умело сделано

Какой вопрос Джокера для Бэтмена больше всего нравится? Есть ли больше смертей от людей или зомби в «Ходячих мертвецах»? Это лишь некоторые из вопросов, на которые в этой книге даны ответы с помощью вдохновляющей инфографики.Даже если вы не поклонник комиксов, разнообразие стилей инфографики, предлагаемых в Super Graphic: A Visual Guide to the Comic Book Universe от Тима Леонга, принесет вам массу вдохновения.

Статьи по теме:

Искусство и дизайн — A List Apart

Прославление предполагаемого появления художественного направления в Интернете — одна из последних тенденций в интерактивном дизайне. Ей посвящено несколько галерей. Для этого есть даже плагин. К сожалению, многие дизайнеры не понимают разницы между дизайном и художественным оформлением; что еще печальнее, многие арт-директора тоже не делают этого: художественное руководство придает дизайну содержание.Художественное направление добавляет в дизайн человечности.

Продолжение статьи ниже

Арт-дирекшн — это не «блог-журнал» # section2

Смерть сообщения в блоге популяризирует «блог-журнал», представляющий собой смесь журнальной статьи и сообщения в блоге. В статье утверждается, что представленные дизайнеры открыли новые горизонты и начали привносить в Интернет «художественное направление». Это описание сокращает художественное оформление до не более чем уникального дизайна для каждого сообщения в блоге. Термин blogazine ставит в тупик арт-директоров во всем мире.Это все равно что сказать: «Смотри! Этот блог похож на журнал, потому что все сообщения разные! » Часто «блог-журналы» просто содержат оформленные сообщения в блогах.

Журналы

не ставят своей целью просто украшать истории индивидуально. Их цель — объединить визуальные образы и язык, чтобы усилить смысл рассказа. Вариации дизайна являются результатом этого желания, а не причиной сами по себе. В штате журнала арт-директора и копирайтеры тратят огромное количество времени на мозговой штурм различных способов улучшить историю, от выбора стиля дизайна, выбора связанных функций контента и оттачивания тона рассказа.

Чтобы перенести этот процесс на практику веб-дизайна, нам нужны разные фреймворки, которые дадут нам гибкость в рамках заданного формата. Настраиваемые поля для стилей в системах управления контентом на уровне отдельной публикации — это только начало. Однако возможность писать собственный CSS автоматически не означает, что сообщение в блоге было направлено на искусство. Художественное направление выходит за рамки пользовательских сообщений в блогах. Это нечто особенное и необычное. Художественное направление возвышает и усиливает смысл.

Художественное оформление вносит ясность и четкость в нашу работу; это помогает нашей работе донести конкретное сообщение до определенной группы людей.Художественное направление сочетает в себе искусство и дизайн, чтобы вызвать культурную и эмоциональную реакцию. Он влияет на фильмы, музыку, веб-сайты, журналы — практически на все, с чем мы взаимодействуем. Без художественного руководства мы остаемся с сухими, бесплодными переживаниями, которые легко забываются. Может ли реклама в метро Нью-Йорка о бездомных спровоцировать вас на пожертвование денег? Почему вы хотите умолять Кларис Старлинг обернуться, даже если знаете, что она вас не слышит? Как свечи превращают обычную трапезу в романтический вечер? Художественное направление — это , вызывающее правильные эмоции, , создание связи с тем, что вы видите и переживаете.

Напротив, дизайн — это техническое исполнение этого соединения. Эти цвета совпадают? Удобна ли длина строки для длительного чтения? Это фото в фокусе? Работает ли типографская иерархия? Насколько сбалансирован этот состав?

Если я скажу жене, что люблю ее, но скажу это, хмурясь, она получит смешанные сигналы. Если я скажу это небрежно, пока смотрю телевизор, она может не до конца в это поверить. Но когда я говорю это с искренней улыбкой и букетом цветов, мой смысл ясен.В этом примере моя любовь — это художественное направление, а моя улыбка и темно-красный цвет роз — это дизайн. Они работают рука об руку, чтобы донести точку зрения эмоционально и физически. Дизайн — это совершенство техники; Художественное направление — это важная, но иногда неосязаемая эмоция, лежащая в основе дизайна.

Вот несколько советов о том, как подойти к дизайну и художественному руководству, если вы заметите различия в своей работе:

Различный подход к художественному оформлению и дизайну

Инструмент	Арт-дирекция	Дизайн
Цвет	Подходит ли эта цветовая гамма к бренду? Соответствует ли это ситуации? Яркие цвета могут не соответствовать грустному посланию.	Эти цвета хорошо смотрятся вместе? Они вибрируют? Является ли каждый цвет лучшим выбором для материала, например, образец Pantone для печати, безопасный для Интернета в Интернете?
Типографика	Что означает этот шрифт? Как сами формы букв передают сообщение без слов? Comic Sans может быть слишком глупым, но Helvetica может быть слишком ванильным.	Создает ли мой набор размеров шрифта правильную визуальную иерархию? Достаточно ли у этого шрифта веса для использования в этом контексте?
Состав	Насколько сбалансированной должна быть эта композиция? Сбалансированные композиции приятны, но часто пассивны.Несбалансированные композиции часто бывают непростыми и тревожными, но визуально более интересными.	Ровны ли мои поля? Есть ли в визуальных эффектах естественный ритм, который направит взгляд человека через произведение?
Концепт	Насколько хорошо визуальные эффекты поддерживают и передают настроение бренда? Какую идею или историю передает дизайн?	Насколько хорошо визуальные эффекты соответствуют руководящим принципам бренда в отношении расстояния между логотипами, соответствующей типографики и цветовой палитры?
Всего	Это хорошо?	Хорошо выглядит?

Не верьте мне на слово # section4

Я попросил нескольких друзей взвесить разницу между дизайном и художественным оформлением.Вот что они сказали:

Дизайн — это решение проблем, независимо от того, являетесь ли вы дизайнером или арт-директором. Эти две роли различаются тем, что дизайнер больше озабочен исполнением, а арт-директор — стратегией, лежащей в основе этого исполнения ».

—Фил Коффман, арт-директор, Springbox

Дизайн — это как. Это основа всей коммуникации, процесса и создания типографики, цвета, масштаба и размещения. Арт-дирекшн — вот почему.Это концепция и решения, которые охватывают весь продукт.

«Помимо этого, это участие, восприятие и политика».

— Джаррод Риддл, старший художественный руководитель, Big Spaceship

Акт проектирования отличается от акта художественной постановки. Арт-директора — , предположительно, — разработчики концепции. Предполагается, что дизайнеры , , воплотят идеи в жизнь и воплотят концепцию в жизнь. Однако важно отметить, что это почти никогда не бывает таким черно-белым.Дизайнеры до арт-директ и арт-директора до дизайн.

«По моему опыту, процесс гораздо более совместный. Идеи определяют концепцию и наоборот ».

—JD Hooge, директор по дизайну Gridplane

Художественное направление — это фильтр для вынесения суждений; вы проходите через него каждый выбор дизайна. Начните с определения общей эмоции. Все копии, фотографии, элементы пользовательского интерфейса, кнопки и кухонная раковина должны противоречить этому идеалу.Мне нравится думать об этом как о волшебном калейдоскопе зазеркалье. Это помогает определить, какой путь мне нужно выбрать, когда я борюсь с дизайнерскими решениями.

—Кристофер Кэшдоллар, креативный директор Happy Cog

Я преподавал графический дизайн в Университете искусств в Филадельфии. В задании, которое я позаимствовал у креативного директора Happy Cog Кристофера Кэшдоллара, я попросил студентов выбрать полоски бумаги из каждой из трех шляп. Первая шляпа содержала задание, вторая шляпа содержала различные элементы дизайна, а третья шляпа содержала художественное направление.Заданием студента может быть редизайн домашней страницы отдела графического дизайна. Направление дизайна может указывать на темные цвета и швейцарскую типографику, а художественное направление — на «счастливые» и «веселые». Другой студент может получить элементы дизайна, включающие землистую цветовую палитру и шрифтовые шрифты, для создания меню для ресторана, чье художественное оформление является элитным и формальным.

Рис. 1 Формальный подход к обучению разнице между художественным руководством и дизайном дал некоторые интересные результаты для этих студентов.

Скорее теоретическое упражнение, чем практическое, учащиеся начали понимать, какие сочетания были более естественными: яркие цвета легче работать для создания счастливых предметов. Гарнитура шрифта — это элемент дизайна, который естественным образом делает работу формальной.

Что еще более важно, ученики начали понимать необычные и захватывающие возможности необычных комбинаций. Как создать счастливый веб-сайт с использованием темных цветов? Вы можете создать уникальный стиль иллюстрации, соединяющий эти два понятия.Как сделать брошюру формального вида без шрифтового шрифта? Попробуйте шрифт среднего размера со светлыми засечками на темном фоне с орнаментом. Хотя это стереотипные примеры, учащиеся научились понимать, как заставить мир увидеть то, что они хотели, несмотря на то, что они работали в жестких ограничениях. Художественное направление выходит за рамки ограничений; фактически, он процветает в них.

Плохо спроектировано, хорошо художественно оформлено # section6

Выполните поиск изображений по запросу «с днем ​​рождения.«Вы найдете одни из самых ужасных преступлений против дизайна, которые когда-либо совершались: чрезвычайно оскорбительные цветовые схемы. Отталкивающая типографика. Картинки кладбища.

Тем не менее, все они передают суть: веселье, праздник и счастье. Большинство из них плохо спроектированы, но все мы от природы знаем, как нарисовать поздравительную открытку. Неслучайно все они тяготеют к схожей цветовой палитре, типографике и обмену сообщениями — если это можно даже так назвать. Очевидное радостное художественное направление практически диктует элементы дизайна.Основы дизайна, такие как системы сеток и золотое сечение, не совсем привычные термины, но большинство людей неявно понимают направление искусства.

Рис. 2 Дизайн заставляет мои глаза кровоточить, но направление искусства точное.

Широко варьирующаяся роль «арт-директора» усугубляет путаницу вокруг разницы между художественным руководством и дизайном. С одной стороны, некоторые агентства нанимают арт-директоров, которые плохо разбираются в дизайне, но понимают его достаточно хорошо, чтобы давать указания дизайнерам.С другой стороны, у некоторых агентств есть «арт-директор» в качестве следующего логического уровня оплаты на пути к тому, чтобы стать опытным дизайнером. Большинство рабочих мест находятся где-то посередине.

Многие небольшие агентства не нанимают арт-директора по разным причинам. Этот факт вводит нас в заблуждение, заставляя думать, что художественное руководство является необязательной частью творческого процесса. Однако верно обратное. Художественное направление настолько важно, что его никогда не пропускают, а лишь непреднамеренно и подсознательно выполняют дизайнеры, которые часто не готовы к такой ответственности.

В их превосходной книге Art Direction Explained, наконец! , Стивен Хеллер и Вероник Вьенн выделяют должность арт-директора:

Арт-директора должны выполнять одну основную деятельность: они должны «руководить». Если они этого не делают, они не являются арт-директорами. Хотя это не должно означать, что арт-директора должны проявлять высокомерие или жесткость, это означает, что они имеют «божественное право экспертизы». Художественный директор не всегда может иметь последнее слово … но он или она должны оставаться окончательным арбитром искусства и дизайн… Первое правило — принимать решения, второе — принимать правильные решения…

«Каждый арт-директор должен начинать с убеждения, что его или ее работа — вести, а не следовать, направлять, а не направлять, быть как можно более сильным и не соглашаться на линию наименьшего сопротивления.”

Однажды я участвовал в процессе проектирования, когда несколько дизайнеров предлагали независимые концепции одному и тому же клиенту. Основываясь на модели внештатного сотрудника, мы сделали наш процесс неиерархическим — скорее совместным, чем конкурентным, — но нам часто не хватало единого видения по каждому проекту.

Каждый дизайнер отвечал за художественное направление и дизайн (не говоря уже о творческом направлении , , отдельная тема) наших соответствующих композиций. Будучи молодым дизайнером, я хорошо разбирался в элементах, необходимых для создания подходящего дизайна: цвете, типографике, макете и т. Д.Но мне не хватало опыта, чтобы быть хорошим арт-директором, особенно, чтобы руководить самим искусством. Без арт-директора, который контролировал бы мою работу, я создавал хорошо продуманные произведения, которые плохо ориентировались на искусство.

Многие считают «внешний вид» синонимами, а не дополнениями, рассматривая их как синонимы. Создание дизайна — это создание «внешнего вида». Однако это «ощущение» требует особого внимания со стороны опытного арт-директора, чтобы гарантировать, что сообщение не скомпрометировано.

Рис.3 Слава богу, у клиента хватило мудрости отклонить мой комп. Хотя дизайн может быть хорошо выполнен — ​​широкая типографская иерархия, гармоничные цветовые схемы, строгая сетка, динамическая композиция — художественное направление не совсем подходит для этой некоммерческой организации. Это слишком модно, главный герой в заголовке указывает на неловкость, а брызги краски действительно не имеют ничего общего с брендом.

Веб-сайт New York Times сегодня имеет то же художественное направление, что и в 1997 году: минималистичный и ненавязчивый, он позволяет читателю объективно интерпретировать истории с небольшим влиянием визуальных эффектов.Дизайн мог развиваться с годами, но художественное направление сохраняется. Когда я спросил об этом бывшего директора по дизайну NY Times Хои Виня, он подчеркнул необходимость обновления дизайна, сохраняя при этом периферийное художественное направление:

Один раз в месяц, один раз в неделю, даже один раз в день — это норма, которую люди могут выдержать. Это больше не так; цифровая публикация происходит настолько быстро, насколько это возможно, так часто, как это возможно, постоянно. Это не человеческий график, это машинный график, и это делает чрезмерное художественное руководство экономически невыгодным.”

Рис. 4 Поскольку минимальное художественное направление осталось неизменным, дизайн New York Times с годами обновлялся, чтобы адаптироваться к меняющимся потребностям читателей.

Мы не занимаемся художественной режиссурой больше, чем раньше. Статья Стивена Хэя «Art Direction в Интернете» применима сейчас так же, как и шесть лет назад. Но мы обращаем внимание на то, как мы говорим то, что хотим сказать, на более детальном уровне. Мы почти усовершенствовали искусство разработки шаблонов, то есть разработали структуру на основе того, что мы хотим сказать, но мы все еще учимся разрабатывать страницы и создавать моменты.В своем интервью 8 Faces Ян Койл говорит:

Я осознал силу фактического создания момента: момент для паузы, момент для чтения, момент для размышлений. В любой песне — в любом произведении искусства — не может быть всех высоких нот. У вас должны быть моменты, когда люди могут это слушать или волноваться. Даже минуты молчания.

Здесь процветает арт-дирекшн: решайте, какие моменты кричать с горных вершин, а какие хранить в секрете.

Мы определили художественное направление, но как оно выглядит на практике? Очень интересно, когда вы находите произведение, в котором история и дизайн поддерживают друг друга и позволяют проявиться концепции.Несмотря на то, что они редки и редки, отличное художественное оформление и дизайн в Интернете не являются недостижимыми.

Рис. 5 Launchlist: выигрышная комбинация художественного оформления, текста и дизайна.

Рассмотрите Launchlist, «универсальный контрольный список веб-сайтов», который вы можете использовать, чтобы убедиться, что ваш веб-сайт запускается плавно. Метафора запуска космического челнока информирует нас о решениях, лежащих в основе ощущений, внешнего вида и сообщений. Небесный фон и медленно движущиеся облака — не случайный (или бесполезный) выбор.Металлическая цветовая схема интерфейса предполагает физическую консоль. Умные ползунки да / нет вместо флажков создают ощущение, что вы завершаете процесс, а не переключаете элемент браузера по умолчанию. Сообщения о состоянии, в том числе «запускать не рекомендуется» или «начать запуск», усиливают смоделированную среду управления полетом. Все детали улучшают впечатление.

Это отличный пример художественного направления в том смысле, что он затрагивает наше воображение. Если мы можем сделать это для всех, кто взаимодействует с тем, что мы создаем, мы сделали для них гораздо больше, чем могли надеяться.

Когда умер дедушка, я написал об этом. Я хотел поделиться своими воспоминаниями о его жизни. Я считал художественное направление, настроение того, что я хотел сказать: рефлексивный, мрачный, благоговейный. Я хотел создать цифровой мемориал.

У меня есть система для моего сайта — строгие шаблоны, ограничивающие большую гибкость, — поэтому я работал в рамках этих ограничений. Вместо того, чтобы создавать большие заголовки в стиле таблоидов, как я обычно делаю, я умеренно поставил этот заголовок маленькими заглавными буквами и увеличил пространство вокруг него.Мне не нужно было ничего радикального делать с цветами, макетом или изображениями. Я просто немного изменил свой дизайн, чтобы учесть изменение художественного направления статьи.

Я не хотел менять дизайн ради самого себя. Я хотел, чтобы мои читатели поняли, насколько особенным был для меня мой дед. Я хотел убедительно передать свои мысли и чувства и изменить их жизнь, пусть даже немного. Я хотел, чтобы они сочувствовали мне, были со мной частью момента.Художественное направление, а не только дизайн, — вот что имело значение.

Примеры личных заявлений в области искусства и дизайна

Наши личные утверждения в области искусства и дизайна вдохновят вас написать свои собственные и помогут понять, как другие студенты, изучающие искусство и дизайн, успешно подавали заявки на курс в прошлом.

Мое воображение всегда было невероятной движущей силой в моей жизни, оно влияло и оказывает влияние почти на все, что я делаю. Для меня это всегда был самый естественный и легкий способ выразить себя…

За последние четыре года я постоянно стремился получить и улучшить свои знания по всем аспектам Интернета. Сначала я изучал HTML и CSS через канал YouTube под названием thenewboston; предоставленные уроки помогли мне заложить основу, на которой я мог позже развить …

Мне всегда нравилось искусство с раннего возраста. Мое самое раннее воспоминание об этом — рисование на листах компьютерной бумаги и вырезание старых рождественских открыток для создания новых изображений. Я помню, как большую часть своего детства провел, просто рисуя, и вдохновлялся на создание и дизайн всего и вся! Эта любовь к искусству осталась со мной, развивалась и росла, и теперь я не могу представить, что хочу заниматься чем-то еще…

Когда я был моложе, я бросался в мир супергероев, я не знал ничего лучше, чем мир этих персонажей, таких как человек-паук, бэтмен, люди икс. Тот факт, что такая простая идея, созданная одним человеком, может быть воплощена в нечто настолько удивительное и занимательное, всегда впечатлял меня, но я хотел создать своего собственного супергероя …

Искусство всегда было важной частью моей жизни. Я помню свою первую картину, и я вспоминаю, как мне хотелось, чтобы у меня было больше времени, чтобы сделать ее лучше.Еще в детстве я стремился к лучшему в своей работе. Я предпочитаю изобразительное искусство всему остальному, поскольку изобразительное искусство для меня обладает большим потенциалом, чтобы охватить эмоции художников и может содержать большую глубину и концепцию, чем любые другие медиа …

После моего опыта работы в Blitz The Net, В компании, занимающейся дизайном веб-сайтов, я обнаружил, что очень интересуюсь дизайном веб-сайтов и мультимедийным дизайном. Я начал получать удовольствие от работы и не воспринимал это как рутинную работу Мне казалось естественным выбрать интересующую меня степень…

Хотя в школе я шел скорее академическим, чем творческим путем, я всегда был очарован узорами, которые встречаются в искусстве, архитектуре и мире природы, а рисунок и живопись повысили мое понимание их …

У языков есть талант увлекать меня. Существует такой ассортимент написанных и произнесенных слов, а также форм персонажей. Язык сам по себе является формой искусства и очень вдохновляет меня …

Единство в работе любого художника возникает из того факта, что человек, попавший в безвыходное положение, будет вести себя определенным образом…. — Франк Ауэрбах. Я полностью согласен с этим утверждением, и что творчество в искусстве во многом зависит от состояния ума художника …

Теория, лежащая в основе отношений между авторитетными фигурами мировой власти, вызывает у меня свежий и неотразимый интерес. Возможность узнать о современной международной системе поможет мне сформировать более структурированное и компетентное мнение по мировым проблемам и взаимосвязям, подготовив меня к карьере на международном уровне…

Путешествовать в искусстве — значит идти по бесконечному пути; вы никогда не узнаете все, что нужно знать или увидеть, и не откроете для себя все, что есть на свете. Вы обнаружите, что 10 лет идете по этому пути, все еще открывая для себя новые вещи, вдохновляясь и вдохновляясь самыми обычными вещами, задавая вопросы о средствах массовой информации, с которыми мы сталкиваемся, будь то дизайн C … что в двухстах независимых странах мира существует 6800 различных разговорных языков, что создает огромное пространство языковых барьеров, жестов руками и утерянных переводов…

Многолюдная и захламленная гостиная в таунхаусе с низким доходом. Стэнсфилд наклоняется и видит Леона, лежащего в луже воображаемой крови, которая впитывается в уже испачканный ковер. Леон использует последние силы, чтобы поднять сжатый кулак к Стэнсфилду …

Решение изучать искусство и дизайн в качестве университетского курса — это то, над чем я размышлял много времени. После конференции с друзьями и наставниками я решил, что это правильное решение для меня, поскольку, хотя я лучше успеваю в учебе по другому предмету, моя настоящая страсть заключается в искусстве и дизайне…

Для меня искусство как загадка, которую нужно разгадывать. Я рассматриваю произведение искусства как концентрацию идеи или концепции в физическом объекте. Идея или концепция редко становятся очевидными, просто глядя на кусок; для его интерпретации требуется анализ или тщательная проверка …

Творческая деятельность всегда привлекала мое внимание, с юных лет я рисовал, раскрашивал, вырезал и творил! Я до сих пор очень похож на эту, я теряю счет времени и работаю до предела …

Проходя по жизни, я обнаружил, что, несмотря на то, что мне нравились различные работы, которые я брал, лучшее из все они — это то, на чем сидит сердце.До недавнего времени я мог только мечтать учиться в сфере искусства и дизайна …

Хотя китайская гравюра на дереве имеет 2000-летнюю традицию, китайские художники-печатники десятилетиями отсутствовали на международной арене искусства. За последние годы несколько выставок о современной китайской гравюре прошли за пределами Китая, но некоторые крупные выставки в таких известных музеях, как Британский музей, вероятно, приведут к прорыву на международной арене искусства …

Любопытство — причина, по которой я выберите изучение искусства.Искусство захватывающих маленьких путешествий заставляет меня создавать маленькие истории, которые составляют обыденную жизнь. Изучение искусства сделало меня более осведомленным об окружающем мире …

Когда я был молод, мои друзья всегда хотели приходить ко мне домой после школы, потому что моя мама разрешала нам рисовать. У нас был большой мольберт, большой запас порошковых красок, фломастеров и карандашей …

Я мечтаю о фотографии … Воспоминания о том, как смотреть сквозь размеченное пальцем оконное стекло, камера на моя сторона, поезд качается, объекты проезжают, разрозненные перспективы через объектив.Я думаю о различных способах интерпретации фотографий …

С момента получения национального диплома по графическому дизайну я чувствую, что у меня была возможность и свобода экспериментировать и полностью исследовать свои идеи. Я смог расширить и развить свои навыки визуального общения, и теперь я могу создавать более эффективные и убедительные образы …

«Жизнь бьет и сокрушает душу, а искусство напоминает вам, что у вас есть одна» Стелла Адлер. Там, где линия нормальности в глазах художников формируется по-разному, поскольку все относительно, существует свобода, которую могут создать только художники — пространство, цвет и текстура, на которых лежит эта линия нормальности, чтобы сделать ее единой. все…

Я был принят на программу Foundation Diploma в области искусства и дизайна благодаря моему портфолио фотографии. Пока я продвигался по курсу, я прошел модуль, который охватывал как графический дизайн, так и фотографию …

В этом году я учился на HNC в прикладном искусстве, чтобы получить ценный опыт в ряде новых медиа и развивать свои художественные навыки. Меня интересуют все области искусства и дизайна, особенно дизайнерские ремесла, такие как текстиль…

Анимация поражала меня с самого детства, и я всегда помню, как смотрел «Бэтмен: мультсериал» каждое субботнее утро, и я думаю, что именно этот мультфильм сделал меня большим поклонником анимации в целом …

Дизайн — это часть нашей повседневной жизни. В наших домах, в наших городах и даже в наших гардеробах каждый аспект возник благодаря дизайну. Я считаю, что нужно быть творческим, целеустремленным и усердным, когда дело касается изучения различных областей искусства и дизайна…

Подобно сверкающим призмам, современные художественные выражения значительно возникли в многогранных формах. Фактически, в настоящее время мы постоянно находимся под несколькими одновременными стимулами, и в результате кажется, что наше восприятие все больше привыкает к этому шаблону …

С раннего возраста я находил искусство увлекательным. Я считаю, что искусство оспаривает утверждения о том, что люди — просто скучные биологические машины. Искусство позволяет мне превращать образы в моем сознании во что-то осязаемое.Способность превращать воображение в реальность интригует меня …

Я часто обнаруживал, что то, что заставляет меня достигать чего-либо, зависит исключительно от моего вопрошающего характера, я люблю исследовать неизвестное и визуализировать вещи с другой точки зрения. другие, искусство — один из тех уникальных и разнообразных предметов, которые позволяют выражать идеи с помощью ряда средств, одно не ограничивается простым карандашом и рисованием …

Я очень хочу стать творцом. Я хочу помочь людям жить в подходящих и красивых домах.Я хочу научиться делать их жизнь красивее и уютнее. И я считаю, что могу добиться того, что благодаря упорному труду, больших усилий и посвятить достаточное количество времени …

Studying фонд в Дизайна дал мне лучше понять, какой путь я хочу следовать в будущем. Меня всегда интересовало создание графического дизайна с использованием компьютерного программного обеспечения, но теперь я обнаружил, что использование традиционных средств столь же приятно, если не более выгодно …

Проходя через центр города Шеффилд, я замечаю, что все смотрят прямо перед собой , глаза впились в их путь, Но мои глаза, как будто не в силах их контролировать, смотрят вверх, обращая внимание на геометрические формы, утопающие в архитектуре, на то, как яркое и щедрое полуденное солнце…

В университете я надеюсь изучать графический дизайн, причина этого в том, что с юных лет я всегда очень интересовался рекламой и графическим дизайном. Все, что нас окружает, было разработано, и это всегда восхищало. я, я хотел участвовать и быть частью этого …

«Ни один великий художник никогда не видит вещи такими, какие они есть на самом деле. Если бы он это сделал, то перестал бы быть художником », — Оскар Уайльд. Это мир, в котором я стремлюсь быть, мир, в котором мне не нужно видеть вещи такими, какие они есть на самом деле, а только как произведения искусства…

Дизайн интерьеров всегда интересовал меня. Это потому, что у меня есть страсть к дизайну интерьера, которая выросла из любви к созданию каталогов. Мой интерес вырос благодаря просмотру программ, связанных с проектированием домов …

Колледж — в настоящее время я изучаю курс по доступу к информационным технологиям и бизнесу в Мидлсбро, который включает в себя вычисления, математику, программирование и веб-дизайн. Из всех модулей, которые я изучаю, мне больше всего нравится веб-дизайн, так как мне действительно нравятся задачи, связанные с созданием веб-сайта, от макета, цветовой схемы до разработки графики для веб-сайта, а также используемых программ, таких как Dreamweaver и Photoshop, но хотелось бы лучше понять веб-дизайн на более высоком уровне…

Основная причина, по которой я приехал в Англию, заключалась в том, чтобы продолжить свою страсть к искусству и дизайну, чтобы узнать больше о различных дисциплинах и развить свое творческое мышление. Моя работа в первую очередь связана с коммуникацией, и я использую широкий спектр подходов в ее выполнении …

Когда появилась возможность объединить искусство с некоторыми другими моими предметами, я ухватился за этот шанс. Английский и искусство — мои любимые комбинации. Я иллюстрировал рассказы, набрасывал слишком подробные раскадровки, чем это было строго необходимо для моего медиа-проекта, и переводил отрывок из шекспировского сценария в попытку создания комикса в стиле Франка-Миллера…

Мне не терпится стать творцом, разрабатывать и производить вещи, которые как-то улучшают жизнь людей, вдохновляют их самими творцами — я вырос в семье, полной музыки и искусства, и увлекся творениями, которые я видел вокруг меня …

Мой предыдущий опыт был очень широким и разнообразным. Я вырос в 60-х недалеко от Дартингтона, и Тотнес — все искусство и ремесла, которыми я был окружен, оказали на меня огромное влияние. Гуляя по Плимуту-Барбикану в подростковом возрасте, я восхищался и всегда был очарован творчеством Роберта Ленлевича…

Почему я хочу изучать искусство? Искусство — очень важная часть моей жизни, которая началась, когда я был ребенком, и пережил вместе со мной хорошие и плохие времена. Искусство вдохновляет людей, напоминает им, что они не одиноки, и всегда есть причина продолжать …

Как моя точка входа в дизайн и средства массовой информации, создание графических и визуальных работ было моим основным навыком на протяжении многих лет. Однако недавно я обнаружил, что мои аналитические навыки и навыки решения проблем также подходят для моего растущего интереса и участия в дизайне UI / UX, а также в планировании и создании приложений…

Раз за разом я занимаюсь субъективной точкой зрения, которую выражает искусство. Искусство основано на убеждениях, идеологиях и чувствах, трех чертах, которые изображают людей, формируют людей и создают индивидуализм …

Честно говоря, я не могу представить себя занимающимся чем-то другим, кроме изучения искусства, точно так же, как я отказываюсь думать в профессиональном будущее вне этой области. На самом деле я изучаю искусство в Испании и чувствую, что с тех пор, как я начал изучать искусство формально, моя жизнь полностью изменилась…

Мое увлечение играми началось, когда The Legend of Zelda: The Wind Waker вышла на Gamecube, после чего у меня возникло постоянное желание быть частью игровой индустрии. Я бесконечно очарован контрастными впечатлениями, которые вы можете испытать с играми, и людьми, которые готовы посвятить так много времени новому опыту …

«Что это?» Грибы. «Что это?» Бобы. «Что это?» Кукуруза. Ответы становились все более раздражающими. В детстве я рос как «Что это?» ребенок.Бросаю вопросы направо и налево, желая знать, исследовать …

В течение моей жизни я обнаружил, что: «Искусство — это пароль к самому себе». Это привлекательный путь, который позволяет нам воссоздать себя, исследовать свое прошлое и даже позволяет нам превращать абстрактные чувства и идеи в нечто конкретное …

Восприятие искусства как профессии — рискованное, но захватывающее путешествие, в котором вы продолжаете исследовать и исследовать видение мира под разными углами, цветами и создание для него, чтобы повысить его ценность.Креативная индустрия обычно рассматривается как худшая и не требующая усилий работа большинством людей, от которых я слышал …

Я помню, как в детстве смотрел такие шоу, как «Я хочу свою комнату» и «Грандиозные проекты», и думал, как изменить комната или здание могут так сильно повлиять на чью-то жизнь. С тех пор я хотел направить свой талант в дизайн интерьеров …

покраска | История, Художники, Элементы, Техники, Типы и Факты

Живопись , выражение идей и эмоций с созданием определенных эстетических качеств на двухмерном визуальном языке.Элементы этого языка — его формы, линии, цвета, тона и текстуры — используются различными способами для создания ощущений объема, пространства, движения и света на плоской поверхности. Эти элементы объединены в выразительные паттерны, чтобы представить реальные или сверхъестественные явления, интерпретировать тему повествования или создать полностью абстрактные визуальные отношения. Решение художника использовать конкретный материал, такой как темпера, фреска, масло, акрил, акварель или другие краски на водной основе, чернила, гуашь, энкаустика или казеин, а также выбор определенной формы, такой как фреска, мольберт, панно, миниатюра, иллюминация рукописи, свиток, экран или веер, панорама или любая из множества современных форм основаны на чувственных качествах и выразительных возможностях и ограничениях этих опций.Выбор средства и формы, а также собственная техника художника объединяются для создания уникального визуального образа.

Ранние культурные традиции — племен, религий, гильдий, королевских дворов и государств — в значительной степени контролировали ремесло, форму, образы и предметы живописи и определяли ее функции, будь то ритуальные, религиозные, декоративные, развлекательные или образовательные. Художники работали скорее как искусные мастера, чем как творческие художники. Позже понятие «прекрасный художник» получило развитие в Азии и Европе эпохи Возрождения.Выдающимся художникам был предоставлен социальный статус ученых и придворных; они подписали свои работы, определились с их дизайном, а часто и с предметом и изображениями, и установили более личные — если не всегда дружеские — отношения со своими покровителями.

В 19 веке художники в западных обществах начали терять свое социальное положение и получать покровительство. Некоторые художники противодействовали снижению поддержки со стороны патронажа, проводя собственные выставки и взимая плату за вход. Другие получали доход от передвижных выставок своих работ.Необходимость обращения к рынку заменила аналогичные (хотя и менее безличные) требования покровительства, и ее влияние на само искусство, вероятно, также было аналогичным. Как правило, художники ХХ века могли достучаться до публики только через коммерческие галереи и государственные музеи, хотя их работы, возможно, время от времени воспроизводились в периодических изданиях по искусству. Им также могли помочь финансовые награды или комиссионные от промышленности и государства. Однако они получили свободу изобретать собственный визуальный язык и экспериментировать с новыми формами, нетрадиционными материалами и методами.Например, некоторые художники сочетали другие медиа, такие как скульптура, с живописью для создания трехмерных абстрактных дизайнов. Другие художники прикрепляли к холсту реальные объекты в виде коллажей или использовали электричество для работы с цветными кинетическими панелями и коробками. Художники-концептуалисты часто выражали свои идеи в форме предложения о несбыточном проекте, а художники-перформансы были неотъемлемой частью их собственных композиций. Неугомонное стремление расширить границы выражения в искусстве привело к постоянным международным стилистическим изменениям.Часто ошеломляющая последовательность новых движений в живописи была дополнительно стимулирована быстрым обменом идеями посредством международных журналов по искусству, передвижных выставок и художественных центров. Такие обмены ускорились в 21 веке с появлением международных художественных ярмарок и социальных сетей, последние из которых предлагали не только новые средства выражения, но и прямое общение между художниками и их последователями. Хотя стилистические движения было трудно идентифицировать, некоторые художники обращались к общим социальным проблемам, включая широкие темы расизма, прав ЛГБТК и изменения климата.

Эта статья посвящена элементам и принципам дизайна в живописи, а также различным средствам, формам, изображениям, предметам и символам, используемым, принятым или созданным художником. По истории живописи в Древнем Египте, см. Египетское искусство и архитектура. Развитию живописи в разных регионах посвящен ряд статей: западная живопись; Африканское искусство; Центральноазиатское искусство; Китайская живопись; Исламское искусство; Японское искусство; Корейское искусство; Искусство коренных американцев; Океаническое искусство и архитектура; Искусство Южной Азии; Искусство Юго-Восточной Азии.По вопросам консервации и реставрации картин, см. консервация и реставрация произведений искусства. Для обсуждения подделки произведений искусства, см. подделка. Для обсуждения роли живописи и других искусств в религии, а также использования религиозных символов в искусстве, см. религиозный символизм и иконография. Для получения информации о других искусствах, связанных с живописью, см. статьи, такие как рисунок; народное искусство; эстамп.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.Подпишись сейчас

Руководство по анализу искусства

Знание того, как написать формальный анализ произведения искусства, является фундаментальным навыком, приобретаемым на уроках уровня оценки искусства. Учащиеся, изучающие историю искусств, и старшие классы дополнительно развивают этот навык. Используйте этот лист в качестве руководства при написании аналитической работы. При анализе произведения искусства учитывайте следующее. Не все применимо к каждому произведению искусства, и не всегда полезно рассматривать вещи в указанном порядке.При любом анализе помните следующее: КАК и ПОЧЕМУ это значительное произведение искусства?

Часть I — Общая информация

1. Во многих случаях эту информацию можно найти на этикетке или в путеводителе галереи. Высказывание художника может быть доступно в галерее. Если да, укажите в своем тексте, в сноске или конце статьи, откуда вы получили эту информацию.
2. Предмет вопроса (кто или что представляет?)
3. Художник или архитектор (Какой человек или группа сделали это? Часто это неизвестно.Если есть имя, называйте этого человека художником или архитектором, а не «автором». Обращайтесь к этому человеку по фамилии, а не по имени.)
4. Дата (Когда это было сделано? Это копия чего-то более старого? Была ли сделана до или после других подобных работ?)
5. Происхождение (Где это было сделано? Для кого? Типично ли это для искусства той или иной географической области?)
6. Местоположение (Где сейчас произведение искусства? Где оно было первоначально расположено? Смотрит ли зритель на него вверх или вниз? Если оно не на исходном месте, видит ли зритель его так, как задумал художник? Может видно со всех сторон или только с одной?)
7. Technique and Medium (Из каких материалов он сделан? Как он был выполнен? Насколько он большой или маленький?)

Часть II — Краткое описание

В нескольких предложениях опишите работу.На что это похоже? Это изображение чего-то? Расскажите, что показано. Это что-то абстракция? Расскажите, о чем идет речь, и на каких аспектах делается упор. Это беспредметная работа? Расскажите, какие элементы доминируют. Этот раздел еще не является анализом работы, хотя здесь могут быть использованы некоторые термины, использованные в Части III. Этот раздел состоит в основном из нескольких предложений, чтобы дать читателю представление о том, как выглядит произведение.

Часть III — Форма

Это ключевая часть вашей статьи.Это должен быть самый длинный раздел бумаги. Убедитесь и подумайте, является ли выбранное произведение искусства двухмерным или трехмерным.

Элементы искусства

1. Линия (прямая, изогнутая, угловая, плавная, горизонтальная, вертикальная, диагональная, контурная, толстая, тонкая, подразумеваемая и т. Д.)
2. Форма (какие формы создаются и как)
3. Свет и значение (исходный, плоский, сильный, контрастный, ровный, значения, выделение, тени)
4. Цвет (основной, дополнительный, смешанный, дополнительный, теплый, холодный, декоративный, значения)
5. Текстура и узор (реальные, подразумеваемые, повторяющиеся)
6. Пространство (глубина, перекрытие, виды перспективы)
7. Время и движение

Принципы проектирования

1. Единство и разнообразие
2. Равновесие (симметрия, асимметрия)
3. Упор и подчинение
4. Масштаб и пропорции (вес, соотношение предметов или фигур между собой и окружение)
5. Масса / Объем (трехмерное искусство)
6. Ритм
7. Функция / настройка (архитектура)
8. Взаимосвязь интерьера и экстерьера (архитектура)

Часть IV — Мнения и выводы

Это часть статьи, в которой вы выходите за рамки описания и предлагаете заключение и свое собственное обоснованное мнение о работе.Любые заявления, которые вы делаете о работе, должны основываться на анализе, приведенном в Части III выше.

1. В этом разделе обсудите, как и почему ключевые элементы и принципы искусства, используемые художником, создают смысл.
2. Поддержите обсуждение содержания фактами о работе.

Общие предложения

1. Обратите внимание на дату подачи бумаги.
2. У вашего преподавателя может быть список «утвержденных работ», о которых вы можете написать, и вы должны знать, когда галереи UALR, галереи Центра искусств Арканзаса или другие выставочные площади открыты для публики.
3. У вас должно быть время, чтобы просмотреть работу, о которой вы планируете написать, и сделать заметки.
4. Названия произведений искусства всегда выделяйте курсивом или подчеркивайте. Если заголовок длинный, вы должны использовать полный заголовок при первом упоминании, но можете сократить заголовок для последующих списков.
5. Используйте настоящее время при описании произведений искусства.
6. Будьте конкретны: не называйте «рисунок» или «произведение искусства», если более точным является «рисунок», «живопись» или «фотография».
7. Помните, что любая информация, которую вы используете из другого источника, будь то ваш учебник, настенная панель, каталог музея, художественный словарь, Интернет, должна быть оформлена сноской.Невыполнение этого требования считается плагиатом и нарушает поведенческие стандарты университета. Если вы не понимаете, что такое плагиат, перейдите по этой ссылке на веб-сайте UALR Copyright Central: https://ualr.edu/copyright/articles/?ID=4
8. Для правильной формы сноски см. Веб-сайт Департамента искусства UALR или Краткое руководство Барнета по написанию статей об искусстве, основанное на Чикагском руководстве по стилю. Стиль MLA не подходит для статей по истории искусства.
9. Дайте время вычитать свою статью.Прочтите его вслух и посмотрите, имеет ли он смысл. Если вам нужна помощь по техническим аспектам письма, воспользуйтесь Университетским центром письма (569-8343) или интерактивной лабораторией письма. https://ualr.edu/writingcenter/
10. При необходимости обратитесь за помощью к своему инструктору.

Дополнительная информация

Для получения дополнительной информации и дополнительных обсуждений о написании формального анализа см. Следующее. Некоторые из этих источников также предоставляют много информации о написании исследовательской работы по истории искусства, то есть статьи, более амбициозной по объему, чем формальный анализ.

M. Getlein, Gilbert’s Living with Art (10-е издание, 2013 г.), стр. 136-139 — это очень краткий анализ одной работы.

М. Стокстад и М. В. Котрен, История искусств (5-е издание, 2014 г.), «Стартовый комплект», стр. Xxii-xxv — это краткое описание.

S. Barnet, Краткое руководство по написанию статей об искусстве (9-е издание, 2008 г.), стр. 113-134 посвящено формальному анализу; вся книга отлично подходит для любых письменных заданий.

Р. Дж. Белтон, История искусства: предварительный справочник http: // www.ubc.ca/okanagan/fccs/about/links/resources/arthistory.html, вероятно, более полезен для исследовательской работы по истории искусства, но части этого плана относятся к обсуждению формы произведения искусства.

Журнал

Eye | Особенность | Дизайнер как автор

Авторство стало популярным термином в кругах графического дизайна, особенно в тех, кто находится на грани профессии: академии дизайна и темная территория между дизайном и искусством. В этом слове есть важная составляющая с соблазнительной коннотацией происхождения и действия.Но вопрос о том, как дизайнеры становятся авторами, сложен. и кто именно подходит и как может выглядеть созданный дизайн, зависит от того, как вы определяете термин и определяете допуск в пантеон.

Авторство может предложить новые подходы к проблеме процесса проектирования в профессии, которая традиционно больше ассоциируется с коммуникацией, чем с созданием сообщений. Но теории авторства также служат в качестве стратегии легитимации, а авторские устремления могут в конечном итоге укрепить определенные консервативные представления о производстве дизайна и субъективности — идеи, которые противоречат недавним критическим попыткам ниспровергнуть восприятие дизайна как основанного на индивидуальном блеске.Последствия такого переопределения заслуживают тщательного изучения. Что на самом деле означает призвать графического дизайнера быть автором?

Значение слова «автор» значительно изменилось на протяжении истории и было предметом пристального изучения на протяжении последних 40 лет. Самые ранние определения не связаны с написанием как такового , а скорее обозначают «человека, который создает или дает существование чему-либо». Другие употребления имеют авторитарный — даже патриархальный — коннотации: «отец всей жизни», «любой изобретатель, конструктор или основатель», «тот, кто порождает» и «директор, командир или правитель».Совсем недавно основополагающее эссе Уимсатта и Бердсли «Заблуждение о намерениях» (1946) было одним из первых, в которых вбил клин между автором и текстом, утверждая, что читатель никогда не сможет действительно «узнать» автора через его или ее сочинения. (1) Так называемая « смерть автора », наиболее лаконично предложенная Роландом Бартесом в эссе с таким названием 1968 года, тесно связана с рождением критической теории, особенно теории, основанной на реакции читателя и его интерпретации, а не на интенциональности. .(2) Мишель Фуко использовал риторический вопрос «Кто такой автор?» В 1969 году в качестве названия влиятельного эссе, в котором в ответ на Барта очерчиваются основные характеристики и функции автора, а также проблемы, связанные с общепринятыми представлениями об авторстве. и происхождение. (3)

Фуко продемонстрировал, что на протяжении веков отношения между автором и текстом менялись. Самые ранние священные тексты не имеют автора, их происхождение потеряно в истории. Фактически, древнее анонимное происхождение таких текстов служит своеобразной аутентификацией.С другой стороны, научные тексты, по крайней мере до эпохи Возрождения, требовали имени автора в качестве подтверждения. Однако к XVIII веку, утверждает Фуко, ситуация изменилась: литература была написана, а наука стала продуктом анонимной объективности. Как только авторов начали наказывать за их написание, то есть когда текст мог быть трансгрессивным, связь между автором и текстом была прочно установлена. Текст стал своего рода частной собственностью, принадлежащей автору, и была разработана критическая теория, которая укрепила эти отношения, ища ключи к тексту в жизни и намерениях его автора.С другой стороны, с появлением научного метода научные тексты и математические доказательства больше не рассматривались как авторские тексты, а как открытые истины. Ученый раскрыл существующее явление, факт, который мог бы раскрыть любой, кто столкнулся бы с такими же условиями. Следовательно, ученый и математик мог бы быть первым, кто открыл парадигму и дал ей свое имя, но никогда не мог претендовать на авторство над ней.

Постструктуралистские чтения склонны критиковать престиж, приписываемый фигуре автора.Фокус смещается с намерения автора на внутреннюю работу письма: не , что это означает , а , как это означает . Барт заканчивает свое эссе предположением, что «рождение читателя должно быть ценой смерти автора». (4) Фуко представляет себе время, когда мы могли бы спросить: «Какая разница, кто говорит?» (5) Представление о том, что текст — это строка слов, раскрывающая единственное значение, центральное послание автора / бога, опровергнуто.

Постмодернизм обратился к «фрагментированной и шизофренической децентрализации и рассредоточенности» субъекта, — отмечал Фредерик Джеймсон.(6) Понятие децентрированного текста — текста, который отклонен от прямой линии связи между отправителем и получателем, отделен от авторитета своего источника и существует как свободно плавающий элемент в поле возможных значений — фигурирует. в значительной степени в недавних конструкциях дизайна, основанных на чтении и читателях. Но прозорливое представление Кэтрин Маккой о дизайнерах, выходящих за рамки решения проблем и «создающих дополнительный контент и застенчивой критики сообщения… принимая роли, связанные с искусством и литературой», зачастую истолковывалось неверно.(7) Вместо того, чтобы работать над включением теории в свои методы производства, многие так называемые « деконструктивистские » дизайнеры буквально иллюстрировали Барт образ читательского текста — « ткань цитат, взятых из бесчисленных центров культуры », разбрасывая фрагменты цитат на поверхности их «авторских» плакатов и обложек книг. (8) Темные последствия теории Барта, заметьте Эллен Луптон и Дж. Эбботт Миллер, были преобразованы в «романтическую теорию самовыражения».(9)

Возможно, после многих лет безликих фасилитаторов дизайнеры были готовы высказаться. Некоторые, возможно, стремились отбросить внутренние дела формализма — позаимствовав метафору, использованную Полем де Маном — и перейти к внешним отношениям внешней политики и содержания. (10) К 1970-м годам Дизайн начал отказываться от научного подхода. который господствовал на протяжении десятилетий, примером чего может служить рационалистическая идеология, проповедовавшая строгое соблюдение вечной решетки.

Восприятие Мюллер-Брокманном «эстетического качества математического мышления» является наиболее ярким и наиболее цитируемым примером этого подхода.(11) Мюллер-Брокманн и множество других исследователей, таких как Кепес, Дондис и Арнхейм, работали над раскрытием ранее существовавшего порядка и формы в том, как ученый раскрывает «истину». Но что наиболее своеобразно и показательно в работах Мюллер-Брокманна, так это то, что он полагается на образы подчинения: дизайнеры подчиняются воле системы, отказываются от личности, отказываются от интерпретации.

На первый взгляд, по крайней мере, может показаться, что дизайнеры отходили от научных текстов без авторов, в которых были выявлены незыблемые визуальные принципы, достигнутые в результате обширных визуальных исследований, к положению, в котором дизайнер мог бы претендовать на некоторый уровень знаний. владение сообщением (и это в то время, когда литературная теория отходила от этой самой позиции).Но некоторые институциональные особенности дизайнерской практики идут вразрез с рьяными попытками самовыражения. Идея децентрализованного сообщения не обязательно хорошо сочетается с профессиональными отношениями, в которых клиент платит дизайнеру за передачу конкретной информации или эмоций. Кроме того, большая часть дизайна выполняется в условиях сотрудничества, либо в рамках отношений с клиентами, либо в контексте студии, которая использует таланты множества творческих людей, в результате чего происхождение любой конкретной идеи остается неопределенным.Вездесущее давление технологий и электронных коммуникаций только еще больше омрачает ситуацию.

Есть ли в доме автор?
Возможно, неудивительно, что «Смерть автора» Барта была написана в Париже в 1968 году, когда студенты присоединились к рабочим на баррикадах во всеобщей забастовке, а западный мир заигрывал с настоящей социальной революцией. Призыв к свержению власти в лице автора в пользу читателя, то есть масс, имел в 1968 году реальный резонанс.Но чтобы потерять силу, вы уже должны были надеть мантию, и, возможно, поэтому у дизайнеров была проблема с попытками свергнуть силу, которой они никогда не обладали.

Фигура автора предполагала тоталитарный контроль над творческой деятельностью и казалась неотъемлемой частью высокого искусства. Если относительный уровень гениальности — со стороны автора, художника, скульптора или композитора — был высшей мерой художественных достижений, деятельность, не имевшая четкой центральной авторитетной фигуры, обесценивалась.Интересным примером является развитие теории кино в этот период. В 1954 году кинокритик и подающий надежды кинорежиссер Франсуа Трюффо впервые обнародовал «политику авторов», полемическую стратегию, разработанную для изменения конфигурации критической теории кино. результат широкого сотрудничества, как работа одного художника, а значит, произведение искусства. Решение состояло в том, чтобы определить набор критериев, по которым критик мог определять определенных режиссеров как авторов.Авторская теория утверждала, что для того, чтобы сделать фильм произведением искусства, режиссер — до сих пор лишь одна треть творческой тройки режиссера, писателя и кинематографиста — имел полный контроль над всем проектом.

Авторская теория — особенно в том виде, в котором ее поддерживает американский критик Эндрю Сарис — предполагала, что режиссеры должны соответствовать трем критериям, чтобы пройти в священный зал художников. (13) Саррис предложил, чтобы режиссер продемонстрировал техническую экспертизу, имел стилистическую подпись. это видно на протяжении нескольких фильмов и, благодаря выбранным им проектам и кинематографической обработке, демонстрирует согласованность видения и внутреннего смысла.Поскольку режиссер практически не контролировал материал, с которым работал, — особенно в рамках системы голливудских студий, где режиссеры были назначены для проектов, — особый подход к сценариям был особенно важен.

Интересный момент в теории авторства состоит в том, что теоретики кино, как и дизайнеры, должны были сконструировать понятие автора как средство поднять то, что считалось низким развлечением, на плато изобразительного искусства. Параллели между режиссурой фильма и практикой дизайна поразительны.Как и кинорежиссер, арт-директор или дизайнер часто дистанцируются от своего материала и совместно работают над ним, направляя деятельность ряда других творческих людей. Кроме того, на протяжении своей карьеры и режиссер, и дизайнер работают над множеством разных проектов с разным уровнем творческого потенциала. В результате любое внутреннее значение должно исходить как от эстетической обработки, так и от содержания.

Если мы применим критерии, используемые для определения авторов, к графическим дизайнерам, мы получим объем работ, который может быть повышен до статуса автора.Техническое мастерство может быть востребовано любым количеством практикующих, но если соединить это с фирменным стилем, поле сузится. Дизайнеры, отвечающие этим критериям, будут знакомы любому считывающему устройству Eye ; многие из них были опубликованы в журнале. (И, конечно же, выборочное переиздание определенных работ и исключение других составляют стилистически согласованное творчество.) В список, вероятно, войдут Фабиан Барон, Тибор Кальман, Дэвид Карсон, Невилл Броуди, Эдвард Фелла, Антон Бик, Пьер Бернар, Герт Данбар. , Таданури Йоку, Вон Оливер, Рик Валиченти, Эйприл Грейман, Ян ван Торн, Вольфганг Вайнгарт и многие другие.Но одна только прекрасная техника и стиль не делают автора. Если мы добавим требование « интерьер», означающее «», как обстоят дела в этом списке? Есть ли дизайнеры, которые с особым подходом и выбором проектов подходят к проблеме более глубокого смысла, как это делают Бергман, Хичкок или Уэллс?

Как вы сравниваете постер фильма с самим фильмом? Сам масштаб кинематографического проекта позволяет добиться такого широкого видения, которое невозможно в графическом дизайне. Следовательно, художники-графические авторы, почти по определению, должны были бы создать большие устоявшиеся работы, в которых проявляются различимые закономерности.Кто же тогда художники-графики? Возможно, Бернард и Ван Торн, возможно, Оливер, Бик и Фелла. Есть ощущение, что они получают более широкую идею, более глубокое качество в их работе, чему в случае Бернарда и ван Тоорна помогает их политическая принадлежность, а у Оливера — долгая ассоциация, которая создает последовательный жанр музыки, позволяющий проводить ряд экспериментов. . В этих случаях художник-график ищет проекты, над которыми ему поручено работать, с определенной, узнаваемой критической точки зрения.Ван Тоорн рассмотрит краткую сводку корпоративного годового отчета с социально-экономической точки зрения, Бернард вызывает позицию классовой борьбы, капиталистической жестокости и социальной дисфункции, а Оливер исследует темные вопросы разложения, восторга и человеческого тела. Жан Ренуар заметил, что художественный руководитель тратит всю свою карьеру на римейки вариаций одного и того же фильма.

Великие стилисты, такие как Карсон и Барон, похоже, не имеют права на допуск в авторский пантеон, по крайней мере, в соответствии с критериями Сарриса, поскольку в их работах трудно различить послание, которое выходит за рамки стилистической элегантности типографики в данном случае. Барона и изящной неэлегантности Карсона.(Вы должны спросить себя: «О чем их работа?») Валиченти и Броуди пытаются привнести внутренний смысл в свою работу — как в самостоятельно опубликованной рекламе СПИДа Валиченти и в привязанности Броуди к постлингвистическим алфавитным системам — но их результат остается невосприимчивы к любому такому вторжению. Однако подобное суждение подводит нас к ахиллесовой пяте авторской теории. Пытаясь описать внутренний смысл, Саррис прибегает к «неосязаемой разнице между одной личностью и другой».(14) Это отступление к неосязаемости — аспект «Я не могу сказать, что это, но я знаю это, когда вижу это» — одна из причин, по которым эта теория давно вошла в немилость в кругах кинокритиков. Он также никогда не рассматривал в достаточной мере совместную природу кино и беспорядочные проблемы кинопроизводства. Но хотя теория passé , ее эффект все еще с нами: режиссер и по сей день находится в центре нашего восприятия структуры фильма. Точно так же может случиться так, что мы годами применяем модифицированную теорию графического автора, даже не подозревая об этом.В конце концов, что такое теория дизайна, как не серия критических возвышений и понижений по мере развития нашего отношения к стилю, значению и значимости?

Другие модели авторства
Авторская теория может быть слишком ограниченной моделью для нашего нынешнего представления об авторстве дизайна, но есть и другие способы сформулировать проблему, основанные на различных видах практики: книга художника, конкретная поэзия, политическая активность и т. Д. издательское дело, иллюстрация и так далее. Может ли теория поэтики быть функциональной моделью? Использование — серьезный камень преткновения в попытке рассматривать созданное произведение как поэтическое: традиционно стихотворение как произведение искусства является самодостаточным артефактом, в то время как дизайн относится к некоторой внешней функции или явному намерению.

Это поэтическое / практическое противопоставление разрешается в двух примерах дизайнерского производства: книге художника и активистском дизайне. Книга художника предлагает форму дизайнерского авторства, функция которого полностью исключена. Книга художника в целом конкретна, ориентирована на себя и позволяет проводить ряд визуальных экспериментов без бремени выполнения рутинных коммерческих задач. Существует давняя традиция написания книг художников через исторический авангард, ситуационистов, флуксус и экспериментальное издательство 1960-х и 1970-х годов.Среди его экспонентов — эклектичное сочетание дизайнеров и авторов (Дитер Рот, Том Филлипс, Уоррен Лерер, Том Окерс, Йоханна Друкер), а также художников-визуалов (Роберт Моррис, Барбара Крюгер, Мэри Келли, Дженни Хольцер, Ханс Хааке). Дитер Рот выпустил монументальное и последовательное собрание книг, в которых саморефлексивным образом исследуется природа книг. Лерер сосредоточился на производственных процессах, таких как печать и переплет, а также на аспектах диалога и повествования. Недавно он создал новую группу графических портретов, распространенных в форме торговых книг в мягкой обложке, что, возможно, является самой последней попыткой широкого распространения.

Книги художников, в которых используются слова, изображения, структура и материал, чтобы рассказать историю или вызвать эмоцию, могут быть самой чистой формой графического авторства. Но странность этого жанра заключается в том, что многие из наиболее опытных дизайнеров избегают его, и большая часть работ, произведенных в рамках рубрика, имеет графическое качество ниже стандартного (не с точки зрения стоимости производства, которая часто обязательно низка, а в типография и композиция). Необычность книги художника, низкое техническое качество и отсутствие практического применения могут оттолкнуть профессионального графического дизайнера.

Если разница между поэзией и практическими сообщениями состоит в том, что последние успешны только тогда, когда мы правильно делаем вывод о намерении, тогда активистский дизайн будет считаться абсолютно практичным. Но активистская деятельность — включая работу Gran Fury, Bureau, Woman’s Action Coalition, General Idea, ACT-UP, Class Action и Guerilla Girls — также мотивирована и написана самими собой с четкой политической повесткой дня. Проактивная работа имеет голос и сообщение, но в ее явной преднамеренности не хватает самореференциальности книги художника.Тем не менее, несколько проблем омрачают проблему авторского активизма, не в последнюю очередь вопрос сотрудничества. Чей голос говорит? Не отдельная личность, а какое-то единое сообщество. Открыто ли это произведение для интерпретации или суть его в грубой передаче определенного сообщения? Рост активистского авторства усложнил всю идею авторства как своего рода свободного самовыражения.

Возможно, автор графики — это тот, кто пишет и публикует материалы о дизайне — Йозеф Мюллер-Брокманн или Руди ВандерЛанс, Пол Рэнд или Эрик Шпикерманн, Уильям Моррис или Невилл Броуди, Робин Кинросс или Эллен Луптон.Предпринимательское авторство дает возможность личного голоса и широкого распространения. Большинство делят действия на три незаметных действия: редактирование, написание и дизайн. Даже в качестве их собственных клиентов дизайн остается средством письменной мысли. (Кинросс, например, работает историком, затем меняет шляпы и становится типографом.) Руди ВандерЛанс, возможно, является самым чистым из авторов-предпринимателей, поскольку в Emigre все три вида деятельности сливаются в единое целое.В Emigre содержание глубоко встроено в форму, то есть формальное исследование является таким же содержанием журнала, как и его письмо. VanderLans выражает свое послание через выбор материала (как редактор), содержание письма (как писатель), а также форму страниц и типографику (как формуляр).

Эллен Луптон и ее партнер Дж. Эбботт Миллер почти в одиночку разработали новый критический подход к графическому дизайну в сочетании с исследовательской практикой.Такой проект, как выставка «Ванная, кухня и эстетика отходов» в Центре визуальных искусств MIT List, кажется, выходит на новый уровень графического авторства. Сообщение выражается одинаково с помощью графических / визуальных средств и текста. Дизайн шоу вызывает проблемы, которые заключаются в его содержании; он явно саморефлексивен. (Каталог выставки, напротив, не олицетворяет тот же уровень графического авторства. Здесь Люптон, кажется, вернулся к более знакомым, функционально разделенным ролям автора и дизайнера.) Но большая часть их другой работы требует считаться визуально и вербально.

В то время как работа Луптона и Миллера в первую очередь критическая — чтение внешних социальных и исторических явлений, ориентированное на конкретную аудиторию, — иллюстрированная книга, часто игнорируемая сообществом дизайнеров, почти полностью посвящена созданию творческого повествования. Книги для детей были одним из самых успешных изданий, но такие авторы / иллюстраторы, как Сью Коу, Арт Шпигельманн, Чарльз Бернс, Бен Катчор, Дэйв Макколли, Крис ван Аллесбург, Эдвард Гори и Морис Сендак, также использовали книгу в совершенно изобретательных целях. способами и произведена серьезная работа.Такие книги, как Maus Шпейгельмана и X Коу и Porkopolis , расширяют форму в новых областях.

Другие модели, которые могут указывать на уровень графического авторства, включают проекты такого масштаба, что от дизайнера требуется разобраться в море материала и построить повествование. Работа Брюса Мау с Ремом Колхасом над гигантским S, M, L, XL , архитектурным и типографским «романом» (см. Eye № 15, том 4), и пятилетнее поручение Ирмы Бум от влиятельного голландца. Корпорация по созданию памятного произведения неопределенной формы, масштаба и содержания — два таких проекта.Здесь дизайнер, работающий как кинорежиссер над разворачивающейся кинематографической структурой произведения, занимает главное место в формировании материала.

Последняя категория — это дизайнеры, которые используют средства профессионального графического дизайна для создания самореференциальных утверждений и сравнений. Примеры включают специальный выпуск Эйприл Грейман Design Quarterly , полномасштабное изображение ее пиксельного тела с личным текстом, полным снов и видений, а также любое количество замысловатых и загадочных работ таких авторов, как Том Бонауро и Аллен Хори (для Например, графическая интерпретация Хори эссе Беатрис Уорд в недавней рекламной акции Mohawk).Работая в пространстве между сервис-ориентированными проектами и свободным выражением, эти работы избегают параметров взаимоотношений с клиентом, сохраняя формы, продиктованные потребностями коммерции: книга, плакат, выставка и так далее. В случае визуального эссе Хори клиент платит за графическую работу для украшения корпоративного проекта, а дизайнер передает корпорации свои авангардные качества.

Вперед или назад?
Если способы, которыми дизайнер может быть автором, сложны и запутаны, то как дизайнеры использовали этот термин, так и ценность, приписываемая ему, одинаковы.Множество недавних заявлений провозглашают авторство панацеей от горестей заезженного дизайнера. Недавний призыв к участию в выставке дизайна под названием «Дизайнер как автор: голоса и видения» был направлен на выявление «графических дизайнеров, которые занимаются работой, выходящей за рамки традиционного коммерческого производства, ориентированной на услуги, и которые преследуют проекты, которые являются личными, социальными или социальными. исследовательский по своей природе »(15). Отказ от роли фасилитатора и призыв« выйти за рамки »традиционного производства подразумевают, что созданный замысел преследует более высокую, более чистую цель.Усиление личного голоса узаконивает дизайн как равный более традиционным привилегированным формам авторства.

Но если дизайнеры должны стремиться к открытому чтению и свободным интерпретациям текста — как убедили нас многочисленные современные теоретики, — этому желанию препятствуют оппозиционные теории авторства. Фуко отметил, что фигура автора не особенно раскрепощает: автор как источник, авторитет и окончательный владелец текста защищает от свободной воли читателя.Передача автору авторитета текста содержит и категоризирует произведение, сужая возможности для интерпретации. Фигура автора подтверждает традиционное представление о гениальном творце; статус создателя обрамляет произведение и придает ему мифическую ценность.

Хотя некоторые претензии на авторство могут быть просто признаком обновленного чувства ответственности, иногда они кажутся уловками для получения надлежащих прав, попытками проявить некую свободу действий там, где их традиционно не было.В конечном итоге автор приравнивается к авторитету. В то время как стремление к авторству графики может быть стремлением к легитимности или власти, обязательно ли признание дизайна как центрального персонажа положительным шагом? Разве это не то, что питало последние 50 лет истории дизайна? Если мы действительно хотим выйти за рамки модели «дизайнер-герой», нам, возможно, придется представить себе время, когда мы сможем спросить: «Какая разница, кто ее разработал?»

С другой стороны, работа создается кем-то. (Все эти призывы к смерти автора исходят от известных авторов.) Хотя развитие и определение художественных стилей, их идентификация и классификация лежат в основе устаревшей модернистской критики, мы все же должны работать над решением этих проблем по-новому. Возможно, настоящая проблема состоит в том, чтобы охватить множество методов — художественных и коммерческих, индивидуальных и совместных, — которые составляют язык дизайна. Изучение дизайнера как автора может помочь нам переосмыслить процесс, расширить методы проектирования и разработать нашу историческую основу для включения всех форм графического дискурса.Но хотя теории графического авторства могут изменить способ создания работы, в первую очередь и зрителя, и критика беспокоит не , кто это сделал , а скорее , что он делает, и , как это делает.

(1) У. К. Вимсатт и Монро К. Бердсли, «Умышленное заблуждение» в Критической теории со времен Платона , изд. Хазард Адамс, Нью-Йорк: HBJ, 1971

(2) Роланд Барт, «Смерть автора», в Image-Music-Text , New York, Hill and Wang (перевод Стивена Хита), 1977

(3) Мишель Фуко, «Кто такой автор?» В Textual Strategies , изд.Josué Harari, Ithaca: Cornell University Press, 1979

(4) Barthes, op. cit, p145.

(5) Фуко, указ. cit, p160

(6) Фредрик Джеймсон, цитата из книги Марка Дери «Постоянство промышленной памяти» в журнале Architecture New York no. 10, p25

(7) Кэтрин Маккой, «Новый дискурс» в Design Quarterly no. 148, 1990, p.16

(8) Barthes, op. cit., p146

(9) Эллен Луптон и Дж. Эбботт Миллер, «Деконструкция и графический дизайн: история встречается с теорией» в Visible Language 228.4, изд. Эндрю Бловельт, осень 1994 г., стр. 352

(10) Поль де Ман, «Семиология и риторика» в издании Textual Strategies , op. cit, p121

(11) Josef Müller-Brockmann, Сеточные системы в графическом дизайне , Stuttgart, Verlag Gerd Jatje, 1981, p10

(12) Cahiers du cinéma , no. 31 января 1954 г.

(13) См. Эндрю Саррис, The Primal Screen , New York, Simon & Schuster, 1973

(14) Эндрю Серрис, «Заметки об авторской теории в 1962 году» в Film Culture reader , изд.P. Adams Sitney, New York, Praeger Publishers, 1970, p133

(15) «Re: Quest for Submissions» на выставке «Designer as Author: Voices and Visions», Университет Северного Кентукки, 1996

Впервые опубликовано в Глаз № 20 т. 5 1996

Eye — это самый красивый и собираемый журнал о графическом дизайне в мире, который выходит ежеквартально для профессиональных дизайнеров, студентов и всех, кто интересуется критическими и осознанными статьями о графическом дизайне и визуальной культуре.Его можно приобрести во всех книжных магазинах с хорошим дизайном, а также в онлайн-магазине Eye, где вы можете приобрести подписку и отдельные выпуски.

---

.